正版 当代中国手风琴作品分析/西南大学音乐学新视野丛书 编者:朱春铃|总主编:郑茂平 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱春铃 编

图书标签:

• 手风琴
• 中国当代音乐
• 音乐分析
• 音乐学
• 西南大学
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• 文化
• 学术
• 教材
• 郑茂平

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562172611

商品编码：29867628300

丛书名： 当代中国手风琴作品分析

开本：16开

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目录

章 手风琴艺术社会属性探究
节 手风琴艺术相关概念的认知
第二节 手风琴艺术的社会属性
一、艺术与社会的关系
二、手风琴音乐艺术的功能性与社会形态
第三节 手风琴艺术的价值层次
一、社会作为艺术的产物
二、艺术作为社会的产物
第四节 手风琴艺术的社会发展趋势
一、艺术思潮与社会思潮的相互影响
二、艺术欣赏与社会思潮

第二章 新中国成立初期（1949～1966）手风琴作品分析
节 新中国成立初期手风琴音乐综述
一、改编类作品
二、原创类作品
三、音乐作品的社会背景
第二节 新中国成立初期（1949～1966）手风琴作品分析
一、《士兵的光荣》
二、《花儿与少年》
三、《彩云追月》
四、《牧民之歌》
五、《银燕在飞翔》
六、《步步高》
七、《紫竹调》

第三章 “”时期（1967～1977）手风琴作品分析
节 “”时期手风琴音乐综述
第二节 “”时期（1967～1977）手风琴作品分析
一、《打虎上山》
二、《白毛女组曲》
三、《红缨枪舞》
四、《打不尽豺狼决不下战场》
五、《排山倒海、乘胜追击》
六、《我为祖国守大桥》
七、《火车向着韶山跑》
八、《我爱北京天安门》
九、《大庆路上飞油龙》
十、《保卫黄河》
十一、《我爱这蓝色的海洋》
十二、《司机之歌》

第四章 新时期（1978～）手风琴作品分析
节 新时期手风琴音乐综述
一、传统低音手风琴音乐的新气象
二、自由低音手风琴创作的尝试
三、流行手风琴、电子手风琴创作的兴起
第二节 新时期（1978～）手风琴作品音乐分析
一、《促织幻想曲》
二、《沉思与酣歌》
三、《奏鸣曲“长征”》
四、《敢问路在何方》
五、《京剧脸谱》
六、《天女散花》
七、《枫之舞》
八、《蒙塔基的缪赛特》
九、《儿童组曲》
十、《小河淌水》
十一、《诺恩吉亚幻想曲》
十二、《苗岭情》
十三、《渔歌变奏曲》
十四、《映山红》
十五、《骑兵随想曲》

第五章 中国手风琴民族作品分析
节 中国手风琴民族作品综述
一、中国民族民间音乐与中国手风琴音乐的联系
二、中国民族民间音乐素材在手风琴音乐中的体现
第二节 中国手风琴民族作品分析
一、《玛依拉》
二、《百鸟朝凤》
三、《北京喜讯到边寨》
四、《傣家欢度泼水节 》
五、《花儿为什么这样红》
六、《美丽的夏牧场》
七、《帕米尔的春天》
八、《吐鲁番的葡萄熟了》
九、《草原上升起不落的太阳》

第六章 手风琴艺术发展启示
节 “交往音乐”“表演音乐”与手风琴艺术
一、手风琴的“交往音乐”
二、手风琴的“表演音乐”
第二节 手风琴“交往音乐”“表演音乐”的社会学意义
第三节 手风琴“交往音乐”“表演音乐”的启示
一、手风琴作品内涵
二、音乐表演的本质
三、作品创作的深化
第四节 中国手风琴艺术发展前景

注释
参考书目
后记

内容提要

《当代中国手风琴作品分析》以系统梳理和总结当代（1949以来）手风琴音乐作品为线索，对其间创作的不同题材、门类及作家的作品进行深入研究和详尽的分析。详实的回顾了中国手风琴音乐的历史发展，系统的分析了音乐创作的整体面貌。《当代中国手风琴作品分析》以中国手风琴音乐历史发展为顺序，分为音乐理论研究和作品分析两大部分，共六个章节来进行阐述。*一章与第六章为音乐理论研究，中间二、三、四、五章节是对具体作品的深入分析。

