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钱桂芳 著

图书标签:

• 山水画
• 中国画
• 绘画教程
• 技法
• 入门
• 临摹
• 写意
• 水墨
• 艺术
• 绘画

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539826059

商品编码：1026403406

出版时间：2010-11-01

作  者:钱桂芳 定  价:36 出 版 社:安徽美术出版社 出版日期:2010年11月01日 页  数:78 装  帧:平装 ISBN:9787539826059 ●    上册（树木、山石、点景、构图）
●  中国山水画用具
●  一、宣纸
●  二、笔
●  三、墨及墨汁
●  四、笔洗、调色碟
●  五、羊毛毡、垫纸
●  六、颜料
●第二章  学习山水画的方法
●第三章  山水画笔墨技法
●  一、执笔法
●  二、用笔法
●  三、用墨法
●第四章  树干画法
●  一、树主干画法
●  二、树支干画法
●第五章  树小枝画法
●  一、鹿角枝画法
●  二、蟹爪枝画法
●第六章  树的皴法
●部分目录

内容简介

    由钱桂芳编著的《中国山水画教程》分为上、下两册，是一套比较系统完整的山水画教材。从传统到现代，由浅入深，对山水画各种技法做了详尽论述，并有345幅插图和范画作品，基本涵盖了从基础到提高，再到研修的全部课程，既是教科书，又是技法书，还是一部画谱参考书。为了便于临摹和学习，书中不仅配有范画，还对每种技法步骤进行分解，图文并茂，使学画者看得懂，学得会，少走弯路，尽快掌握绘画技巧。
    《中国山水画教程（上传统中国画技法详解）》概括了树木、山石、点景、构图等共51章。

钱桂芳     钱桂芳，字石峰，1948年生，天津市人，大学学历。中国美术家协会天津分会会员、一级画师、天津市艺术学会理事、天津市老书画家协会理事、天津市政协书画研究会会员、天津市永乐书画院副院长、天津市老年人大学教师。
    自幼酷爱丹青，1989年毕业于中国书画函授大学国画系。先后师从孙纲、赵松涛、刘止庸、白庚延、吕云所、于後千、叶东旭诸先生。并深研傅抱石、魏紫熙等现代山水名家的绘画技法，无所不师，无所必师，博采众长，取其精华，逐步形成自已的绘画风格。作品多次参加性美展和靠前书画交流展并获很好奖、特别金奖。多等

