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杨身源 著

图书标签:

• 艺术史
• 西方艺术
• 艺术理论
• 绘画
• 艺术批评
• 美学
• 艺术哲学
• 文化研究
• 艺术史论
• 艺术普及

出版社： 江苏美术出版社

ISBN：9787534429347

版次：1

商品编码：10195513

包装：平装

开本：大32开

出版时间：2010-01-01

用纸：胶版纸

页数：661

正文语种：中文

内容简介

　　《西方画论辑要(新版)》主要讨论了古希腊罗马和中世纪画论、文艺复兴时期画论、十七世纪和十八世纪画论、十九世纪画论以及二十世纪画论等等。
　　美术品是以美术史的形式得以确立其价值和地位的。同时，只有美术品形成一定规模，具备相当基础之后，画论才可能萌发其肇端。

目录

第一编　古希腊罗马和中世纪画论
概述（希腊）
色诺芬尼
赫拉克利特
德谟克利特
菲狄亚斯
苏格拉底
柏拉图
亚里士多德
普洛托格尼斯
色诺克拉底
狄奥尼西奥斯
普卢塔克
克里索斯托
卢奇安
菲洛斯特拉托斯
柏罗丁
（罗马）
西塞罗
贺拉斯
维特鲁威
普林尼（老）
昆提利安
（中世纪）
格列高利一世
特奥菲卢斯
圣·托马斯·阿奎那
维泰洛
奥内库尔
注释
……
第二编　文艺复兴时期画论
第三编　十七世纪和十八世纪画论
第四编　十九世纪画论
第五编　二十世纪画论
后记

