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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805534206

商品编码：29867413131

丛书名： 音乐欣赏基础教程

出版时间：1993-11-01

 

目录

 

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编者前言
章 欣赏导论
节 关于欣赏
一、音乐欣赏
二、音乐信息
三、感知能力
第二节 曲式
一、乐段、一部曲式
二、单二、单三部曲武
三、回旋曲式
四、变奏曲式
五、复二、复三部曲式
六、奏鸣曲式
练习题

 

 

 

内容提要

 

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《音乐欣赏基础教程》在《导论》综合性介绍的情况下，通过对歌曲、戏曲音乐、说唱音乐、中小型乐器作品、交响音乐和歌剧、舞剧等的赏析，使我们增加了对音乐基本要素的了解，浏览了古今中外丰富多彩的音乐宝藏，也使我们对音乐和音乐的发展会有更全面的认识。音乐作为崇高的艺术，是文化的一部分。它蕴含着美，向人类展示着美，并引导着人类进入美的境界。《音乐欣赏基础教程》的学习可以使我们增加对音乐的认识，更好地发挥音乐中的审美教育和认识功能。作为，教材，《音乐欣赏基础教程》的容量是相当丰富的，意在让大家在有限的时间里对什么是音乐、如何感受音乐以及音乐的要素、古今中外的音乐发展情况、作家和作品有一个基本的了解和认识。音乐是人类珍贵的精神财富，让我们在音乐声中去认识色彩斑斓的人类世界，让我们在音乐中陶冶自己，让我们在音乐声中去为人类美好的明天而努力。音乐伴随着我们，我们在音乐中相知又相容。让我们敞开自己的胸怀，去拥抱生活，去创造更新更美的音乐篇章吧！

 

编者前言
章 欣赏导论
节 关于欣赏
一、音乐欣赏
二、音乐信息
三、感知能力
第二节 曲式
一、乐段、一部曲式
二、单二、单三部曲武
三、回旋曲式
四、变奏曲式
五、复二、复三部曲式
六、奏鸣曲式
练习题

 

