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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807517726

商品编码：29867355141

丛书名： 古典吉他名作演奏指导(附光盘浪漫主义时期17

开本：8开

出版时间：2011-08-01

目录

浪漫主义时期(1790—1910)
第-部分：浪漫主义时期社会、政治、文化背景及音乐的特征
  浪漫主义时期的音乐
  社会、政治背景
    政治变革：法国大革命
    社会变革：工业革命
  文化艺术的变革
    文学的影响
    美术的影响
  变革对音乐生活的影响
    民族主义与异国主义
    音乐的状况
      演奏、演唱
      乐队指挥
  浪漫主义乐派及主要的音乐家
    贝多芬代表了音乐从古典主义风格到浪漫主义
    风格的转变
    早期、中期、晚期三个发展阶段的浪漫主义乐派
    贝多芬的《奏鸣曲》
    舒曼的《梦幻曲》
    舒伯特的《鳟鱼》主题与变奏
    柴科夫斯基的《天鹅湖序曲》
    威尔第的《善变的女人》
  音乐语言特征
    旋律
    和声与调性
    节奏
    音色
    结构
  风格小品
    谐谑曲
    叙事曲
    夜曲
  标题音乐
  浪漫主义时期的舞曲
    圆舞曲
    加洛普舞曲
  西班牙民族音乐家的代表人物
    阿尔贝尼斯(Isaac Manuel Albeniz，1860—1909)
    格拉纳多斯(Enrique Granados，1867—1916)
  浪漫主义时期的吉他音乐
    吉他音乐的第二次衰退期
    吉他音乐的再复兴时期
  近代吉他音乐之父——塔雷加(Francico Tarrega，1852—1909西班牙)
    塔雷加的《帕凡舞曲》(Pavana)
  浪漫主义时期的吉他演奏效果
    渐强和重音突强
    颤音(轮指)演奏效果
    塔雷加的《梦》
  塔雷加与托雷斯
第二部分：9位伟大的浪漫主义时期作曲家的影响
  第二衰退期
    作曲家：
      路易吉·雷纳尼(Luigi RinaldoLegnani，1790—1877意大利)
      拿破仑·科斯特(Napol60nCoste，1806—1883法国)
      约瑟夫·卡斯帕尔·墨茨(Joseph KasparMertz，1806—1856匈牙利)
      朱利欧·雷冈蒂(GiulioRegondi，1822—1872意大利)
      胡利安·阿尔卡斯(JulifinArcas，1832—1882西班牙)
      安东尼奥·卡诺·库烈拉(Antonio CanoCuffela，1811—1897西班牙)
      何塞·维纳斯·迪亚斯(Jos6 VifiasDiaz，1823—1888西班牙)
      何塞·费雷尔·埃斯特韦·德·普哈达斯(Jose FerrerEsteve De Pujadas，1835—1916西班牙)
  再复兴时期
    作曲家：
      弗朗西斯科·塔雷加(FrancicoTarrega，1852—1909西班牙)

编辑推荐

边看书，边听音乐，恍若隔世。犹如在一幅幅黑白照片和古城镇之间穿梭，在沧海桑田间进行着轮回，这便是上海音乐出版社的精品图书《古典吉他名作演奏指导》。该套书共分5册：《萌芽时期到文艺复兴时期》、《巴罗克时期》、《古典主义时期》、《浪漫主义时期》、《近现代时期》，共计收录了56位伟大作曲家的200余首吉他作品，并由国外演奏家示范演奏，图文并茂，尽沧桑而略显意趣。

这既是一套难得的吉他发展史料和名曲工具书，也是一部由技艺精湛的演奏家之手所描绘的音乐画作。书中在分析不同时期吉他作品时，言简意赅的讲述了社会政治、文化背景对于音乐风格的影响和音乐特征，以及乐器的沿革；同时还分析了作曲家艺术情趣、取向和音乐风格特点等。为我们的学习、研究、演奏，提供了丰富的知识内容和立体的艺术想象空间，不再有“言之无物”的空洞表象，和一堆无意义的音符堆砌。