中国山水画教程.上 引言 中国山水画，以其独特的东方审美视角，将自然山川的壮丽与人文精神的沉淀融为一体，历经千年发展，已成为中华文化宝库中一颗璀璨的明珠。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家心性、哲学思想与时代精神的写照。本书《中国山水画教程.上》旨在为初学者系统地打开中国山水画的入门之门，从基础技法入手，逐步引导读者领略中国山水画的深邃魅力与创作精髓。我们将循序渐进，从笔墨纸砚的准备，到皴法的演变，再到构图的奥秘，一步步带领你走进这个充满诗意的艺术世界。 第一章：工欲善其事，必先利其器——山水画的笔墨纸砚 绘画创作，如同治国安邦，离不开精良的器物。在中国山水画的创作中，笔、墨、纸、砚这“文房四宝”的选择与运用至关重要，它们不仅是工具，更是艺术家表达情感、呈现意境的媒介。 笔： 山水画用笔，种类繁多，各有其妙。 毛笔的选择： 初学者应选择一支具有一定弹性且笔锋聚拢良好的兼毫笔或羊毫笔。兼毫笔兼具狼毫的硬度和羊毫的柔韧，易于控制，适合初学者练习各种线条。羊毫笔则笔锋圆润，吸墨量大，适合表现水墨的浓淡晕染。随着技法的熟练，可以尝试更细致的狼毫笔，以及不同大小、形状的毛笔，以应对不同的绘画需求。 执笔方法： 正确的执笔方法是掌握笔法的基础。我们提倡“平、圆、虚、实”的执笔四要。 平： 指执笔时，笔杆横向平稳，手腕放松，力求自然。 圆： 指笔杆与桌面大致呈圆形，避免尖锐的棱角，以便手腕灵活转动。 虚： 指握笔时，手指之间留有空隙，避免过分用力，以保持手腕的弹性。 实： 指握笔时，中指、无名指、小指等要虚实结合，形成稳定的支撑点。 用笔的力度与角度： 用笔的力度决定了线条的粗细、刚柔；用笔的角度则影响了墨色在纸上的痕迹。轻重缓急、顿挫提按，皆能化平凡为神奇。我们将通过大量的范例，让您体会“力透纸背”的刚劲，“游丝引风”的飘逸，以及“飞白”的质感。 墨： 墨是山水画的灵魂，浓淡干湿的变化，是表现物象立体感、层次感、空间感的重要手段。 墨的种类： 传统松烟墨、油烟墨各有特色。松烟墨色泽沉静，层次丰富；油烟墨则黑亮，浓郁。初学者可选择市售的优质墨汁，如一得阁、曹素功等品牌。 研墨的技巧： 亲自研墨，更能体会墨的质感，感受其中蕴含的韵味。研墨时，水要一点一点地加入，缓慢均匀地研磨，直到墨色浓郁，散发出幽远的香气。 墨色的变化（墨法）： 这是山水画技法的核心之一。我们将详细讲解“浓、淡、干、湿、焦”五种墨色的运用，以及如何通过“积墨”、“破墨”、“宿墨”等技法，丰富画面层次，表现不同材质的肌理。 浓墨： 表现山石的厚重，树干的苍劲。 淡墨： 表现远山的朦胧，云雾的缥缈。 干墨： 表现岩石的皴擦痕迹，老树的枯枝。 湿墨： 表现山泉的飞流，雨后的湿润。 焦墨： 极浓的墨色，表现画面的重点，或突出焦灼、苍劲之感。 积墨： 层层叠加，使墨色逐渐加深，增加厚重感与立体感。 破墨： 在已干或未干的墨色上，用浓墨或淡墨破之，产生奇妙的韵味。 宿墨： 前一天调好的墨，放置一夜后使用，墨色更显沉郁，有特殊的韵味。 