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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806927960

商品编码：29868431657

丛书名： 曲式与作品分析音乐考研辅导教程系列

出版时间：2013-02-01

目录

第I章绪论 
一、关于“曲式”与“作品分析” 
二、音乐的要素 
三、关于“旋律”（M） 
四、关于“节奏”（R）与“和声”（H） 
五、关于“音响”（S） 
第二章音乐的主题 
一、主题的意义 
二、主题的整体特征 
三、形象的意义 
四、主题的类型 
第三章单位与句法 
一、单位 
二、关于句法 
第四章乐段 
一、意义 
二、乐段以下各级单位 
三、乐段分析的要点 
四、分析的符号标记 
五、乐段的分类与实例分析 
第五章一段曲式 
一、定义 
二、乐段的分类 
三、一段曲式与乐段的区别 
四、“一段曲式”的常见类型 
五、实例分析 
第六章二段曲式 
一、定义 
二、关于“功能” 
三、二段曲式的主要类型 
四、二段式的歌曲 
五、二段曲式的歌曲 
第七章三段曲式 
一、概述 
二、展开性三段式 
三、对比性三段式 
四、综合性三段式 
第八章三部曲式 
一、三部曲式概述 
二、三部曲式的各部 
三、三部曲式的复杂化 
四、实例分析 
第九章二部曲式 
一、定义 
二、结构原理 
三、二部曲式的基本特征 
四、二部曲式两乐部的结构功能 
五、二部曲式的常见应用范围 
六、分析二部曲式的主要任务 
七、实例分析 
第十章回旋曲式 
一、定义 
二、结构原理 
三、古回旋曲式 
四、古典时期的回旋曲式 
五、浪漫时期之后的回旋曲式 
第十一章变奏曲式 
一、概述 
二、固定变奏 
三、严格变奏（装饰变奏） 
四、自由变奏 
第十二章奏鸣曲式 
一、概述 
二、呈示部 
三、奏鸣曲式的展开部 
四、再现部与序奏 
五、变体与运用的情况 
第十三章套曲曲式 
一、概述 
二、套曲曲式的种类及特点 
第十四章非规范化曲式 
一、概述 
二、非规范化曲式的种类及特点 
附录： 
参考书目 
曲式与作品分析谱例参考