对于使用者的建议：

1、             首先，这套书是言简意赅的音乐史工具书，因为是以“古典吉他”为导向，所以部分史料并未逐一涉及，但这对于研究吉他已经提供了足够的信息。

2、             第二，对照曲谱进行音乐欣赏。建议以每一本书为一个阶段，边对照作品，边欣赏CD作品。以《浪漫主义时期》为例，可先阅读文字资料，之后根据不同的时期背景选取乐曲进行欣赏，并寻找音乐特征。

3、             第三，进行演奏实践。相信对于很多吉他爱好者来说，看到本书的第-个愿望，就是马上可以演奏其中的乐曲。也许CD的示范演奏，可以提供一些乐曲的基本信息，帮助我们了解作品，同时还可以不加分析的进行模仿演奏。但事实上，对一个固定时期的作品进行全面的分析，包括那个时代的音乐特征、装饰音的表现方法、声部的分离与组合，然后再演奏，会是一个多么了不起的事情。当然这都在每首乐曲中，进行了详尽的描述和体现。

4、             第四，对教师而言，这是一套激发学生学习兴趣和练琴的教材。如果学生厌倦了音乐史课堂上的说教，那么就去听CD吧，让学生们选择自己喜欢的乐曲，然后对照学习进度，罗列出学习该曲的阶段计划，并监督实施，直到完成乐曲。

5。如果你对于中国日渐上涨的“世界名琴”的昂贵价格有所异议，建议仔细参考第-册《萌芽到文艺复兴时期》的附录部分。其中一项收录了“世界主要古典吉他制造商”，您可以登录他们的网站，或直接同他们联系。

《世说新语》：“阮光禄在剡，曾有好车，借者无不皆给。有人葬母，意欲借而不敢言。阮后闻之，叹曰：吾有车而使人不敢借，何以车为？遂焚之。”《古典吉他名作演奏指导》，无论从其思想性、学术性，还是知识性、艺术性的层面上看，是为好书，令见者无不跃跃欲试，若无借者，若无读者，若无使用者，何为好书？不如焚之。

内容推荐

    闵元禔编著的《古典吉他名作演奏指导(附光盘浪漫主义时期1790年-1910年)》总结了古典吉他音乐的历史以及浪漫主义时期1790年-1910年古典吉他音乐与当时社会的相互影响和作用。本书第-部分探究了音乐与文学、美术、科学、社会以及政治事件之间的关系。第二部分着重介绍了9位伟大的浪漫主义时期作曲家的影响，并独具匠心地采用了综合艺术的方式，为每一位古典吉他教师、学生以及音乐爱好者呈献了一份不可多得的音乐财富。

 

 

 

 

 

 

目录

浪漫主义时期(1790—1910)
第I部分：浪漫主义时期社会、政治、文化背景及音乐的特征
浪漫主义时期的音乐
社会、政治背景
政治变革：法国大革命
社会变革：工业革命
文化艺术的变革
文学的影响
美术的影响
变革对音乐生活的影响
民族主义与异国主义
音乐的状况
演奏、演唱
乐队指挥
浪漫主义乐派及主要的音乐家
贝多芬代表了音乐从古典主义风格到浪漫主义
风格的转变
早期、中期、晚期三个发展阶段的浪漫主义乐派
贝多芬的《奏鸣曲》
舒曼的《梦幻曲》
舒伯特的《鳟鱼》主题与变奏
柴科夫斯基的《天鹅湖序曲》
威尔第的《善变的女人》
音乐语言特征
旋律
和声与调性
节奏
音色
结构
风格小品
谐谑曲
叙事曲
夜曲
标题音乐
浪漫主义时期的舞曲
圆舞曲
加洛普舞曲
西班牙民族音乐家的代表人物
阿尔贝尼斯(Isaac Manuel Albeniz，1860—1909)
格拉纳多斯(Enrique Granados，1867—1916)
浪漫主义时期的吉他音乐
吉他音乐的第二次衰退期
吉他音乐的再复兴时期
近代吉他音乐之父——塔雷加(Francico Tarrega，1852—1909西班牙)
塔雷加的《帕凡舞曲》(Pavana)
浪漫主义时期的吉他演奏效果
渐强和重音突强
颤音(轮指)演奏效果
塔雷加的《梦》
塔雷加与托雷斯
第二部分：9位伟大的浪漫主义时期作曲家的影响
第二衰退期
作曲家：
路易吉·雷纳尼(Luigi RinaldoLegnani，1790—1877意大利)
拿破仑·科斯特(Napol60nCoste，1806—1883法国)
约瑟夫·卡斯帕尔·墨茨(Joseph KasparMertz，1806—1856匈牙利)
朱利欧·雷冈蒂(GiulioRegondi，1822—1872意大利)
胡利安·阿尔卡斯(JulifinArcas，1832—1882西班牙)
安东尼奥·卡诺·库烈拉(Antonio CanoCuffela，1811—1897西班牙)
何塞·维纳斯·迪亚斯(Jos6 VifiasDiaz，1823—1888西班牙)
何塞·费雷尔·埃斯特韦·德·普哈达斯(Jose FerrerEsteve De Pujadas，1835—1916西班牙)
再复兴时期
作曲家：
弗朗西斯科·塔雷加(FrancicoTarrega，1852—1909西班牙)