纸： 纸是承载艺术家思想与情感的载体，不同的纸质，会产生不同的墨韵效果。 宣纸的种类： 最常用的为宣纸，其特点是吸墨性好，不洇不散，且具有“墨分五色”的特点。初学者可选择生宣或半生熟宣。 生宣： 吸墨性最强，水墨易散，适合表现水、云、雾等朦胧效果，对用笔用墨的要求很高。 半生熟宣： 墨迹相对凝聚，具有一定的晕染效果，适合初学者练习山石、树木等。 熟宣： 墨迹不晕不散，适合工笔或写意中的精细描绘，但在此教程中，我们主要侧重写意，因此主要使用生宣和半生熟宣。 练习用纸： 在掌握基本技法之前，可以选择价格相对便宜的毛边纸或棉纸进行大量练习，以节省成本，同时也能熟悉笔墨在纸上的表现。 砚： 砚台是研墨的工具，好的砚台能使墨色均匀细腻，研出的墨汁光泽温润。 砚台的种类： 端砚、歙砚、洮砚等。初学者无需追求名贵，选择一块石质坚硬、易于研墨的普通砚台即可。 研墨的注意事项： 研墨时，水量要适中，缓慢匀速地研磨，直至墨汁浓稠。 第二章：点石成金，千岩竞秀——山石的皴法 山石是中国山水画的主体，也是表现画家笔墨功力与表现力的关键。皴法，便是用笔触来表现山石的纹理、结构和体积的技法。中国山水画的皴法多种多样，各有其特点，它们不仅模仿了山石的真实形态，更融入了艺术家的主观感受。 皴法的起源与发展： 从古代绘画中对山石的勾勒，到唐宋时期对山石体积感的初步表现，再到元明清时期皴法的成熟与多样化，皴法的发展历程，也是中国山水画写实与写意结合的演变过程。 基础皴法的学习： 披麻皴： 似丝条下垂，适用于表现层层叠叠的岩石，以及柔和的山体。我们将学习顺披麻皴、逆披麻皴、横披麻皴等变化。 斧劈皴： 似斧劈石的痕迹，表现山石的坚硬、陡峭与立体感。又分为大斧劈皴、小斧劈皴，以及元人风格的双勾斧劈皴。 解索皴： 似拧在一起的绳索，表现山石的扭曲、盘结，常用于表现古松下的山石或陡峭的山崖。 折带皴： 笔触形似折断的带子，表现山石的方硬、转折，常用于表现块状的山石。 雨点皴： 笔触的点状，疏密变化，可表现山石的质感，也可用来点苔。 米点皴： 由米芾父子所创，用浓淡墨点染而成，表现烟雨朦胧中的山峦，尤其擅长表现江南景致。 皴法的组合与变化： 真实的自然景物，并非单一皴法所能涵盖。在学习各种基础皴法后，我们将学习如何将它们灵活地组合运用，以表现不同形态的山石。例如，可以用斧劈皴表现山体的陡峭，再用披麻皴表现山体的层次；可以用解索皴表现山脚的盘结，再用折带皴表现山顶的方硬。 皴法的笔墨表现： 皴法不仅是形状的模仿，更是笔墨的运用。我们将学习如何根据不同的皴法，调整用笔的力度、角度、墨色的浓淡，以及通过“擦”与“点”的结合，来赋予山石生命力。例如，用干笔侧锋擦，可以表现岩石的坚硬；用湿笔浓墨点，可以表现山石的湿润。 第三章：林木苍翠，万物生灵——树木的画法 树木是中国山水画的重要组成部分，它们不仅构成了画面的骨骼，更增添了画面的生机与情趣。一棵树，可以表现出苍劲、挺拔、婆娑、疏朗等不同的姿态，蕴含着画家对生命的理解与感悟。 