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音乐的殿堂：从古至今的声音之旅 本书聚焦于西方古典音乐发展脉络的宏大叙事，旨在为初学者构建一个清晰、立体的音乐史框架，并深入剖析各个历史时期最具代表性的音乐体裁、作曲家及其核心作品的艺术价值与时代背景。 本书并非一本技巧指导手册，而是侧重于音乐作为一种人类文化现象的演变历程。我们相信，理解音乐的“为什么”与“如何成为今日之状”，比单纯识别音符本身更为重要。因此，全书以时间为轴线，穿梭于中世纪的圣咏、文艺复兴的复调精妙，直至浪漫主义的恢弘叙事与二十世纪的流派纷呈。 第一部分：奠基时代——中世纪与文艺复兴的宗教与世俗回响 中世纪（约500年—1400年）：神圣之声的诞生 本卷将首先探究西方音乐的源头——教会音乐。我们将详细阐述格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音性质、音阶结构及其在弥撒仪式中的核心作用。这不是枯燥的教义记录，而是对早期欧洲精神世界的听觉投射。我们将分析纽姆记谱法（Neumes）如何从简单的符号发展成为记录旋律的工具，以及奥尔加农（Organum）等早期复调形式的出现，如何为未来音乐的复杂性埋下伏笔。 同时，我们会关注中世纪世俗音乐的重要性，游吟诗人（Troubadours, Trouvères）的作品如何以爱情、骑士精神和日常生活为主题，展现出与神圣音乐截然不同的生命力。这些作品是研究早期民间音乐和叙事性歌曲的宝贵财富。 文艺复兴（约1400年—1600年）：人性的觉醒与复调的黄金时代 文艺复兴的核心在于人文主义思潮对艺术的影响。音乐摆脱了对教会的绝对依附，开始关注表达的清晰性与情感的细腻性。本部分重点剖析经文歌（Motet）和弥撒曲（Mass）的结构演变，特别是奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯坎·德普雷（Josquin des Prez）如何将对位技巧推向极致，使得多声部线条既独立又和谐共存。 此外，我们对牧歌（Madrigal）的探讨将深入解析“文字乐”（Word Painting）的技法，即音乐如何精妙地描绘歌词的含义，展现出强烈的戏剧性和文学性，预示着巴洛克歌剧的萌芽。 第二部分：辉煌的结构——巴洛克与古典主义的理性与激情 巴洛克时期（约1600年—1750年）：情感的爆发与形式的规范 巴洛克是音乐史上一个充满对比和张力的时代。本部分将核心解析歌剧（Opera）的诞生及其早期发展，从蒙特威尔第（Monteverdi）的戏剧性咏叹调到亨德尔（Handel）宏大的清唱剧。 我们将详细剖析巴洛克音乐的两大核心特征：数字低音（Basso Continuo）的演奏实践，以及对比原则在音乐结构中的应用。重点分析托卡塔（Toccata）、赋格曲（Fugue）等器乐体裁的精妙结构，尤其是巴赫（J.S. Bach）如何将对位艺术提升到无可企及的高度，《平均律键盘曲集》的意义远超技巧展示。同时，对协奏曲（Concerto），特别是维瓦尔第（Vivaldi）的成就进行梳理，理解“快-慢-快”结构的固定。 古典主义时期（约1750年—1820年）：清晰、平衡与完美的形式 与巴洛克的复杂装饰性相对，古典主义追求清晰的旋律线条、对称的结构和清晰的和声逻辑。海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）是这一时期的丰碑。 本卷的重中之重是对奏鸣曲式（Sonata Form）的系统性讲解——呈示部、发展部和再现部的内在逻辑和戏剧冲突。我们将通过分析海顿的“伦敦交响曲”、莫扎特的钢琴协奏曲，展示如何将复杂的思想融入到典雅的形式之中。最后，我们将考察贝多芬如何通过对既有体裁的突破（尤其是晚期弦乐四重奏），为浪漫主义的到来铺平道路。 第三部分：情感的潮涌——浪漫主义的个性表达与民族色彩 浪漫主义时期（约1820年—1900年）：主观体验的无限扩张 浪漫主义音乐的核心是“自我”的表达，是对理性主义的反叛和对无限情感、自然、神秘主义的向往。本部分将探讨： 1. 艺术歌曲（Lied）的兴盛：以舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）为例，分析钢琴与声乐如何达到“诗与乐的完美结合”，钢琴不再是简单的伴奏。 2. 交响诗（Symphonic Poem）的出现：李斯特（Liszt）如何打破固定体裁，用音乐讲述文学或绘画的故事，标志着标题音乐（Program Music）的成熟。 3. 民族乐派（Nationalism）的崛起：探讨德沃夏克（Dvořák）对捷克民间音乐的运用，以及俄罗斯“五人强力集团”如何构建具有本土特色的音乐语言，打破德奥音乐的垄断地位。 4. 大型歌剧的变革：瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）系统及其对和声语言的激进探索，如何彻底改变了歌剧的戏剧结构和听觉体验。 结语：通往二十世纪的桥梁 本书最后将简要回顾浪漫主义晚期作曲家（如马勒、理查·施特劳斯）如何将交响诗和交响曲推向了体量的极致与情感的极限，从而不可避免地导致了对传统调性系统的瓦解，为我们理解二十世纪音乐的多元化和实验性，提供必要的历史铺垫。 本书的价值在于，它提供的是一把理解音乐史演变逻辑的钥匙，而非一张死记硬背的作曲家名单。通过对结构、时代精神与技术创新的深入剖析，读者将能以更具洞察力的视角去欣赏那些跨越时空的伟大作品。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐欣赏基础教程》简直是为我这种音乐小白量身定做的！我一直对古典音乐充满好奇，但一打开乐谱就头大，各种术语和复杂的结构完全看不懂。这本书的叙述方式非常亲切，就像一位耐心的老师在耳边慢慢讲解。它没有一开始就堆砌那些晦涩难懂的理论，而是从我们最熟悉的旋律入手，比如一首耳熟能详的进行曲或者一首浪漫的圆舞曲，然后巧妙地引出和声、织体这些概念。我特别喜欢它在讲解“曲式”那一部分时，用了大量的图示和生活化的比喻，比如把奏鸣曲式比作一个完整的故事，有引子、冲突和最终的和解。通过这样的讲解，我终于明白了为什么有些音乐听起来感觉很“完整”，而有些则显得松散。这本书的排版也很舒服，字号适中，插图清晰，阅读体验极佳。更重要的是，它教会了我“如何去听”，而不是仅仅“听到声音”，这种从被动接受到主动理解的转变，对我来说是巨大的收获。现在走在街上，听到背景音乐，我能分辨出它是哪个时期的作品，甚至能大致判断出它是主调音乐还是复调音乐，这种自信和乐趣，是这本书带给我的最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