 

 

 

 

闵元禔编著的《古典吉他名作演奏指导(附光盘浪漫主义时期1790年-1910年)》总结了古典吉他音乐的历史以及浪漫主义时期1790年-1910年古典吉他音乐与当时社会的相互影响和作用。本书第I部分探究了音乐与文学、美术、科学、社会以及政治事件之间的关系。第二部分着重介绍了9位伟大的浪漫主义时期作曲家的影响，并独具匠心地采用了综合艺术的方式，为每一位古典吉他教师、学生以及音乐爱好者呈献了一份不可多得的音乐财富。

 

深入探索世界音乐的瑰宝：精选非浪漫主义时期音乐名著及技巧精研 本书致力于拓展吉他学习者对古典音乐广阔图景的认知，聚焦于浪漫主义浪潮之外，那些同样光辉灿烂的音乐时期与技术流派。我们将目光投向巴洛克时期精湛的对位艺术、文艺复兴时期的声部交织，以及二十世纪及当代音乐的革新与探索，提供一套全面且深入的非浪漫主义音乐演奏指导、历史赏析与实用曲谱资源。 第一章：追溯源头——文艺复兴与巴洛克时期吉他艺术的奠基 本章将带领读者回到吉他（或其前身，如维胡埃拉、鲁特琴）音乐的早期形态。我们不再深入探讨十九世纪的浪漫情怀，而是着重于古典体系建立之前的结构与技法。 1.1 文艺复兴时期的声部织体与演奏实践 维胡埃拉的黄金时代： 详细解析路易斯·德·米兰（Luys de Milán）、阿尔瓦罗·德·纳瓦雷斯（Alonso Mudarra）等大师的作品特点。重点探讨四部、五部声部的独立处理，以及基于鲁特琴和维胡埃拉谱制的三线谱和五线谱转换技巧。 指法与拨弦的初始形态： 研究早期指甲的使用习惯和指肉拨弦的音色差异。对比西班牙体系与意大利体系在乐器构造和演奏美学上的区别。 精选曲目赏析与练习： 选取如戈尔多尼亚诺（Luys de Narváez）的变奏曲范例，侧重于声部清晰度、和声进行的基础理解，而非浪漫时期的旋律线条渲染。 1.2 巴洛克协奏与赋格的吉他演绎 本节将完全聚焦于巴赫时代及之前，如何将宏大的复调音乐语言移植到结构相对简单的吉他上。 巴赫的“吉他”化改编（非管弦乐作品）： 深入研究那些为键盘乐器（大键琴、管风琴）创作的复调作品，如《平均律键盘曲集》的精选赋格与前奏曲，在现代吉他（六弦或更多）上的合理简化与声部配置。强调对位声部的独立性与声响平衡。 早期协奏曲的简化实践： 探讨巴洛克早期如孔蒂的鲁特琴协奏曲或协奏风格作品，如何在单乐器上模拟出“独奏与伴奏”的结构。 装饰音的精确执行： 详细解析巴洛克时期特有的颤音（Trill）、回音（Mordent）的演奏规范，强调其作为音乐表情符号的结构性作用，而非随性的情感流露。 第二章：古典时期的清晰与平衡——海顿、莫扎特及早期吉他文献 本章着眼于1750年至1820年间，音乐从巴洛克繁复走向古典主义的明晰结构，以及此时吉他（已逐步确立为现代六弦形式）在欧洲的地位。 2.1 奏鸣曲式的结构分析与演奏处理 索尔与卡罗利尼的早期贡献： 避开索尔后期成熟的浪漫风格作品，转而分析其早期如《A大调奏鸣曲》等，理解古典主义时期清晰的呈示部、发展部与再现部的结构要求。 