音乐的边界：探索全球音乐文化与理论前沿 图书简介 本书汇集了多位音乐学领域资深学者和青年才俊的最新研究成果，致力于为读者呈现一个广阔、深入且富有洞察力的全球音乐图景。我们跳脱出单一地域或体裁的局限，旨在构建一个多维度的音乐知识体系，探讨音乐在人类社会、文化、技术以及认知中的复杂作用与演变。本书不仅关注古典音乐的深层结构分析，更深入探究民族音乐的田野调查、当代流行音乐的社会学意义，以及新兴技术对音乐创作与接受方式的颠覆性影响。 第一部分：跨文化视野下的音乐人类学 本部分聚焦于全球范围内不同文化背景下的音乐实践与社会功能。 1. 仪式、身份与旋律：亚马逊雨林部落的歌谣系统研究 本书详细记录了对亚马逊流域某特定部落音乐习俗的田野调查。研究不仅呈现了其独特的音阶、节奏模式和乐器形制，更深入剖析了音乐在祭祀仪式、成年礼、冲突解决以及族群历史传承中的核心地位。作者通过对口述历史与音乐文本的交叉比对，揭示了在现代文明冲击下，这些古老音乐系统如何维系部落的文化认同和生态伦理观。重点探讨了“非书写”音乐传统如何以其高度的集体记忆性，抵抗文化同质化。 2. 电子乐的“在地化”：亚洲城市夜店中的声音景观重构 选取东亚及东南亚数个快速发展的都市作为案例，分析了全球电子舞曲（EDM）文化在被引入后，如何与当地的传统音色、地方戏曲元素或本土流行语汇相结合，形成具有强烈地域特征的“在地化”电子音乐流派。本章使用声音生态学（Soundscape Ecology）的视角，探讨了夜店作为现代都市文化空间，如何通过混音技术重塑公众对时间、空间和身体的感知。 3. 巴尔干半岛的复调传统：口传音乐中的复杂结构与情感编码 对巴尔干地区（特别是格鲁吉亚和保加利亚部分地区）的传统多声部合唱进行了精细的声学分析。研究人员采用了先进的频谱分析技术，量化了这些音乐中复杂的非平均律音程和独特的“喉音”技术。更为关键的是，本书探讨了这些看似纯粹的音乐结构背后，所蕴含的特定历史创伤、社区凝聚力表达以及在政治动荡时期所扮演的情绪缓冲器的角色。 第二部分：音乐理论的范式转换与新工具 本部分关注音乐理论、分析方法论的革新，以及技术进步对音乐研究的赋能。 4. 后结构主义视角下的序列主义分析：结构、随机性与意义的消解 本书摒弃传统的和声功能分析，转向以德里达和福柯思想为基础的音乐文本解读。重点案例集中于二战后欧洲的前卫音乐家，如塞尔金斯基和布列兹。分析的重点不再是作品的“意图”或“结构完整性”，而是探讨作曲家如何通过引入数学模型、随机过程或对既有乐谱的有意破坏，来实现对传统音乐意义承载体系的解构，以及听众在面对“无中心”结构时产生的认知体验。 5. 大数据时代的音乐本体论：基于听众行为的风格演化模型 本章引入计算社会科学的方法，利用海量流媒体数据、社交媒体评论和听众行为追踪数据，构建一个动态的音乐风格演化模型。模型旨在解释特定音乐元素（如节奏密度、音色复杂度）在不同社会群体中被接受、模仿和最终边缘化的过程。这不仅是对传统音乐史编纂方式的挑战，也为理解“流行”的本质提供了新的实证基础。 6. 计算机辅助分析中的“黑箱”问题：算法生成音乐的可解释性研究 随着人工智能和机器学习在音乐创作中的应用日益广泛，如何“阅读”和“解释”算法生成的作品成为重要课题。本研究探讨了深度学习模型（如LSTM或GAN）在生成古典风格片段时的内在逻辑，并尝试开发一套理论框架，用以评估这些“非人类”作品的艺术价值和结构连贯性，而非仅仅停留在技术模仿的层面。 第三部分：音乐与认知、感知及媒介的交织 本部分探讨音乐如何在大脑中被处理，以及不同媒介对音乐体验的重塑。 7. 听觉皮层对非传统音色的适应性研究：从噪声到音乐的认知阈值 本研究利用脑电图（EEG）技术，对比不同群体（受过古典音乐训练的听众与普通大众）对高密度、非调性噪声（如斯塔克噪声或工业噪音）的听觉反应差异。核心在于探讨人类大脑处理声音信息的“可塑性”——即在多大程度上，通过环境和训练，可以将原本被归类为“背景干扰”的声音纳入到有意义的听觉认知框架内。 8. 默片时代的配乐：动态情感评分系统的早期尝试与视觉同步性 追溯至电影艺术的早期阶段，本章考察了手摇钢琴、管弦乐队以及早期留声机设备如何为无声电影提供现场或预录的音乐支持。重点分析了当时音乐家和作曲家如何通过特定的音乐动机（Leitmotif的雏形）来标记银幕上角色的情绪变化和情节转折，研究这些早期视听同步的实践，如何塑造了现代电影音乐叙事的基本范式。 9. 沉浸式音频技术（如Ambisonics）对空间音乐体验的重构 随着虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术的发展，音乐的播放环境不再局限于传统的立体声或环绕声。本书分析了全景声（Ambisonics）技术如何使听众的“聆听位置”变得流动且可塑。研究通过对特定音乐作品在不同沉浸式环境中的播放测试，评估了声音的方位感、深度感和运动感，如何直接影响听众对作品结构和情感张力的整体感知。 