树木的结构与形态： 树干： 表现树干的苍劲，我们需要运用粗细、曲直、浓淡不同的线条，以及皴擦的技法。老树的树皮，用干笔皴擦，表现其饱经风霜的痕迹；幼树的树干，用流畅的线条勾勒，表现其生机勃勃。 树枝： 树枝的形态变化无穷，或舒展，或盘绕，或枯槁，或新生。我们将学习如何用不同方向、粗细的线条来表现树枝的生长规律，以及“蟹爪枝”等特殊形态。 树叶： 树叶的画法，是表现树木繁茂与疏朗的关键。根据树种和季节的不同，树叶的表现方式也各不相同。 团叶（点叶）： 用笔点染而成，形式多样，如“介字点”、“圆点”、“桂叶点”等。不同的点叶方法，能表现出不同的叶质和生长状态。 片叶： 用流畅的线条勾勒，表现叶片的轮廓和形态，常用于表现松针、竹叶等。 树木的种类与表现： 松树： 苍劲挺拔，傲然独立，是中国文人喜爱的题材。我们将学习如何表现松树的枝干、松针，以及其坚韧不拔的精神。 杂树： 如柳树、杨树、榆树、枫树等，它们各有不同的形态和韵味。我们将学习如何根据不同的树种，运用不同的笔墨技法，表现它们的个性特征。 藤萝、竹子： 作为山水画中的点景元素，它们能为画面增添灵动与雅致。 树木的整体构图： 在学习了单棵树的画法后，我们将学习如何将树木组合起来，形成树林、山坡上的树木等景象，注意树木之间的疏密关系、高低错落，以及它们与山石、云水的配合。 第四章：云烟变幻，溪流潺潺——水、云、雾的画法 水、云、雾在中国山水画中，扮演着营造意境、增添灵动、表现空间感的重要角色。它们的变化无穷，是考验画家驾驭笔墨能力的重要环节。 水的画法： 表现形式： 山泉、溪流、瀑布、江河、湖泊、海洋等。 笔墨表现： 溪流与泉水： 用流畅的线条勾勒，辅以淡墨点染，表现其清澈与灵动。瀑布则需要运用飞白、顿挫等技法，表现其水势的磅礴。 江河湖海： 用大面积的淡墨晕染，辅以波纹的勾勒，表现其广阔与深邃。 云的画法： 表现形式： 浮云、积云、行云、卷云等。 笔墨表现： 云的塑造： 主要运用湿墨晕染，或用淡墨勾勒，然后用笔拭去，形成云的轻柔与飘逸。 留白与烘染： 利用宣纸本身的白色作为云的亮部，再用淡墨烘染，形成云的体积感和层次感。 云的动势： 通过笔触的方向与墨色的变化，表现云的流动与变幻。 雾的画法： 表现形式： 山间薄雾、河谷浓雾等。 笔墨表现： 雾的描绘，讲究“虚”与“淡”。用极淡的墨色，大面积地晕染，使景物若隐若现，营造出朦胧、神秘的意境。 结语 《中国山水画教程.上》是您踏入中国山水画艺术殿堂的第一步。我们在此章节中，为您揭示了山水画创作中最基础也最核心的几大要素：笔墨纸砚的准备与运用，山石的皴法变化，树木的形态描绘，以及云水雾的意境营造。请记住，绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是心灵的表达。在练习过程中，请保持耐心与热情，勤于观察，勤于思考，勤于动笔。只有在不断的实践中，您才能真正领悟中国山水画的精髓，并逐渐形成自己独特的艺术语言。接下来的学习将更加精彩，让我们一起在这片古老而充满活力的艺术土地上，描绘属于您自己的山水画卷。