清晰度胜于力度： 强调古典时期对音色的均匀要求，讲解如何通过精细的右手拨弦控制，实现清晰的线条流动，避免浪漫主义带来的过度揉搓感。 莫扎特钢琴奏鸣曲的改编视角： 借鉴莫扎特钢琴作品中清晰的对话性，指导演奏者如何在吉他上构建这种“独白与回应”的结构。 2.2 十八世纪吉他配件与音色研究 本节讨论当时乐器材料、尼龙弦替代品（肠弦）对音色的影响，以及这如何影响演奏者对音量的控制和音色的选择，使其区别于十九世纪的洪亮效果。 第三章：二十世纪的技法革新与现代主义的探索 本章完全脱离了浪漫主义的抒情传统，深入研究二十世纪为拓展吉他表现力所做的实验性工作。 3.1 现代吉他技法的飞跃：无调性与序列主义 巴雷斯与科奇的遗产： 重点分析安德烈斯·塞戈维亚之后，新一代作曲家如何利用吉他探索无调性、十二音体系。例如，分析一些早期的序列主义练习曲的指法布局。 拓展音域与特殊调弦： 深入研究为适应现代派音乐需要而设计的特殊调弦方式（如降弦、升高指板音高等），以及这些调弦对和声听觉带来的根本性改变。 3.2 拓宽听觉领域：噪音音乐与复调极限 “声响景观”的构建： 探讨如克塞基斯（Xenakis）风格的影响，如何将敲击琴体、滑弦、泛音群等非传统音源，系统地纳入乐曲的结构之中。这要求演奏者掌握精确控制“噪音”的技巧，而非仅仅是“声音的意外”。 微分音与微间隔： 针对一些探索特定微小音程的当代作品，教授如何训练耳朵和手指来精确把握半音之间的细微差别，挑战传统十二平均律的束缚。 3.3 跨界与民族音乐的吸收——聚焦非拉丁美洲传统 本章将避免讨论如皮亚佐拉等受浪漫主义或弗拉门戈影响较深的作曲家，转而关注吉他如何吸收其他非欧洲主流传统的元素。 中东和亚洲音乐的韵律与音阶： 分析一些受印度拉格（Raga）或中东调式启发的吉他作品，探讨如何用吉他模仿西塔琴的滑音（Meend）或弓弦乐器的颤音效果。 第四章：演奏效率与技术批判性评估 本章提供一种批判性的视角，审视技术训练的有效性，重点在于如何建立超越某一特定历史风格的、普适性的演奏效率。 4.1 速度与清晰度的分离训练 非匀速练习法： 介绍旨在打破“一味追求快”的练习方法，侧重于节奏的极端变化（如五连音对四分音符的交替练习），以提高手指在复杂节奏下的独立控制力。 静默中的力量： 强调手指抬起、静止、准备发力时的“空档”训练，这对于精确弹奏复调作品中的后进声部至关重要。 4.2 乐谱阅读的结构化训练 和声框架的即时识别： 训练演奏者在阅读复杂现代作品时，能够快速定位传统和声的“锚点”，即使在充满不协和音的环境中，也能保持对乐曲宏观结构的把握。 历史版本的比对与取舍： 教授如何通过研究不同时期（如早期版、修订版、不同大师的批注版）的谱本，批判性地理解演奏习惯的演变，从而形成自己对特定历史时期作品（非浪漫主义）的演奏立场。 本书旨在为追求技术深度和音乐广度的吉他学习者提供一个坚实的理论与实践基础，使他们能够自信地驾驭从文艺复兴的对位到二十世纪先锋派的各种音乐语言，从而全面丰富其音乐视野，超越单一时代风格的局限。