西方画论史纲：从古希腊到20世纪的艺术思潮 本书旨在梳理和阐述西方艺术理论发展的脉络，深入剖析不同历史时期艺术观念的演变及其核心思想。本书并非对某一特定画册或学术著作的解读，而是致力于勾勒出一幅宏阔的西方艺术思想图景，帮助读者理解艺术创作背后的哲学、美学及文化思潮。 第一章：古典的源起与理性之光——古希腊罗马艺术理论 西方艺术理论的基石可追溯至古希腊时期。柏拉图以其“理念论”深刻影响了后世的艺术观念。“形而上”的理念世界被认为是真实的存在，而我们感官所及的现实世界只是理念的影子。因此，艺术作为对现实世界的摹仿，其价值在于能否接近并揭示理念的本质。柏拉图认为，绘画等具象艺术是对“影子”的影子，故其价值有限，甚至可能具有误导性。然而，他同样承认艺术在道德教化方面的作用，认为优秀的艺术应能够歌颂美德，引导人们走向善。 亚里士多德在《诗学》中对“摹仿”（Mimesis）进行了更为细致的阐述。他认为，摹仿是人的天性，艺术的本质在于摹仿，但这种摹仿并非简单的复制，而是对事物“可能性”和“普遍性”的展现。亚里士多德区分了历史（描述已发生之事）与诗歌（描绘可能发生之事），认为诗歌比历史更具哲学意义，因为它揭示的是人类行为的普遍规律和本质。他对悲剧的分析，强调了“净化”（Catharsis）的作用，即通过引发观众的同情与恐惧，达到情感的宣泄与升华。在造型艺术方面，亚里士多德虽然论述不多，但其关于“形式”（Form）与“材料”（Matter）的哲学思想，以及对比例、和谐等概念的强调，为后来的艺术理论奠定了基础。 罗马时期的艺术理论继承了希腊的理性精神。维特鲁威的《建筑十书》虽然主要关注建筑，但其中提出的“实用”（Utilitas）、“坚固”（Firmitas）、“美观”（Venustas）三大原则，以及对黄金分割、比例的强调，也渗透到其他造型艺术领域。他对美感的理解，认为其根植于和谐、比例、对称等客观规律，而非纯粹的主观感受。 第二章：信仰的辉煌与灵魂的追求——中世纪艺术理论 中世纪的艺术理论深受基督教神学的影响。艺术不再是独立的学科，而是为宗教服务，承担着传播教义、激发虔诚的使命。圣奥古斯丁的艺术观，将艺术视为上帝创造世界的模仿，强调其神圣性和象征意义。他认为，艺术的美在于其秩序、和谐和统一，这些特质都反映了上帝的属性。同时，他也警惕艺术可能带来的世俗诱惑，强调精神的超越。 圣托马斯·阿奎那在整合亚里士多德哲学与基督教神学方面做出了巨大贡献。他提出的“美”（Pulchritudo）的三个基本要素：整体性（integritas）、比例/和谐（consonantia）和清晰性（claritas），成为中世纪艺术理论的重要指导原则。整体性强调作品的完整和完整性；比例/和谐指各部分之间的协调关系，以及部分与整体之间的统一；清晰性则指作品的光明、色彩的鲜明，以及其可辨识性，这也被引申为精神上的“启示”之光。 这一时期的艺术，如拜占庭的马赛克、哥特式的教堂建筑和彩色玻璃，都充满了象征意义，旨在引导信徒超越物质世界，体验神圣的庄严。绘画风格趋于扁平化、程式化，色彩的运用也更具象征意义，而非追求写实。 第三章：人性的觉醒与视觉的革命——文艺复兴的艺术理论 文艺复兴时期是西方艺术理论的第一个黄金时代，人文主义思潮的兴起，将目光从神转向人，艺术的地位得到前所未有的提升。艺术家们重新研究古希腊罗马的艺术，并结合新的科学知识，发展出了一系列新的艺术理论和创作技法。 莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂在《论绘画》和《论雕塑》等著作中，系统地总结了文艺复兴时期的艺术理论。他将绘画定义为“通过线条和色彩在平面上所能看到的关于一切被创造物的一种描绘”（Pictura est linea cum suo termino in superficie pictae et omni absolutione artis circumdata），强调了透视学（Perspective）在创造逼真空间中的重要性。他认为，绘画的目的是“使人愉悦”（Delectare）和“教育”（Docere），强调了艺术的教育和道德功能。同时，他继承了古典的和谐与比例观念，认为“美是部分之间的一种和谐，其中任何部分都不能增减，除非使之变得更坏”。 达·芬奇以其博学多才和对自然细致入微的观察，将科学与艺术紧密结合。他的笔记中充满了对解剖学、光学、植物学等领域的探索，并将这些知识应用于绘画创作。