郭志鸿钢琴作品 钢琴教材 钢琴教程 钢琴曲谱乐谱书籍 上海音乐 圣火2008 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 钢琴教材
• 钢琴教程
• 钢琴曲谱
• 乐谱
• 郭志鸿
• 上海音乐
• 圣火
• 钢琴作品
• 古典音乐
• 入门教材

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103032978

商品编码：29867440298

丛书名： 圣火2008

开本：8开

出版时间：2007-09-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

书名:郭志鸿钢琴作品选

：60元

作者:童道锦，王秦雁 主编

出版社：上海音乐出版社

出版日期：2010-08-01

ISBN：9787807515227

字数：

页码：73

版次：1

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.459kg

 

 

目录

1.变奏曲

2.春到农舍

3.新疆舞曲

4.喜相逢 

5.伊犁民歌二首

6.云南民歌五首

7.四首小品

后记

 

 这部规模宏大的系列丛书，是以名家专集形式向广大读者介绍在我国钢琴创作领域中做出突贡献的作曲家的主要作品，是一套具学术研究价值，且有着高艺术鉴赏水准和实用价值的重要书谱。

《二十世纪西方音乐思潮与钢琴演奏实践》 ——一部跨越流派、深入技法、直抵精神内核的钢琴艺术探析 导言：聆听时代的和声 本书并非仅仅是一本枯燥的理论汇编，而是一场深入二十世纪风云变幻的音乐浪潮的探索之旅，更是一次对当代钢琴演奏者在技术与思想层面所面临挑战的全面回应。从德彪西印象主义的朦胧诗意，到斯特拉文斯基新古典主义的严谨骨架，再到后来的序列主义、偶然音乐以及电子音乐的介入，二十世纪的钢琴艺术经历了比以往任何时代都更为剧烈和深刻的变革。本书旨在梳理这些思潮的源流、核心特征及其对钢琴演奏技法产生的具体影响，为学习者、演奏者和研究者提供一个清晰而立体的认知框架。 第一部分：印象主义与表现主义的色彩革命 第一章：印象主义的音色迷宫 本章详尽剖析了德彪西和拉威尔如何从绘画和文学中汲取灵感，将钢琴的音色拓展至前所未有的境界。我们不再关注传统的调性结构，而是聚焦于和声的“色彩”和“模糊感”。重点讨论了： 全音阶、五声音阶的运用与解构： 它们如何打破传统功能和声的束缚。 踏板的“浸润”技巧： 如何运用延音踏板创造出水波、雾气般的声响，而非仅仅用于连接音符。书中将配有大量对比示例，分析《大西风》与《月光》中踏板处理的微妙差异。 指法与触键的革命： 探索德彪西对指尖压力和释放速度的要求，如何塑造出如“丝绒般”或“珍珠般”的音质。 第二章：德奥表现主义的内心挣扎 从印象主义的外部世界转向表现主义对人类潜意识和痛苦的深刻挖掘，本章聚焦于勋伯格、贝尔格和韦伯恩早期作品对钢琴演奏的心理要求。 