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康澎 编

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• 光盘

店铺： 北尚图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103039052

商品编码：29977860437

开本：16

出版时间：2012-03-01

基本信息

• 商品名称：流行音乐编配十八讲(附光盘)
• 作者：康澎
• 定价：48
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103039052

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2012-03-01
• 印刷时间：2012-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：251

编辑推荐语

康澎编写的《流行音乐编配十八讲》将通过五篇十八讲的篇幅，帮助你快速地掌握：流行音乐编配的基本程序，流行声乐组合与伴唱的写法，流行音乐编配中管弦乐手法的运用，*主流音乐形式，流行乐队配器分析法等内容。

目录

第一篇 轻松学习，跨越音乐制作道路上的鸿沟——快速掌握流行音乐编配的基本程序
**讲 旋律的结构分析、核心节奏与小打
一、旋律的结构分析
二、核心节奏的编配
三、鼓套子
四、小打的编配
练习一
第二讲 静态织体(长音铺底)
一、常用和弦的标记法
二、三和弦结构的静态织体
三、四音以上和弦结构的静态织体
四、五声性旋律的静态织体
五、音区的选择
练习二
第三讲 低音的编配
一、慢节奏的编配
二、快节奏的编配
三、中等速度的编配
四、音区的选择
练习三
第四讲 电声乐队的动态织体
一、电钢琴织体的编配
二、吉他织体的编配
三、其它类型动态织体的编配
四、动态织体的分布要领
五、编配多层次动态织体的注意事项
练习四
第五讲 前奏、间奏、尾声的编配
一、前奏的编配
二、间奏的编配
三、尾声的编配
练习五
第六讲 副旋律
一、副旋律在编配中的应用
二、音色的选择
三、音区的选择
练习六
第二篇 多实践，享受编配和音带来的乐趣——流行声乐组合与伴唱的写法
第七讲 二声部与三声部流行组合的编配
一、二部组合
二、三部组合
三、三声部组合相关音响资料
练习七
第八讲 四声部以上流行声乐组合的编配
一、四部组合
二、五部组合
三、七声部组合
四、分部写作的注意事项
五、音响资料的分析方法
练习八
第九讲 伴唱的编配
一、伴唱的基本类型
二、不同声部数量伴唱的编配
三、相关音响资料
练习九
第三篇 价值提升，做专业的音乐制作人——流行音乐编配中管弦乐手法的运用
第十讲 单音与多音式动态织体
一、单音动态织体
二、多音组合式动态织体
三、两个以上动态织体的结合
练习十
第十一讲 旋律的编配
一、特色乐器演奏旋律
二、弦乐器演奏旋律
三、木管乐器演奏旋律
四、铜管乐器演奏旋律
五、两组以上乐器的结合
练习十一
第十二讲 流行音乐编配中弦乐的应用
一、流行音乐编配中弦乐的织体
二、流行音乐编配中四部和声的分布
三、流行音乐编配中弦乐的分声部写法
四、流行音乐编配中弦乐器演奏和弦
五、流行音乐编配中弦乐持续音的编配
六、流行音乐编配中弦乐的应用举例
练习十二
第十三讲 流行音乐编配中木管的应用
一、流行音乐与管弦乐相结合时木管和弦音的分布
二、流行音乐编配中木管的动态织体
三、流行音乐编配中木管的持续音
练习十三
第十四讲 流行音乐编配中铜管的应用
一、三部编配
二、四部编配
三、五部以上声部的编配
四、铜管音色的重复使用
五、铜管的持续音举例
六、铜管与电声乐队的结合
七、流行音乐音响举例
练习十四
第十五讲 制作管弦乐伴奏织体时加入鼓套子
一、木管与铜管结合时鼓套子的应用
二、弦乐与木管结合时鼓套子的应用
三、铜管和弦乐结合时鼓套子的应用
四、鼓套子与管弦乐动态织体的结合
五、三组乐器的结合
练习十五
第四篇 紧跟潮流，学习前沿流行风格——*主流音乐形式简介
第十六讲 轻音乐与电子音乐的编配
一、为旋律配和声
二、电子音乐写法(变奏一)
三、轻音乐写法(变奏二)
四、欢快的音乐写法(变奏三)
练习十六
第十七讲 不同体裁的流行音乐介绍
一、彩铃的选题与制作
二、鼓套子的实际应用
三、RAP、R&B;、Hiphop与布鲁斯
练习十七
结束篇 拓清思路，站在他人的肓头上思索——流行乐队配器分析法
第十八讲 流行音乐织体归类
一、乐队织体分类
二、配器分析
练习十八