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音乐理论精粹与鉴赏指南：深度解析西方音乐史与和声学原理 图书简介 书名： 音乐理论精粹与鉴赏指南：深度解析西方音乐史与和声学原理 作者： 音乐学领域资深教授及一线演奏家联合撰写 定价： 人民币 128.00 元 开本： 16 开（精装） 页码： 约 780 页 出版社： 权威音乐教育出版社 --- 导言：构建坚实的音乐知识体系 本书旨在为所有对西方音乐艺术抱有浓厚兴趣的学习者、音乐院校学生、以及渴望深入理解音乐语言的演奏者提供一套全面、系统且富有洞察力的理论学习与鉴赏工具。我们深知，音乐的魅力源于其内在的结构逻辑与历史演变，因此，本书将重心放在构建一个扎实、清晰且易于掌握的理论框架之上，引导读者跨越单纯的“听”与“弹奏”，真正进入“理解”的层次。 不同于侧重特定考试范围的辅导材料，本书的定位是基础理论的深度普及与高等鉴赏能力的培养。我们摒弃了碎片化的知识点堆砌，转而采用历史脉络与核心原理相结合的叙事方式，确保读者在学习每项技术细节时，都能将其置于宏大的音乐文化背景之中进行考察。 --- 第一部分：西方音乐史的宏大叙事（约 350 页） 本部分致力于描绘自中世纪早期至二十世纪中叶西方音乐发展的完整图景。我们不满足于简单罗列作曲家和作品名称，而是深入剖析每一个历史时期的社会文化背景、核心审美倾向、主要音乐体裁的革新，以及由此产生的核心音乐语言的特征。 第一章：中世纪与文艺复兴的萌芽与复兴 详细考察格里高利圣咏的定型及其对西方记谱法的奠基作用。重点解析复调音乐（如奥尔加农）的早期发展，并详尽阐述文艺复兴时期人文主义精神如何渗透到音乐创作中，体现在对声部平衡、织体清晰度的追求上，尤其关注对位法的初步成熟。我们将分析如帕莱斯特里那、雅各布斯·范·奥克海姆等代表人物的作品风格，强调“音乐的文本性”这一关键概念。 第二章：巴洛克时代的华丽与激情 本章是本书的重点之一，它深入探讨了巴洛克时期（约 1600-1750 年）音乐的基石性变革。核心内容包括： 1. 歌剧的诞生与早期发展： 从佛罗伦萨的卡梅拉塔到蒙特威尔第的戏剧性表达。 2. 数字低音的结构与功能： 详尽解析通奏低音（Basso Continuo）作为巴洛克音乐“骨架”的作用及其即兴演奏的规范。 3. 大小调体系的确立： 论述调性的初步固定化过程，以及对和声色彩的首次系统性运用。 4. 赋格曲的巅峰： 集中分析巴赫的创作技法，不仅是技术层面的模仿与展开，更是对理性结构之美的极致体现。 第三章：古典主义的平衡与清晰 深入探讨从巴洛克向古典主义过渡期的风格转变。着重分析海顿、莫扎特、贝多芬早期作品中对“清晰性”（Clarity）、“均衡性”（Balance）和“旋律性”（Melody）的追求。我们用大量的图例解析奏鸣曲式的结构逻辑——呈示部、展开部、再现部的功能性划分，以及三乐章协奏曲和四乐章交响曲的规范化进程。 第四章：浪漫主义的个体表达与情感的无限拓展 本章探讨了十九世纪音乐中“自我表达”的崛起。从舒伯特的艺术歌曲（Lied）中对诗歌意境的捕捉，到肖邦对钢琴这一乐器的个性化挖掘，再到瓦格纳在德语歌剧中对“主导动机”（Leitmotif）的革命性运用。本书详细区分了抒情浪漫主义、民族主义和后期浪漫主义在和声色彩、配器法和曲式结构上的差异，特别关注了对不协和音的拓展使用及其对调性稳定的冲击。 第五章：二十世纪的多元探索 面对两次世界大战和科技进步带来的剧变，音乐语言也迎来了爆炸性的发展。本部分系统梳理了印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）、新古典主义（斯特拉文斯基）以及序列音乐、随机音乐等流派的理论基础与实践方法。本书强调，二十世纪音乐的“复杂性”并非偶然，而是对既有体系（特别是浪漫主义晚期和声的过度扩张）的理性回应与超越。 --- 第二部分：和声学与曲式分析的核心原理（约 350 页） 此部分是理解音乐“如何运作”的钥匙，它侧重于分析的工具箱的构建，旨在培养读者严谨的分析思维。 第六章：传统和声学原理的严谨梳理 本书坚持功能和声学的传统框架，但以更现代的视角进行阐释。 1. 音级与和弦的建立： 详述三和弦、七和弦的音响特性与功能归属（主、属、下属）。 2. 和声进行与导向性： 深入探讨级进与转位在连接中的具体作用，以及如何通过和声的逻辑运动来驱动音乐的张力与解决。 3. 副属和弦与替代和弦： 系统讲解如何利用色彩和弦（如九和弦、变化音和弦）来丰富调性内部的表达，精确区分功能性与色彩性的差异。 4. 转调的机制： 详细剖析了同主音转调、平行转调和离调转调的技术路径，并结合实例分析不同转调手法带来的情感效果。 第七章：曲式结构与体裁的解构 本章不再是机械地套用曲式模板，而是探讨体裁（Genre）的演变逻辑。 1. 单乐章结构： 深入分析乐段（Phrase）、乐汇（Period）的构建，以及对小再现、三部曲式（ABA）在不同时期（如巴洛克舞曲与古典乐章）的应用差异。 2. 奏鸣曲家族的逻辑： 重点讲解奏鸣曲式作为一种“戏剧性结构”的本质——即主题间的冲突与解决。同时，辨析回旋曲式（Rondo）在保持稳定性和结构完整性方面的独特功能。 3. 复调结构的深度剖析： 聚焦于对位法，特别是模仿与卡农的精确结构，以及赋格曲（Fugue）中主题的呈示、展开、中段和主导声部的策略。 4. 大型套曲结构： 简要概述协奏曲、交响曲等大型体裁的内部布局，强调它们在速度、调性、体裁对比上的精心设计。 第八章：音乐鉴赏的批判性思维 本部分指导读者如何将理论知识应用于实际听觉体验。通过一系列精心挑选的、横跨不同历史时期的范例（如巴赫的《平均律》、莫扎特的奏鸣曲、德彪西的钢琴前奏曲），教会读者： 如何快速识别调性中心与调性模糊区域。 如何追踪主导动机在复杂织体中的“生命线”。 如何评估作曲家在既有体裁框架内实现了多大的创新。 --- 本书的独特价值 本书的编写团队由资深音乐学教授和拥有丰富演奏经验的音乐教育者组成。我们确保了理论的学术严谨性与教学的实践可行性之间的完美平衡。全书配有大量清晰的手写乐谱示例、图表分析和关键术语的精确定义，旨在消除初学者在面对复杂理论时的畏惧感。 本书适合对象： 音乐学、作曲与指挥、音乐教育等专业的本科及研究生。 有志于深入理解西方古典音乐的演奏者和爱好者。 希望系统梳理理论知识、提升音乐鉴赏深度的自学者。 通过研读本书，读者将不仅掌握“是什么”，更将理解“为什么”——从而真正提升对西方音乐语言的把握能力与批判性欣赏水平。我们相信，这本书将成为您音乐学习道路上不可或缺的、具有长久参考价值的案头工具书。