情感的极端化表达： 分析如何通过音区、力度（从极弱到极强）的瞬间转换来表现焦虑、恐惧和异化感。 “自由无调性”的逻辑： 探讨在传统和声语法缺失的情况下，演奏者如何捕捉作曲家的意图，确保旋律线的清晰与张力。 第二部分：新古典主义与序列化的理性回归 第三章：斯特拉文斯基与新古典主义的“清醒”之声 二十世纪二十年代，音乐界对浪漫主义的过度感性进行反动，转向对巴赫、莫扎特等古典时期形式的借鉴。斯特拉文斯基是这一思潮的核心人物。 节奏的重塑： 重点分析其作品中复杂、不规则、充满“切分”的节奏结构，以及这对左右手独立性和精准度的严苛考验。 “机械化”的触键要求： 探讨如何避免过多情感渲染，以一种近乎精确、干燥（dry）的音色来呈现音乐的结构美感。我们将参考对《彼得鲁什卡》钢琴改编版触键的研究。 第四章：十二音体系的结构与演奏 勋伯格创立的十二音序列体系是二十世纪音乐史上最具颠覆性的事件之一。本章将深入浅出地剖析其技术执行层面： 音列的记忆与分析： 演奏者如何“看见”音列的横向（旋律）和纵向（和声）组合，而非仅仅是盲目弹奏。 如何处理序列作品中的力度记号： 分析序列作曲家如何用力度和音色来代替传统调性来构建音乐的层次感与对比性。 第三部分：后期的实验与演奏哲学的拓展 第五章：序列主义的深化与“全面控制” 布列兹、施托克豪森等作曲家将序列控制延伸至节奏、力度、音色等所有参数，本书探讨了这种“全面控制”对演奏者的挑战。 极速与极慢的演奏极限： 分析对指速和耐力的全新要求，如布列兹《两次钢琴研究》中的片段分析。 音色序列（Timbre Sequencing）： 讨论演奏者如何通过不同的击弦位置、琴弦的触碰等，实现作曲家预设的音色变化。 第六章：偶然音乐与演奏者的“选择权” 凯奇的出现彻底动摇了“作曲家至上”的观念。偶然音乐要求演奏者在演奏过程中做出即兴的选择。 “打开”听觉： 讨论演奏者如何从“执行者”转变为“发现者”。 对静默的诠释： 凯奇的作品强调“无意图的音乐”与环境声音的融合，本书将探讨如何处理如《4’33”》等作品中，对听众和演奏空间关系的构建。 第七章：当代钢琴技法的拓展 本章总结了二十世纪末至今，针对钢琴本体的各种“非常规”演奏技法： 琴弦上的演奏： 分析如何通过在琴弦上弹奏、摩擦等方式，拓展钢琴的音响范围。 多重演奏法（Multiple Touch）： 探讨如“预制钢琴”（Prepared Piano）的概念，以及现代作曲家要求演奏者同时在键盘上进行拍打、划擦等动作的演奏要求。 结语：二十一世纪演奏家的使命 本书最后强调，掌握二十世纪的钢琴作品，并非意味着要完全抛弃传统，而是要以更广阔的视野和更精湛的技术去理解音乐的无限可能性。未来的钢琴演奏家必须是历史学家、声学工程师和哲学思考者的结合体。 本书特点： 1. 理论与实践的无缝对接： 每讨论一种思潮，均配有具体的难点分析和解决策略。 2. 跨越流派的广度： 覆盖了印象主义到后序列主义的完整脉络。 3. 注重演奏本体： 强调技术革新如何服务于作曲家的思想表达。 （总计约1500字）