他认为，艺术家必须“懂得科学”，才能真实地描绘自然。他对“明暗对比”（Chiaroscuro）和“晕涂法”（Sfumato）的运用，极大地增强了画面的体积感和空间感，也体现了他对光影效果的深刻理解。 米开朗琪罗虽然没有留下系统性的理论著作，但其作品本身就是对理想化的形体、力量和情感的极致表达。他对人体解剖的精通，使其作品充满了生命力，对“神圣的线条”和“崇高的形式”的追求，体现了他对古典美学原则的继承和创新。 第四章：情感的释放与世界的探索——巴洛克、洛可可与新古典主义的艺术理论 文艺复兴的理性主义在之后的发展中，逐渐演变为更为强调情感和戏剧性的巴洛克风格。卡拉瓦乔通过强烈的明暗对比和写实的手法，将宗教题材描绘得如同世俗生活般真实，其“自然主义”的倾向深刻影响了后世。贝尔尼尼则以其雕塑和建筑作品，展现了巴洛克艺术的动感、夸张和华丽，追求震撼人心的视觉效果。 洛可可时期，艺术更加注重细腻、精致和享乐，色彩柔和，线条流畅，充满了诗意和浪漫。这一时期的艺术理论更多地体现在当时的文学、歌剧等形式中，对绘画的具体理论阐述相对较少，但其对“优雅”和“愉悦”的追求，无疑是其艺术精神的体现。 18世纪，随着启蒙运动的兴起，新古典主义艺术理论强调理性、秩序、道德和对古典艺术的复兴。温克尔曼被誉为“德国艺术史之父”，他将古希腊艺术推崇为“高贵的单纯，静穆的伟大”，并认为其代表了艺术的最高成就。他提倡艺术应遵循比例、和谐、对称等古典原则，以达到理想化的美。雅克-路易·大卫等新古典主义画家，则在作品中宣扬英雄主义、爱国主义等道德观念，旨在教化社会。 第五章：个人世界的开掘与现代性的困境——浪漫主义、现实主义与印象主义的艺术理论 浪漫主义艺术强调个人情感、想象力、自由和反叛精神。它反对理性主义的束缚，歌颂自然、历史和东方文化。歌德等作家虽然不直接是画家，但其文学作品中对情感的炽热表达，对神秘与崇高的向往，深刻影响了当时的艺术氛围。特纳等画家通过对自然景象的描绘，展现了其宏大、壮丽和瞬息万变的景象，强调主观感受。 现实主义艺术则将目光投向社会现实，关注普通人的生活，批判社会不公。库尔贝是现实主义的代表人物，他认为“艺术就是美的，但最美的艺术就是完全真实的艺术”。他反对理想化和浪漫化的倾向，强调对现实的直接描绘。米勒则将目光投向农民的艰辛生活，用朴素而庄重的笔触展现了劳动者的尊严。 印象主义的出现，标志着西方艺术进入了更为现代化的阶段。莫奈、雷诺阿等画家不再满足于对客观世界的忠实描绘，而是更加关注光线在不同时间、不同天气下的变化，以及它们给眼睛带来的瞬间印象。他们强调“所见”而非“所知”，打破了传统的素描和色彩观念。这并非是对现实的否定，而是一种新的观看方式和表达方式。 第六章：精神的探索与形式的解放——后印象主义、象征主义与现代艺术的涌现 后印象主义画家如梵高、高更、塞尚，在继承印象主义经验的基础上，进行了更为深入的探索。梵高将强烈的情感注入色彩和笔触，用扭曲的线条和鲜明的色彩表达内心的激荡。高更则追求色彩的象征意义和原始的生命力，创造出独特的“综合主义”风格。塞尚则致力于通过几何形体来分析自然，寻找画面内在的秩序与结构，为后来的立体主义奠定了基础。 象征主义艺术强调主观情感、内心世界和神秘体验。它反对现实主义的客观描绘，转而运用象征性的意象来表达抽象的情感和观念。莫罗、雷东等画家通过梦幻般的场景和神秘的意象，探索人类潜意识和精神世界。 20世纪，艺术呈现出前所未有的多样化和实验性。立体主义（毕加索、布拉克）打破了传统的单一视角，将物体分解并从不同角度重新组合，探索物质世界的真实结构。抽象主义（康定斯基、蒙德里安）则进一步走向形式与色彩的纯粹探索，试图摆脱对现实世界的任何模仿，直接表达精神情感。表现主义（蒙克、马蒂斯）则通过夸张的色彩和变形的形象，表达强烈的个人情感和内心感受。达达主义的荒诞与反叛，超现实主义的梦境与潜意识，波普艺术的日常与挪用，以及各种后现代的艺术形式，都不断挑战着人们对艺术的传统认知，拓展着艺术的边界。 结语 西方画论的发展史，是一部不断探索、反思与创新的历史。从古希腊的理性之光，到中世纪的信仰辉煌，再到文艺复兴的人性觉醒，直至现代艺术的多元涌现，每一时期的艺术理论都承载着当时的哲学思想、社会文化以及对艺术本质的深刻追问。本书通过对这些重要艺术思潮的梳理，希望能为读者提供一个理解西方艺术发展脉络的清晰视角，激发读者对艺术更深层次的思考与探索。