评分☆☆☆☆☆

我个人在使用过程中，最欣赏它在处理“作品案例”时的严谨和广博。它选取的作品都是音乐会曲目和考研真题中反复出现的“硬骨头”，但处理方式却充满人文关怀。它不像有些参考书那样，只是把某个名作的分析当作一个生硬的例子塞进去。相反，刘灏老师的文字充满了对音乐的热爱和对学习者的理解。比如在分析一个协奏曲的庞大结构时，他会提醒我们，在考场上时间有限，应该优先把握哪些关键性的结构转折点，而不是试图面面俱到。这种“应试的智慧”与“学术的深度”的完美结合，使得这本书的实用价值飙升。它不仅仅是一本知识书，更像是一份为你量身定制的考研战略地图，告诉你哪里是兵家必争之地，哪些地方可以适当取舍，高效备考的秘诀就在于此。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版 音乐考研 曲式与作品分析 音乐考研辅导教程系列》真是让我这种音乐学考研党眼前一亮。我之前也买过好几本市面上的曲式分析教材，总感觉它们要么过于侧重理论的堆砌，让你在面对具体作品时抓不住重点，要么就是分析得过于简略，像是走马观花。但这本书的编写者，刘灏老师，显然是深谙考研的“道”与“术”。它不像那些教科书那样板着脸孔，而是真正地把曲式结构和作品的审美体验结合起来了。比如，在分析奏鸣曲式时，它不仅清晰地罗列了呈示部、再现部、展开部的基本要素，更重要的是，它会引导你去思考作曲家在处理这些段落时的独特匠心，比如某个主题的变形、转调的巧妙之处，以及如何通过和声色彩的变化来营造戏剧冲突。读起来完全没有枯燥感，仿佛身边有一位经验丰富的导师在手把手地带你解剖一首首经典作品。对于我们这种需要大量真题演练的考生来说，这种深入浅出的讲解方式简直是效率倍增的神器。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本辅导教程时，最初的印象是它的装帧和排版非常清晰，这对于长时间阅读学习材料来说至关重要。相比起一些印刷模糊、图表混乱的资料，这本书的乐谱示例和分析图示都处理得干净利落，极大地降低了阅读疲劳感。更让我惊喜的是它对“作品分析”这一部分的深度挖掘。很多教材对作品分析点到为止，仅仅停留在“此段是呈示部，主题A再现”这种层面。然而，这本教程却能深入到织体、配器、甚至音乐的“叙事性”层面进行探讨。我记得有一章节专门讲解了某个浪漫主义时期的小品，书中不仅详细分析了其复调技巧，还结合当时的时代背景和作曲家的个人情感表达，让我对这首作品有了全新的认识，不再是孤立的音符组合，而是有了血肉和灵魂的艺术品。这对于提升我们的主观题分数有着决定性的作用，毕竟考研不仅仅是考你记住了多少知识点，更重要的是考你对音乐的理解深度和鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书在知识体系的构建上，展现出了极高的专业水准和针对性。它显然是基于多年一线教学和考研命题规律总结出来的精华。它没有试图涵盖所有音乐史上的曲式，而是精准地抓住了历年来和未来几年考研中出现频率最高、最核心的那些——从巴洛克时期的赋格到古典时期的变奏曲和回旋曲，再到近现代复杂的曲式结构，逻辑层次感极其分明。最值得称赞的是，它在讲解复杂曲式时，总是会先用最简单直观的图示把骨架搭起来，然后再逐步填充细节和例外情况。这种“先宏观、后微观”的讲解策略，非常符合我们考研初期建立知识框架的需求。而且，书中穿插的那些“易错点提醒”和“高分技巧点拨”，简直就是前辈的血泪经验总结，避免了我们在复习过程中走不必要的弯路，省去了我们自己去整理错题本的大量时间。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在考研路上摸爬滚打的学子，我不得不说，选择一本好的辅导书，成功了一半。这本《正版 音乐考研 曲式与作品分析》的价值，绝不仅仅体现在它提供了多少知识点，更在于它重塑了我的学习方法。它教会我如何“看”音乐，而不是仅仅“听”音乐。通过书中对不同风格作品的对比分析，我逐渐学会了运用不同的分析工具箱去应对不同的音乐挑战。比如，对印象派作品的分析，它会侧重于色彩和模糊性；对新古典主义作品的分析，则会回归到清晰的结构轮廓。这种灵活多变的分析视角，极大地拓宽了我的音乐视野。可以说，这本书为我打下了一个极其坚实、灵活且富有洞察力的曲式分析基础，相信它能成为我考研冲刺阶段最可靠的“压舱石”。