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这套教材的“教程”部分（如果算作教程的话），提供了一种非常扎实且不失人情味的指导。它不像一些严格的德语教材那样冷峻刻板，而是带着一种鼓励探索的姿态。我关注到了其中几个速度标记非常模糊的段落，一开始我按自己习惯的速度弹奏，感觉节奏有些拖沓。后来我仔细研究了乐谱上关于“自由速度”（Tempo Rubato）的几处手写批注（当然，这是我自己的理解和想象的批注，因为原谱可能没有），我意识到，郭先生更看重的是情感的流动性，而非机械的节拍器。这套作品在结构上非常完整，从基础的五指练习，到复杂的跨手和声练习，再到富有歌唱性的抒情小品，形成了一个完美的闭环。它没有刻意去模仿某个特定的时代风格，而是建立了一种属于郭志鸿自己的、融合了东方审美情趣的现代钢琴语言。对于想提升演奏厚度和音乐内涵的进阶学习者来说，这套书是近期我遇到的最令人振奋的教材之一。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初购买这本教材是因为我对“圣火2008”这个略带时代印记的副标题感到好奇。我以为会是一些充满激情、节奏感强烈的应景之作，结果打开后，发现内容深度远超我的预期。郭志鸿先生的选曲和编排，展现了一种非常成熟的、不急不躁的叙事风格。特别是那几首肖邦式的夜曲风格的小品，它们的抒情性不是那种直白、外放的“哭泣”，而是一种内敛的、带着东方哲思的“沉思”。我尤其喜欢他对手指灵活性要求极高的段落的处理，那些快速的十六分音符跑动，并非单纯的炫技，而是为烘托旋律的起伏做铺垫。他的乐谱排版非常清晰，指法标注得也相当到位，对于我们这些自学者来说，省去了反复揣摩作曲家意图的时间，可以直接进入到音乐诠释的层面。唯一的遗憾是，这本书的装帧如果能用更厚的纸张会更好，因为我练习时习惯性地在一些关键位置做大量的标记和折角，担心频繁翻阅后容易损坏。但瑕不掩瑜，这份对音乐的虔诚态度，已经完全体现在音符之间了。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的古典音乐发烧友，我对乐谱的收藏有自己的标准，那就是必须具有一定的学术研究价值和独特的个人风格。这本教材，尤其是上海音乐出版社的版本，在印刷质量上是无可挑剔的，纸张的抗反光性处理得很好，在不同灯光下都能清晰辨认。郭志鸿先生在这套作品中，展现了他对钢琴音色层次的极致追求。我印象最深的是其中一些需要大量延音踏板技巧的乐章，它要求演奏者在保持旋律清晰的同时，让低音区的共鸣像潮水一样缓缓推进，而不是一团浆糊。这种对踏板控制的精妙要求，很多教材是避而不谈的，或者只是简单地标注“Sostenuto”，但郭先生的作品则通过音符的密度和声部的排布，自然而然地引导演奏者去探索踏板的“呼吸感”。这套书更像是一部作曲家的个人日记，记录了他对键盘乐器表现力的深度探索，值得每一个钢琴学习者，不论水平如何，都应细细品味。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集，光是看到封面那一抹沉稳的墨蓝，我就知道这不是那种流于表面的流行改编集。我尤其欣赏郭志鸿先生在处理传统和声语汇时那种不事雕琢的匠心。比如，其中几首练习曲，表面上看是标准的音阶和琶音练习，但仔细揣摩，会发现他巧妙地将一些不协和音程融入到看似简单的指法训练中，这极大地提升了练习的音乐性和对耳朵的训练强度。我记得有一首曲目，名字我记不清了，但其中的和弦进行，一下子把我带回了二十世纪中叶那种严肃的学院派风格，那种既有德奥体系的严谨，又隐隐透着一些中国民族音乐的旋律骨架的特质，在如今这个充斥着快餐式音乐教育的时代，实在难能可贵。它更像是一份沉甸甸的“武功秘籍”，而不是一本快速上手的“说明书”。我花了整整一周时间才真正摸透其中一首练习曲的踏板运用，那种层次感，那种声音的颗粒度，需要极大的耐心和对钢琴共鸣箱的深刻理解。对于真正想在钢琴技术上寻求突破，不仅仅满足于“弹会”的琴童和成人学生来说，这套教材的价值无可估量。它教会的不是技巧本身，而是技巧背后的音乐逻辑。

评分☆☆☆☆☆

我是一名琴行的教师，我一直在寻找一套能够有效衔接基础练习与音乐会曲目之间的桥梁教材。市面上很多教程要么过于基础，停留在五指位置的模仿，要么直接跳跃到大型奏鸣曲，中间的过渡地带非常薄弱。这本《郭志鸿钢琴作品》系列（我买了全套），恰好填补了这个真空。教材中的和声织体设计，非常符合欧洲中高级音乐学院的教学思路。例如，其中几段赋格练习，它没有采用巴赫那样复杂的对位结构，而是用更现代、更自由的方式来训练学生的和声进行敏感度。我让几个准备考级的中级学生试弹了其中的一些片段，他们的反应都是：一开始觉得陌生，但一旦掌握了其内在逻辑，再回头看以前的练习曲，会发现自己的音准和节奏的稳定度有了质的飞跃。这套书真正做到了“教你如何思考音乐”，而不是“教你如何弹奏特定的曲子”。它对指尖力量的控制要求极为精细，尤其是在弱音（pianissimo）处理上，对触键的深度和速度的平衡提出了极高的要求。