评分☆☆☆☆☆

这本《西方画论辑要（新版）》简直是一场视觉与思想的盛宴，我迫不及待地想和大家分享我的阅读体验。从翻开第一页开始，我就被深深吸引了。我一直对西方绘画有着浓厚的兴趣，但总觉得隔着一层纱，无法真正触及那些大师们的心灵深处，也无法理解他们创作的背后逻辑。这本书就像一把钥匙，为我打开了那扇通往西方绘画艺术殿堂的大门。它不仅仅是罗列各种画论，更是将那些晦涩的概念，通过引人入胜的叙述方式，变得生动而具体。我尤其喜欢书中对不同时期、不同流派画论的梳理，从古典主义对理性与和谐的追求，到浪漫主义对情感与个性的张扬，再到印象派对光影与瞬间的捕捉，每一个转折都伴随着精彩的理论阐述和代表性作品的解读。我能想象到那些艺术家们是如何在创作的实践中，不断地反思、质疑、革新，而这些画论正是他们智慧的结晶。书中的语言流畅而富有文采，即使是那些复杂的哲学思想，也被讲解得浅显易懂，让我这个非专业人士也能津津有味地读下去。它不仅让我看到了画作的“形”，更让我理解了画作的“神”。我仿佛能够穿越时空，亲临那些大师们的画室，听他们讲述创作的灵感，感受他们对艺术的虔诚。这本书的出现，无疑填补了我知识上的空白，也极大地拓宽了我对艺术的认知边界。我还会反复阅读，每一次都会有新的发现和感悟，这绝对是一本值得珍藏的书。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，一开始抱着一种“姑且看看”的心态翻开了《西方画论辑要（新版）》，毕竟画论这类东西，在我看来，往往是枯燥乏味的理论堆砌，是阳春白雪，离我这样的普通读者有些距离。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它不是一本冰冷的学术著作，而更像是一次充满魅力的对话。作者以一种极为个人化、却又严谨的视角，带领我们走进西方绘画的理论世界。书中的章节安排，循序渐进，从最基础的审美原则出发，逐步深入到更复杂的绘画理论体系。我特别欣赏书中对不同画论之间的内在联系和演变过程的分析，它让我看到了艺术理论并非孤立存在，而是随着历史的进程、社会思潮的变迁而不断发展、相互影响的。我曾经对某些绘画流派感到困惑，比如为什么抽象派的作品看起来如此“随意”，但通过书中对相应画论的解读，我才恍然大悟，原来那些“随意”背后，蕴含着对形式、色彩、空间最深刻的探索和表达。书中的论证方式也非常有说服力，作者总是能用恰当的例子来佐证自己的观点，让我们在理解理论的同时，也能够将理论与具体的绘画作品联系起来，形成更直观的感受。我甚至开始重新审视我曾经不太理解的画作，发现它们在理论的“加持”下，焕发出了全新的生命力。这本书让我明白，艺术不仅仅是感性的表达，更是理性的思考和深厚的文化积淀。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，艺术的欣赏是一件非常主观的事情，每个人都有自己的感受和标准。但《西方画论辑要（新版）》让我看到了，在主观的感受之下，其实存在着一套深厚的理论体系，它能够帮助我们更深入地理解艺术的价值和意义。这本书就像一位耐心的老师，它没有强迫我接受任何一种观点，而是引导我去看、去思考、去比较。我曾一度困惑于一些现代艺术的抽象表达，觉得它们缺乏传统意义上的“美”。但读了这本书，我才明白，原来“美”的概念是如此多元，而且在不同的艺术流派中，艺术家们追求的“美”是不同的。例如，书中对抽象表现主义的画论解读，让我理解了艺术家们是如何通过色彩、线条、肌理来表达内在情感和精神状态的，这是一种与具象艺术完全不同的表达方式。这本书还强调了“观看”的重要性，它教导我如何去“看”一幅画，不仅仅是眼睛看到颜色和形状，更是用心去感受画作所传达的情感、思想和理念。我开始尝试放慢节奏，仔细观察画作的每一个细节，去思考艺术家为什么会选择这样的构图、这样的色彩。这种“慢阅读”、“精思考”的过程，让我对艺术的理解进入了一个新的层次。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《西方画论辑要（新版）》是一本能够“唤醒”你内在艺术感知力的书。我之前看很多西方名画，常常只是惊叹于它们的技巧之精湛、色彩之绚丽，但总觉得少了点什么。这本书就像一道闪电，击中了我的迷茫。它并没有直接告诉你“应该怎么画”，而是深入探讨了“为何要画”、“画的是什么”、“如何理解画”。我特别喜欢书中对“形式”与“内容”关系的论述。它让我明白，那些看似简单的线条和色彩，背后往往蕴含着艺术家深刻的思想和情感。例如，书中在分析立体主义的画论时，详细阐述了艺术家们如何通过解构和重组物体的形式，来展现事物多维度的存在和多角度的观察，这让我对那个曾经觉得“奇怪”的流派产生了敬意。此外，书中对不同时期西方社会思潮和哲学观念的梳理，也让我看到了艺术理论是如何与时代背景紧密相连的。我能感受到作者在写作过程中，不仅是对艺术史了如指掌，更是对哲学、历史、心理学等多个领域都有着深刻的理解，并能将这些知识巧妙地融会贯通，呈现给读者。读这本书，让我感觉自己不再是一个被动接受信息的观众，而是一个主动参与到艺术对话中的思考者。