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这本书的出现，简直就像在我的书架上点亮了一盏明灯，尤其是对于像我这样，对中国山水画心向往之，却又常常被其深邃的意境和精妙的技法弄得望而却步的初学者来说。我一直觉得，中国山水画不仅仅是描绘景物，它更是一种哲学，一种精神的寄托，一种与自然的对话。然而，在实际动手尝试时，我常常发现自己连最基础的笔墨晕染都掌握不好，更遑论捕捉到那种“气韵生动”的境界了。《中国山水画教程.上》这本书，恰恰解决了我的燃眉之急。它从最基础的笔墨训练开始，循序渐进地引导读者了解中国山水画的核心要素。我尤其喜欢书中关于“皴法”的讲解，比如披麻皴、斧劈皴、解索皴等等，书中不仅详细地解释了每种皴法的特点，还配有大量的范例图，让我能清晰地看到不同皴法在表现山石纹理时的差异。更重要的是，书中并没有止步于技法的讲解，而是巧妙地融入了中国传统文化和哲学思想，比如在讲到“留白”时，作者会阐述留白在画面中的象征意义，以及如何通过留白来营造意境，这让我觉得学习的过程不仅仅是技巧的训练，更是一次心灵的洗礼。我常常会花费数小时在练习一种皴法上，从一开始的生涩笨拙，到后来逐渐体会到笔墨在纸上流动的乐趣，这种进步让我无比欣喜。这本书就像一位循循善诱的老师，没有高高在上的姿态，而是用最朴实、最易懂的语言，带领我一步步走进中国山水画的殿堂。我曾经尝试过其他一些关于山水画的书籍，但要么过于理论化，要么技法讲解不够清晰，《中国山水画教程.上》则真正做到了理论与实践的完美结合，让我这个门外汉也能找到学习的路径，并且感受到其中的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要画好中国山水画，除了技巧，更重要的是要对自然有着深刻的理解和感悟。《中国山水画教程.上》这本书，恰恰满足了我对这一点学习的需求。它不仅仅是一本教你如何握笔、如何用墨的书，它更是一本引导你如何观察自然、如何体会自然的书。书中在讲解各种绘画技法的同时，常常会穿插一些关于自然景物特点的描述，例如山石的形成、树木的生长规律、云水的变化等等。这让我觉得，在学习绘画技法的过程中，我同时也在学习如何去“读懂”大自然。我特别喜欢书中关于“写生”的章节，作者鼓励读者走出画室，去亲身感受自然的美。我曾经按照书中的建议，去山间写生，当我尝试着用书中学到的笔法来勾勒山体的轮廓，用墨色来表现山石的层次时，我才真正体会到“师造化”的意义。这本书就像一位智慧的导师，它不仅传授了我绘画的“术”，更启迪了我对艺术的“道”的理解。我感觉自己在绘画的同时，也提升了自己对自然美的感知能力，也学会了如何将这份感知融入到我的画作中，让我的山水画作品不仅仅有形，更有魂。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画教程.上》这本书，是我近期阅读中最为惊喜的一本。它为我这样一个对中国山水画充满向往，但又不知如何下手的初学者，提供了一条清晰而有效的学习路径。这本书最大的优点在于它的“由浅入深”和“循序渐进”。它没有一开始就让读者去面对复杂的山水场景，而是从最基础的笔墨训练开始。例如，书中关于“点”、“线”的基本功练习，我感觉受益匪浅。我之前总觉得画点画线太简单了，但通过书中的指导，我才发现，原来一个看似简单的点，也可以有干湿浓淡、大小方圆的变化；一条看似普通的线，也可以有粗细刚柔、虚实相间的功用。这种对基础的重视，让我觉得这本书非常扎实。我尤其喜欢书中关于“皴法”的讲解，比如披麻皴、斧劈皴等，作者不仅详细地解释了每种皴法的特点，还配以大量的范例图，让我能够清晰地看到不同皴法在表现山石纹理时的差异。我经常会反复练习这些皴法，从一开始的生涩笨拙，到后来逐渐体会到笔墨在纸上流动的乐趣，这种进步让我无比欣喜。这本书就像一位经验丰富的引路人，用最细致的讲解和最生动的实例，带领我一步步地走进中国山水画的奇妙世界，让我能够从零开始，也能感受到绘画的乐趣和成就感。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画教程.上》这本书，给我最大的惊喜在于它对“意境”的讲解是如此的“具体”。我之前看过的很多山水画教程，在讲到意境的时候，总是说得非常虚，让我感觉可望而不可即。而这本书，则通过非常具体的笔墨技法，来帮助读者实现意境的表达。例如，在讲解“留白”的时候，书中并没有仅仅停留在理论层面，而是详细地说明了留白在画面中的位置、大小以及它所能营造出的不同效果。作者通过大量的范例图，让我能够清晰地看到，如何通过恰到好处的留白，来表现天空的辽阔、水面的宁静，以及画面的呼吸感。我常常会反复研究书中的范例，并且尝试着去模仿，每一次的尝试，都能让我对“意境”的理解更深一层。更让我觉得这本书非常贴心的是，它还提供了很多关于“创作”的思路和方法。作者鼓励读者在掌握了基本技法之后，要大胆地进行创作，并且提供了很多小技巧，来帮助读者克服创作中的瓶颈。我感觉这本书就像一位非常了解初学者心理的老师，它知道初学者会遇到哪些困难，并且会提供最有效的解决方案。这本书让我觉得，中国山水画并不像我想象的那么遥不可及，只要掌握了正确的方法，每个人都能从中找到乐趣，并创作出属于自己的作品。