本书旨在为音乐学、人类学、认知科学以及媒体技术研究的学者们提供一个跨学科的对话平台，共同探索音乐这一复杂而迷人的艺术形式的未来走向与深层奥秘。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种带有“丛书”性质的学术出版物通常抱持着谨慎的态度，担心内容过于偏向理论而缺乏实践指导性，但这本书完全颠覆了我的固有印象。它在处理具体作品分析时，展现出一种罕见的平衡感。比如，书中对几部重量级作品的和声语言进行拆解时，不仅指出了其借鉴了西方现代派的技法，更一针见血地剖析了这些“舶来品”是如何被本土音乐家进行“消化吸收”，并最终服务于作品的表达。我特别喜欢其中对演奏技巧难点的讨论，作者似乎是站在演奏者的角度去思考，分析了某些高难度琶音或复调织体的内在逻辑，这对于正在学习和演奏这些作品的年轻人来说，无疑是雪中送炭。这种由内而外的透彻理解，让这本书不仅仅是一本评论集，更像是一本高级的“演奏指南”与“审美提升手册”。读完后，我感觉自己对这部作品的理解深度提升了一个层次，不再是单纯的“听热闹”，而是能听出作者在音符背后布局的“小心思”了。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受是，它成功地架起了一座“技术分析”与“文化阐释”之间的桥梁。很多纯粹的技法书会让人感到冰冷，而空泛的文化评论又缺乏支撑。但这部作品的成功之处在于，它总是能将复杂的对位技巧，与特定的时代背景或作曲家的个人经历联系起来。例如，书中分析某首作品在低音区表现出的压抑感时，并没有止步于讲解这是何种音区，而是深入挖掘了这种“沉重”在特定历史语境下可能蕴含的集体记忆或个体情感的投射。这种“以乐器为载体，探究时代精神”的研究方法，极大地提升了阅读的深度和趣味性。它不再仅仅是关于手风琴的，它开始关乎我们这个时代的声音、我们的审美取向以及我们如何通过音乐来记录和表达我们的复杂处境。这种深层次的对话，让这本书的价值远远超出了音乐学研究的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本关于中国当代手风琴作品的深度分析，简直是为我们这些对手风琴音乐抱有特殊情结的人量身定做的宝典。我花了整整一个下午沉浸其中，感觉自己像是走进了那个充满激情与创新的音乐世界。尤其欣赏作者在梳理历史脉络时的那种细腻和耐心，从建国初期受苏联影响的早期探索，到改革开放后多元化的曲风涌现，每一步都交代得清清楚楚，逻辑性极强。我特别留意了关于“民族化”进程的探讨，书中没有停留在空泛的口号上，而是通过具体作品的对位、和声以及技巧的分析，展示了手风琴如何巧妙地融入中国传统音乐语汇，比如模仿唢呐的张力或江南丝竹的韵味。这种学术的严谨性与艺术的感染力完美结合，让原本可能略显枯燥的理论分析变得生动起来，每当我读到某个精彩的乐段分析时，都会忍不住想立刻找到那首曲子来听听，感受作者所描述的那种“指尖上的中国故事”。对于想深入了解中国音乐发展史和乐器革新史的音乐爱好者来说，这本书的价值是无法估量的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版质量也值得一提，作为一本专业音乐研究的出版物，它在细节上的用心程度常常被忽视，但这部作品在这方面做得非常出色。乐谱示例的清晰度极高，这对手风琴作品的分析来说至关重要，因为手风琴特有的复调结构和音色变化，需要清晰的视觉辅助才能被准确理解。我对比了书中引用的几个小节，即便是复杂的和弦进行或快速的对位段落，黑白键的标记和谱号的切换都一目了然，这极大地降低了阅读和比对的门槛。更难得的是，编者在保持学术严谨性的同时，似乎也努力在让内容“悦人耳目”，字体选择和段落留白处理得当，长时间阅读也不会感到视觉疲劳。这让我深刻体会到，好的研究成果，也需要好的载体来承载，它不仅仅是知识的传递，也是一种阅读体验的优化，体现了出版方对专业读者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我对郑茂平先生和朱春铃女士的学术眼光感到由衷敬佩。他们似乎搭建了一个非常开放的平台，使得丛书能够容纳不同代际、不同风格的作曲家及其作品。从传统的奏鸣曲式探索到更具实验性的电子音效结合，书中对“当代”二字的诠释非常广阔和包容。我特别关注到对一些相对“冷门”但极具潜力的青年作曲家作品的挖掘，这说明丛书的视野并未固步自封于经典，而是积极关注着当下音乐创作的前沿动态。这种对新生力量的扶持和记录，对于整个手风琴音乐生态的健康发展具有长远的意义。通过阅读这些不同侧面的分析，我意识到当代中国手风琴音乐早已跳出了早年那种相对单一的叙事模式，正朝着更加多元、更具思辨性的方向发展，这本书无疑是记录这一重要转型期的里程碑式的文献。