《和声学基础与实践》 内容提要 本书旨在为音乐学习者、作曲家、编曲人以及对音乐理论有浓厚兴趣的读者，提供一套系统、深入且兼具实践指导的和声学知识体系。全书严格遵循西方传统音乐理论的发展脉络，并适度融入现代音乐语境下的和声应用，力求在理论深度与实际操作之间架起一座坚实的桥梁。本书的结构设计，从最基础的音级关系讲起，逐步深入到复杂的和弦构建、连接规则、调式色彩的运用，直至高级的复调和声技巧。 第一部分：音高、音程与音级体系 本部分是理解和声的基石。首先，详细阐述了十二平均律下的音高概念、记谱法以及音程的度数和性质判断。随后，重点剖析了自然大调和小调的音级功能划分（主音、中音、属音等），并清晰界定了调性体系的核心——功能和声的内在逻辑。我们不仅停留在理论的罗列，更强调通过听觉训练来分辨不同音程的色彩，培养“听觉思维”在和声分析中的重要性。 第二部分：三和弦与七和弦的构建与功能 这是和声学的核心内容。本书系统介绍了三和弦（大、小、增、减）的构建原理、转位及其在功能和声中的基本作用。特别深入探讨了和弦的功能性：主功能（T）、属功能（D）和下属功能（S）的内在联系及其解决规律。 在七和弦部分，我们详尽讲解了属七和弦（V7）作为功能核心的地位，包括其解决路径和常见的导向性。同时，拓展讲解了大七和弦、小七和弦、减七和弦的音响特性和在特定段落中的调性色彩渲染作用。书中包含了大量的实例分析，帮助读者理解古典时期和声大师是如何运用这些基础元素来构建乐句的。 第三部分：和弦的连接与扩展 和声的魅力在于其运动性。本部分聚焦于和弦的连接规则。详细分析了功能和弦之间的合法连接方式，强调平行五八度的避免原则及其在特定历史时期中的例外运用。 本章的重点在于副属和弦（属和弦的代理）和导向和弦的运用。读者将学习如何使用II级、IV级和弦来平滑地导向属功能，以及如何运用属导七和弦（如V/V，V/II等）来增强调性色彩的明确性和进行中的张力。我们还探讨了经过和弦和变音和弦的引入，这些技术是丰富和声织体、增加进行复杂性的关键手段。 第四部分：调性转换与离调和声 调性转换（转调）是衡量和声编配能力的重要标准。本书提供了多种实用的转调技巧： 1. 同音的转调法： 利用共同和弦的连接。 2. 属功能转调法： 利用新的属和弦导向新的主和弦。 3. 直接转调法： 在特定情境下快速切换调性。 此外，我们详细介绍了离调和声的概念，包括减七和弦的离调应用、增六和弦（意大利式、德国式、法国式）的严谨结构与解决方式。这些和弦的处理，是理解浪漫主义音乐，乃至爵士和声前身的重要环节。 第五部分：复调和声与织体处理 和声不仅是和弦的堆砌，更是声部的对话。本部分引入了四部和声的写作规范，强调了声部进行的逻辑性和流畅性。讲解了如何处理固定声部（如持续低音），以及对位技巧在和声进行中的体现。 特别针对旋律性对位，本书通过讲解基础的严格对位法（如第一、二、三、四、五种对位），帮助读者理解旋律线之间的独立性和相互制约关系，从而在写作时能够确保每个声部都具有独立的美感。 第六部分：调式和声与非功能性色彩 为了拓宽读者的音乐视野，本书的最后一部分扩展到了调式和声的范畴。详细分析了大调的七种自然调式（伊奥尼亚、多利亚、弗里吉亚等）的和声特点。探讨了如何利用这些调式音阶构建出具有特定色彩的和弦，例如多利亚和弦（小调属和弦上加九音）在现代音乐中的广泛应用。 此外，本书还简要介绍了半音和声和非功能性属和弦（如Neapolitan第六和弦）的运用，为读者理解印象主义音乐的和声语言打下基础。 本书特点： 理论与实践并重： 每一章理论讲解后，均配有大量的古典范例分析和用于练习的“和声进行小练习”。 强调听觉训练： 鼓励读者通过哼唱、弹奏来内化和声的听觉感受。 结构严谨，循序渐进： 知识点由浅入深，保证读者能够稳固掌握基础后，再迎接复杂挑战。 本书适合所有希望系统学习和声学，提升自身音乐理解力和创作基础的爱好者及专业人士。掌握本书内容，即意味着踏入了西方音乐体系和声语言的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏的一点，是作者在全书贯穿的“音乐性优先”的理念。