评分☆☆☆☆☆

《中国山水画教程.上》这本书，给我最深刻的感受就是它对细节的极致追求，以及对学习者需求的深刻理解。我之前一直觉得，山水画中最难掌握的就是“意境”的表达，总是感觉画出来的东西缺少一种“魂”。而这本书，恰恰从“意境”入手，但不是空泛的理论，而是通过具体的技法讲解，来帮助读者实现意境的表达。我特别喜欢书中关于“构图”的章节，作者详细地讲解了“三远法”，以及如何在画面中运用“虚实”、“疏密”等对比关系来营造画面的空间感和深度。我曾经按照书中的指导，尝试着去构思一幅山水画，从一开始的茫然无措，到后来逐渐理清思路，找到画面的中心，安排好景物的层次，感觉就像打开了一个新的世界。更让我惊喜的是，书中还提供了大量的范例作品，并且对这些作品进行了详细的分析，让我能够从大师的作品中学习到他们的构图技巧和用笔用墨的妙处。我常常会反复研读这些范例作品，一边对照书中的讲解，一边模仿着去练习，感觉就像与一位无声的老师在进行对话。这本书不仅仅是一本教程，更像是一本“山水画美学指南”，它不仅教会我如何画山水，更让我学会了如何去欣赏山水，如何去体会山水画中的那种超然物外的精神。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统文化充满兴趣的爱好者，我一直对中国山水画有着浓厚的兴趣。然而，很多时候，我发现自己面对着那些大师的杰作，只能望洋兴叹，无法真正理解其中的精髓。《中国山水画教程.上》这本书，就像一道曙光，照亮了我探索山水画艺术的道路。这本书最大的特点，在于它不仅仅传授绘画的技巧，更注重引导读者去理解中国山水画背后的文化内涵和哲学思想。例如，在讲解“点苔”的时候，书中不仅仅会告诉你点苔的笔法，还会解释点苔在画面中的作用，以及如何通过点苔来表现山石的生长和环境的氛围。我特别喜欢书中关于“用笔”和“用墨”的细致讲解，它不仅仅停留在理论层面，而是通过大量的示范图，让我能直观地看到不同的笔法和墨法所能产生的效果。我常常会花很多时间去临摹书中的范例，从一开始的生疏模仿，到后来逐渐体会到笔墨在纸上流动的韵律感。这本书就像一位循循善诱的老师，用最浅显易懂的语言，为我打开了通往中国山水画艺术殿堂的大门，让我不仅仅学会了绘画的技巧，更深刻地理解了中国山水画所蕴含的东方哲学和人文精神。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，要真正理解一门艺术，光看是远远不够的，必须亲手去实践，去感受，去体会。而《中国山水画教程.上》这本书，就给了我这样一个绝佳的机会。这本书的结构设计非常合理，它不是那种上来就让你画山画水的“填鸭式”教学，而是从最根本的笔墨功底入手，一点一点地打磨你的基本功。我尤其被书中关于“用笔”的章节所吸引。它详细地讲解了提、按、顿、挫等不同运笔方式在山水画中的应用，以及如何通过改变笔锋的干湿浓淡来表现不同的景物质感。我常常会按照书中的指导，一遍一遍地练习“点”的运用，从散点、攒点到卧点、卧云点，每一个看似简单的笔触，都蕴含着丰富的变化和表现力。书中的范图也十分用心，它们不仅仅是最终的成品展示，更像是教学过程中一个重要的环节，让你能直观地看到作者是如何通过不同的笔法来塑造山峦的起伏、树木的形态，以及水流的动势。我记得在练习“树法”的时候，我总是觉得画出来的树木要么呆板，要么杂乱无章，但看了书中的讲解，特别是关于“松”、“柳”、“杂树”等不同树种的画法，我才开始领悟到，原来不同的树木有不同的生长姿态，用笔也应该有所区别。比如画松树，需要用苍劲有力的笔触表现其盘曲的枝干，而画柳树则需要轻柔灵动的笔法来展现其飘逸的姿态。这本书就像一位耐心的老师，用最细致的讲解和最生动的实例，一步步地引导我走出迷茫，找到学习的重点。我感觉自己的绘画技法在不知不觉中得到了提升，也越来越敢于在纸上挥洒笔墨，去尝试表现我心中的山水意境。