评分☆☆☆☆☆

对于任何一位严肃对待古典吉他艺术的爱好者而言，这本书是案头必备的“圣经”之一。它的实用性体现在每一个章节，无论你是想精进特定技巧，还是想系统地建立自己的演奏曲库，都能从中找到清晰的指导。我发现它在处理连贯性乐句和复杂织体时的建议非常具有操作性，它不是空谈理论，而是提供了立竿见影的练习方法。而且，书中对不同演奏版本的对比分析也十分精彩，这鼓励我们不要满足于一个固定的版本，而是要学会批判性地吸收和选择最适合自己的表达方式。这本书的厚重感，源自于作者对吉他艺术几十年如一日的专注与热爱。它激发了我对“完美演奏”的无限向往，并为我提供了实现这个目标的清晰路线图。这是一次知识的盛宴，也是一次对艺术追求的再肯定。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始有点担心这么厚的书会不会太枯燥，但事实证明我的顾虑完全是多余的。这本书的叙事方式非常生动，充满了对古典吉他艺术的热忱。它没有那种高高在上的学术腔调，而是用一种非常平易近人的语言，引导读者去感受音乐的脉搏。我最喜欢它在讲解那些著名乐曲时，那种对细节的把控力。比如，它会详细分析一个颤音应该持续多久，一个琶音的力度分布如何才能达到最佳效果，这些微小的差别，正是区分“弹奏”与“演奏”的关键所在。对于我这种业余爱好者来说，它极大地拓宽了我对古典音乐的认知边界，让我意识到吉他不仅仅是演奏旋律的乐器，它在和声的饱满度和音色的层次感上有着惊人的潜力。每读完一章，都有一种豁然开朗的感觉，仿佛打开了一扇通往更广阔音乐世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

这份教材的编排简直是教科书级别的典范，我从未见过如此系统和严谨的吉他学习资料。它仿佛是一场穿越时空的音乐之旅，将那些遥不可及的大师作品，通过极其严谨的分析，变得触手可及。作者对每一首曲目背后的文化背景和作曲家的创作意图都有独到的见解，这使得我们在练习时不再是机械地重复指法，而是真正融入到作品的情感世界中去。我特别欣赏它在技术层面的剖析——比如如何处理连奏的平滑过渡，如何区分不同时期曲目的音色特点，这些都是我在其他教材中常常忽略的细节。翻阅此书，我感觉自己像是在一位经验丰富的导师的指导下，一步步地解构复杂的音乐结构。这本书的价值不仅仅在于它能教会你“怎么弹”，更在于它教会了你“为什么要这么弹”。对于希望在音乐理解和演奏技术上寻求双重突破的人来说，这无疑是一份不可多得的珍宝。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的深度远远超出了我的预期。它不是那种速成的“秘籍”，而是一部需要沉下心来细细品味的艺术论著和实践指南的完美结合体。书中对演奏诠释的讨论，尤其让我受益匪浅。它探讨了不同历史时期演奏风格的差异，比如如何用更古典的方式处理巴赫的作品，又如何用更具浪漫主义激情的色彩去演绎索尔的作品。这种历史纵深感让我的演奏立刻变得立体起来。我不再是孤立地看待每一首曲子，而是将其置于整个吉他发展史的脉络中去理解。书中提供的示范和分析，精准地指出了普通学习者在情感表达上常犯的错误，并给出了非常具体的修正方案。对于那些已经掌握了基本功，但渴望在音乐深度上寻求突破的吉他手们，这本书提供的思维框架是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是吉他学习者的一座灯塔！我拿到手的时候就被它扎实的理论基础和详尽的技巧解析深深吸引住了。它不仅仅是罗列了一堆练习曲，而是真正深入到了演奏的精髓。对于我这种想把古典吉他弹得更富感情的乐手来说，这本书提供了一套清晰的路径。书中对指法、触弦方式的描述细致入微，几乎手把手教你如何发出更纯净、更具歌唱性的音色。尤其是关于和声的讲解，让我这个之前只注重指法的爱好者，开始理解了为什么某些音符的组合会产生如此强烈的戏剧张力。它没有那种空泛的赞美，全是实打实的干货。阅读过程中，我发现自己对平时觉得很棘手的段落，有了全新的理解和解决思路。这本书的排版也十分人性化，乐谱清晰易读，注释详尽，即使是初学者也能很快上手，而经验丰富的演奏家也能从中挖掘出新的宝藏。我强烈推荐给所有想提升演奏表现力的吉他学习者。