很多技术书籍会过度强调参数的精确性，结果教出来的成品听起来冰冷、缺乏灵魂。但这本教材始终提醒我们，技术是为音乐服务的。它会告诉你，某个混音技巧在特定风格下可能并不适用，或者某个音色选择应该基于你想要表达的情感。书中关于“人声的层次感处理”那一节的讨论，就非常精彩。它没有给出一个“万能公式”，而是引导你去思考：这个歌手的音色特点是什么？他想传达的情绪是什么？然后根据这些前提去调整均衡和动态。这种以创作为核心的教学思路，让我觉得这本书不仅仅是在教我“怎么做”，更是在教我“如何思考一个音乐人”。这对于我这种渴望做出有自己风格作品的人来说，价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来看，这本书的价值真的非常高，特别是对于那些时间有限的职场人士或在校学生。它没有冗长拖沓的背景介绍，每一页都似乎塞满了干货。我特别喜欢它在章节末尾设置的“实践挑战”环节。这些小任务往往是针对本章所学核心技能的集中应用，既能检验学习效果，又能快速形成肌肉记忆。我发现，我之前学习效果不佳的一个主要原因是“学而不练”。但有了这本书的引导，我能非常结构化地安排自己的学习和练习时间。它提供了一个清晰的、可执行的学习路径，让你能够系统地从零基础迈向能够独立完成一个简单编配作品的阶段。对于希望快速上手并看到实际成果的学习者来说，这种高效的知识传递方式是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐制作的书籍，简直是为我这种刚入门的小白量身定制的！我一直对电子音乐制作充满好奇，但市面上那些动辄上百页、充斥着专业术语的教材，总是让我望而却步。然而，这本书的编排方式非常友好，它没有一开始就抛出复杂的理论，而是像一位耐心的老师，一步步引导你进入这个充满创意的世界。比如，它对DAW（数字音频工作站）界面的介绍就极其细致，对于我这种连基本操作都摸不着头脑的人来说，简直是救星。书中还穿插了大量的实例分析，让我能立刻看到理论是如何应用到实际作品中的。我尤其欣赏它在编曲思路上的阐述，不再是干巴巴的规则堆砌，而是充满了“为什么”和“怎么样”的思考过程。读完前几章，我感觉自己对音乐制作的信心大大增强了，不再是盲人摸象，而是有了一个清晰的路线图。它真正做到了寓教于乐，让学习过程本身也变成了一种享受，而不是负担。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉设计也绝对是加分项。在这个信息爆炸的时代，一本内容详实的书如果界面看着枯燥乏味，真的很难让人坚持读下去。但这本教材的图文搭配非常和谐，插图不是那种随便找的示意图，而是精心制作的流程图或者关键参数的截屏对比。尤其是在讲解软件操作步骤时，每一个点击的位置、每一个旋钮的刻度，都标注得清清楚楚。这对于需要不断对照屏幕进行实践操作的学习者来说，至关重要。我经常在电脑前一边看着书，一边跟着操作，流畅度非常高，很少出现“书上说的是A，我操作出来却是B”的困惑。这种高质量的视觉呈现，极大地提升了阅读体验，让学习过程保持了一种持续的吸引力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来以为这种“入门”级别的书，在深度上肯定有所欠缺，但读下去才发现，它的内容广度超乎我的想象。它不仅涵盖了基础的乐理知识和节奏型构建，更深入到了音色设计和混音处理的基础环节。特别是关于如何使用效果器来塑造声音的章节，讲得非常透彻。作者似乎非常懂得如何用最直观的方式解释那些抽象的声学概念，比如混响的衰减时间、压缩器的阈值和比率这些过去让我头疼的概念，在这里都有非常形象的比喻来辅助理解。我试着按照书中的提示调整了一个鼓组的混响参数，出来的效果竟然比我之前随意摸索出来的要好上好几个档次！这让我深切体会到，规范的学习和正确的指导，能让你少走很多弯路。这本书提供的知识体系非常扎实，感觉是为长期发展打下了坚实的根基。