对于一个自学音乐理论的爱好者来说，寻找一本既有学术严谨性又兼顾可读性的教材实在不易。市面上很多书要么学术味太浓，让人望而生畏；要么为了追求通俗，牺牲了关键性的细节。这本《音乐欣赏基础教程》找到了一个绝佳的平衡点。它的结构安排极其合理，循序渐进，从最基本的节奏、节拍概念开始，逐步深入到调式、和弦的色彩变化。我特别欣赏它在讲解“和声功能”时所采用的对比分析法。例如，当解释主、属、下属和弦的功能时，它会并列分析一首海顿的古典小品和一首近代的流行歌曲片段，直观地展示了这些基本和声语言在不同音乐语境中的作用和情感倾向。这种跨越时空的对比，让我深刻理解了西方音乐语言的传承与演变。阅读过程中，我几乎没有遇到需要反复回溯才能理解的概念。作者的逻辑链条非常清晰，每一步的引入都自然而然，仿佛在进行一场精彩的逻辑推理游戏，而非枯燥的知识灌输。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，更在于它为我们提供了一种“批判性聆听”的视角。很多音乐入门书只是告诉你“这是什么”，但这本教程更进一步，引导你去思考“它为什么是这样”。例如，在讨论到不同时代音乐的“情感表达方式”时，它清晰地指出了从巴洛克时期的“客观情感”到浪漫主义时期的“主观抒情”的转变，并详细分析了在配器和旋律走向上的具体体现。我记得有一章专门分析了变奏曲的写作手法，它没有仅仅停留在“主题的变形”这一层面，而是深入探讨了作曲家如何通过节奏的打乱、和声的置换来展现对主题精神的“重新诠释”或“反叛”。这种深入骨髓的分析，让我开始用更成熟的眼光看待我过去只是“喜欢”的音乐。它教导我们去尊重创作者的选择，去理解每一个音符背后的意图，这种尊重和理解，是真正高级的音乐鉴赏的起点。这本书绝对值得每一位想要真正理解音乐的人放在案头，时常翻阅。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我原本对这类“基础教程”抱持着一丝怀疑，总觉得它们要么过于浅薄，要么就是老一套的理论堆砌，没什么新意。然而，这本《音乐欣赏基础教程》却出乎意料地展现出极强的时代感和实用性。作者在选择范例曲目时，明显花了很多心思，不仅仅局限于巴赫、莫扎特这些“圣人”，还纳入了大量浪漫主义后期甚至一些二十世纪初的先锋作品作为解析样本。比如，在讨论“管弦乐队的色彩”时，作者没有干巴巴地罗列乐器家族，而是选取了德彪西的几部印象派作品作为范例，详细分析了长笛、单簧管在高音区如何模拟水波的闪烁感，大提琴和低音单簧管如何营造出深沉的阴影。这种将抽象的听觉感受与具体的配器手法联系起来的教学方法，对我这种视觉和触觉敏感的人来说，简直是醍醐灌顶。我甚至开始尝试用文字去“描绘”我听到的音乐画面，这极大地丰富了我的精神世界。这本书的深度和广度，远超出了“基础”二字的限定，更像是一张通往更广阔音乐殿堂的精美邀请函。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书主要是为了应对即将到来的一个音乐史选修课，希望能快速建立起一个基本的知识框架。这本书的表现远远超出了我的预期，它不仅仅是一个应试工具，更是一部激发我对音乐热爱的催化剂。我发现它在描述“音乐中的戏剧性”时，使用了非常生动的文学笔法。它将赋格曲的对位想象成几个角色之间精妙的对话和追逐，将歌剧咏叹调的起伏比作人类情感的潮汐。这种将纯粹的听觉艺术转化为具象化体验的能力，极大地降低了欣赏门槛。当我第一次尝试去分析一首巴洛克时期的赋格时，不再感到迷茫，我能“听见”那个主题是如何被巧妙地模仿、拉伸、倒影，并最终汇集成一个宏大的整体。这种带有强烈画面感的描述，让我不再感觉音乐是飘渺无实的，而是有着坚实结构和清晰目的的艺术表达。这本书的价值在于，它提供了一套完整的“解码器”，让我们能够安全、自信地进入到那些原本看似高不可攀的音乐世界中去探险。