评分☆☆☆☆☆

《西方画论辑要（新版）》这本书，对于我这样长期在绘画实践中摸索的创作者来说，简直是一盏指路明灯。我曾经在技法上下了很多功夫，却总觉得作品缺乏“灵魂”。这本书让我明白，技法是骨骼，而画论则是血肉和筋骨，它们共同构成了艺术的生命。书中对“写实”与“写意”、“具象”与“抽象”的探讨，让我对绘画的表达方式有了更深刻的理解。我曾经对抽象艺术感到困惑，觉得它们“看不懂”，但通过书中对抽象主义的画论解读，我才明白了艺术家们是如何通过形式的纯粹性来表达更深层次的意义的。它让我意识到，艺术的价值并非只在于是否“像”，更在于其是否能够触动人心，是否能够引发思考。这本书还非常注重理论与实践的结合，它在讲解每一个画论时，都会引用大量的经典画作作为例证，并对这些画作进行深入的分析。这种“理论+案例”的模式，让我能够更加直观地理解那些抽象的理论概念，并将它们与实际的绘画创作联系起来。我感觉自己的创作思路被大大拓宽了，不再局限于固有的框架，而是开始尝试更多的可能性。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，《西方画论辑要（新版）》这本书，在某种程度上改变了我对“知识”的看法。以往，我总觉得理论知识是冰冷的、脱离实际的，是只有少数专家才需要掌握的东西。但这本书却让我看到了，那些看似高深的画论，其实与我们的生活、与我们的情感，有着千丝万缕的联系。书中对“情感表达”在绘画中的作用的阐述，尤其让我印象深刻。我曾经觉得，绘画就是一种视觉的呈现，与情感的联系似乎没有文学那么直接。但这本书通过对浪漫主义、表现主义等流派的深入剖析，让我看到了艺术家是如何将内心最真实的情感，通过笔触、色彩、构图等视觉语言，淋漓尽致地传达给观者的。我开始反思，自己为什么会对某些画作产生共鸣，又为什么会对另一些画作感到疏离。原来，这背后可能就隐藏着艺术家所运用的画论，以及我们自身的情感体验。这本书让我明白，艺术理论并非高高在上，而是能够触及我们内心最深处的情感，并引发我们对自己、对世界更深层次的思考。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术充满好奇但缺乏专业知识的普通爱好者，我一直在寻找一本能够真正“带我入门”的书。《西方画论辑要（新版）》无疑成为了我心中的理想选择。它不是那种堆砌着冷冰冰概念的枯燥教材，而是充满了人文关怀和思想深度。我尤其欣赏书中对不同画论作者的生平和创作经历的描述，这使得那些理论不再是抽象的符号，而是有了鲜活的生命。比如，在讲述文艺复兴时期关于“比例”和“透视”的理论时，书中穿插了大量关于达芬奇、米开朗琪罗等大师的故事，让我看到了他们是如何在实践中探索和运用这些理论的。这让我觉得，艺术理论并非是束缚创作的枷锁，而是推动艺术发展的强大动力。书中对于“空间”、“光线”、“色彩”等视觉元素的解析，更是让我对绘画的理解提升了一个维度。我曾经以为这些只是单纯的技术问题，但通过阅读，我才发现它们背后蕴含着深邃的哲学思考和科学探究。这本书的文字流畅自然，条理清晰，即使是复杂的概念，也能被解读得既准确又易懂，让我能够轻松地沉浸在艺术的海洋中。