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《中国山水画教程.上》这本书，带给我的不仅仅是绘画技巧上的提升，更多的是一种精神上的启迪。我一直对中国山水画所传达的那种“天人合一”的意境深感着迷，也渴望能够通过自己的画笔来表达这种感受。然而，很多时候，我发现自己即使画出了形，却画不出神。这本书在讲解技法的同时，非常注重将中国传统文化中的哲学思想融入其中，这让我受益匪浅。例如，在讲解“墨法”时，书中并没有仅仅停留在如何调墨、用墨的层面，而是深入探讨了“墨分五色”的奥秘，以及墨色浓淡变化如何影响画面的空间感和层次感。我尤其喜欢书中关于“破墨法”和“积墨法”的讲解，作者用清晰的图示和简洁的文字，让我明白了如何通过墨色的相互渗透和层层叠加，来表现山石的厚重感和立体感。更让我惊喜的是，书中还巧妙地融入了中国传统文人的审美情趣，比如在讲解如何布置画面时，作者会引用古人的诗句，来阐述“意境”的营造。这让我觉得，学习山水画不仅仅是在学画画，更是在学习一种生活态度，一种与自然和谐相处的方式。我常常会在练习山水画的时候，脑海中会浮现出书中的讲解，以及那些古人的诗句，仿佛置身于烟波浩渺的山水之间，心灵也得到了极大的宁静和升华。这本书就像一位智慧的长者，用他的经验和学识，为我打开了一扇通往中国传统山水画艺术殿堂的大门，让我不仅仅学会了绘画的技巧，更学会了如何去感受自然，如何去表达内心的情感。

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说实话，我之前尝试过几本中国山水画的入门书籍，但总感觉要么过于理论化，要么讲解不够细致，很难真正上手。《中国山水画教程.上》这本书，则完全颠覆了我之前的看法。它最大的特点就是“接地气”，从最基础的笔墨训练开始，循序渐进，一点一点地引导读者掌握绘画的技巧。我最喜欢的部分是关于“勾勒”和“皴染”的讲解。书中详细地讲解了勾线的力度、速度以及线条的粗细变化，如何通过不同的勾线来表现山石的轮廓和纹理。而“皴染”部分，更是让我眼前一亮，作者详细地介绍了披麻皴、斧劈皴等多种皴法，并且配以大量的范例图，让我能清晰地看到每种皴法在实际运用中的效果。最重要的是，书中并没有仅仅停留在技法的介绍，而是非常注重“写生”与“创作”的结合。作者鼓励读者走出户外，去观察真实的自然景物，并将写生的所得融入到创作中。我记得我曾经按照书中的指导，去郊外写生，当我尝试着用书中学到的皴法来表现远山的轮廓，用墨色来渲染山体的层次时，我才真正体会到“笔墨当随时代”的含义。这本书就像一位经验丰富的引路人，不仅教会了我绘画的“术”，更启迪了我绘画的“道”。我感觉自己的绘画能力得到了质的飞跃，也越来越有信心去创作属于自己的山水画作品。

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在我接触《中国山水画教程.上》之前，我对山水画的认识，很大程度上停留在“形似”层面，总想着把山画得像山，把树画得像树。这本书，则彻底改变了我的认知。它让我明白，中国山水画的核心，在于“神似”，在于通过笔墨来表达一种“气韵”。书中关于“笔墨趣味”的讲解，让我印象深刻。作者详细地介绍了各种笔法的变化，以及如何通过笔墨的浓淡干湿来表现不同的景物质感和空间感。我尤其喜欢书中关于“飞白”的讲解，作者解释了飞白如何在画面中起到画龙点睛的作用，并且提供了大量的范例，让我能清晰地看到，如何通过飞白来表现山石的坚硬、树木的枯瘦，以及画面的动感。我常常会按照书中的指导，反复练习运用飞白，从一开始的刻意为之，到后来逐渐体会到那种随心而至的自然美。这本书就像一位哲人，它不仅教我绘画的技巧，更启迪我从更深的层面去理解中国山水画的内涵。它让我明白，绘画不仅仅是技艺的展现，更是一种心灵的表达，一种与自然的对话。我感觉这本书给了我一种全新的视角，让我能够以一种更加诗意和哲学的方式去欣赏和创作中国山水画。

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相当好的一本书，建议大家多买

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我喜欢

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山水画技法讲述很详细，是自学者的实用教材，很喜欢。

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好

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蛮好的，印刷，纸张都好，内容也行。

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这个必须顶，学习还是看都不错

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这个必须顶，学习还是看都不错

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配送员吭我十块钱

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帮别人买的，很喜欢，十分满意的一次购物！