评分☆☆☆☆☆

拿到《西方画论辑要（新版）》的时候，我正处于一个创作的瓶颈期，对自己的作品感到迷茫，对艺术的理解也似乎停滞不前。我期望能从中找到一些灵感，或者说，一些能够帮助我突破困境的理论武器。这本书没有让我失望。它提供的不是直接的“创作秘籍”，而是从更宏观、更深层次的角度，去剖析西方绘画的理论根基。书中对“模仿”、“表现”、“形式”、“意义”等核心概念的深入探讨，让我对绘画的本质有了更清晰的认识。我曾经过度关注技法，却忽略了绘画作品所承载的思想和情感。通过阅读，我意识到，真正伟大的绘画作品，一定是技法与思想的完美结合。书中的一些观点，比如对“美”的定义在不同时代的不同解读，让我受益匪浅。它让我明白，艺术的评价标准并非一成不变，而是具有历史性和相对性。我开始尝试将这些理论运用到自己的思考中，去分析其他艺术家的作品，去审视自己的创作方向。这本书像一位睿智的长者，在静静地听我的诉说，然后用他丰富的经验和深刻的洞见，为我指点迷津。我感觉自己的思维变得更加开阔，不再局限于固有的模式。虽然我还没有完全解决创作上的难题，但这本书无疑为我提供了宝贵的精神食粮和前进的方向。

评分☆☆☆☆☆

《西方画论辑要（新版）》这本书，让我对“美”有了全新的认识。我一直认为“美”是客观存在的，是某种放之四海而皆准的标准。然而，这本书让我意识到，“美”的概念是流动的，是随着时代、文化、甚至个人经历而不断变化的。书中对于巴洛克艺术中那种繁复、戏剧化的风格的解读，让我看到了“宏大”与“动感”也可以被视为一种“美”；对于新古典主义中那种强调秩序、理性的风格的分析，则让我理解了“和谐”与“静谧”同样具有独特的魅力。这本书最打动我的一点，在于它鼓励我去独立思考，去形成自己的判断。它提供了各种各样的理论视角，但并不强迫你去接受其中任何一种。相反，它鼓励你去比较、去权衡、去融汇。我开始尝试用不同的理论框架去审视同一幅画作，结果发现，不同的视角会带来完全不同的解读，而每一种解读，都能够揭示出画作的不同侧面。这种“多视角”的思考方式，极大地丰富了我对艺术的理解，也让我不再害怕那些曾经觉得难以理解的画作。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对“画论”这两个字就有点望而却步，总觉得它离我的生活太远，是属于专家学者的领域。但《西方画论辑要（新版）》完全打破了我的这种刻板印象。这本书用一种极其亲切、甚至可以说是“接地气”的方式，为我打开了通往西方绘画理论的大门。它没有使用太多晦涩难懂的术语，即使有，作者也会用非常生动形象的比喻去解释，让我这个门外汉也能轻松理解。我尤其喜欢书中对那些著名画家的生平和创作风格，以及他们所处的时代背景的介绍，这些都为理解他们的画论提供了坚实的基础。例如，书中在解读达芬奇的色彩理论时，会提到他对光学和人体解剖学的研究，这让我瞬间明白了为什么他的作品色彩如此逼真、富有层次。又比如，在探讨印象派画家如何看待光线和色彩时，书里详细描述了当时摄影术的兴起以及科学对色彩认知的进步，这些都帮助我理解了他们为何会选择捕捉“瞬间”的美。这本书不是简单地罗列理论，而是将理论与实践、理论与历史、理论与艺术家本人紧密地联系在一起，形成了一个有机整体。我读这本书的过程，就像是在跟随一位经验丰富的导游，参观一座宏伟的艺术博物馆，他不仅会向你介绍展品，还会告诉你这些展品的历史故事、创作背景，让你对展品有更深入、更全面的了解。

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老师推荐的 感觉还不错哦 灰常喜欢

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正版书，非常好 因为考博所以买的，研究画论的敲门啊砖。

评分☆☆☆☆☆

《中国画论辑要》(增订本)节录了从先秦至清代画论著述以及有关文献、题画、民间画诀中最有代表性的名篇精段，按内容不同加以科学分类，综合成上下两编：上编为总论，有功能、创作、品评、形神、气韵、意境、风格、流派、继承、避忌、修养诸论；下编为分论，有章法、笔墨、设色、诗画、书画、题款、印章诸论。

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非常好，抽时间好好研读。

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好好学习好好学习好好学习

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中国画论辑要（增订本）中国画论辑要（增订4本）重大的借鉴作用，所以我们必须加以学A习、研8究、分析、批判和继承的。E　　学习中国画论的最好2办法，是首先10必中国画论辑要（增订本）以综合和提炼，形之于笔，就成为中国画论这样一份极其富贵

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很好很好，非常好非常好！

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不错，很快就到了

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经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。经典之作，必须读读。