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贾达群作曲 著

图书标签:

• 诗歌
• 无词
• 音乐性
• 意象
• 现代诗
• 情感
• 内心
• 艺术
• 实验性
• 抽象

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928455

商品编码：1042908307

出版时间：2013-04-01

作  者:贾达群 作曲 著作 定  价:18 出 版 社:上海音乐学院出版社 出版日期:2013年04月01日 页  数:20 装  帧:平装 ISBN:9787806928455 ●暂无

内容简介

    《中国现代室内乐作品系列：无词歌》由三个乐章组成。

    **乐章：“阿托班鼓的宣叙调”。该乐章展示了各种有趣而多变的节奏组合。在乐章的中段，阿托班鼓用中国戏曲唱腔和道白的方式演奏了一段委婉、跌宕的“旋律”。

    第二乐章：“锣与颤音琴的咏叹”。两种五声调式的运用，表现了中日两国的灿烂文化。颤音琴的颤动音响颇具特色。

    第三乐章：“鼓的轰鸣”。该乐章巧妙而精细地展示了各种鼓音响的音色以及这些音色在进行过程中的演变。
贾达群 作曲 著作 贾达群，上海音乐学院教授、博士生导师、学位委员会艺术学科评议组成员、艺术硕士专业学位教育指导委员会委员，上海音乐学院研究生部主任。.其作品在靠前外经常被演·出并获得广泛好评，《弦乐四重奏》（1988）在日本东京“第十二届IRINO室内乐靠前作曲比赛”中荣获大奖；《蜀韵》（1995）被评为“20世纪华人经典”；《回旋曲》（1984）、《龙凤图腾》（1985）、《两乐章交响曲》（1986）、《巴蜀随想》（1996）等在重量作曲比赛中获奖。主要创作有交响曲、协奏曲、各种编制的室内乐数十部以及有关音乐分析和结构理论研究的论文数篇。

书名：星海的回响 作者： 林溪 出版社： 瀚海文化 装帧： 精装，附赠手绘星图 定价： 88.00 元 --- 内容简介 《星海的回响》是一部跨越数个世代，描绘人类在探索宇宙过程中所经历的孤独、勇气与文明抉择的宏大叙事史诗。它并非聚焦于某一项具体的科学发现，而是深入探讨了“远行”这一行为对人类精神结构产生的深刻影响。 故事始于地球纪元末期，彼时，人类文明面临着资源枯竭与环境恶化的双重危机。主要的叙事线索围绕着“方舟计划”的启动及其后续发展展开。这不是一次简单的逃亡，而是一场基于哲学思辨的文明重塑。小说的主角群，来自不同文化背景、拥有迥异世界观的科学家、艺术家、工程师和哲学家，被选中踏上寻找宜居行星的漫长旅程。 第一部：尘埃与启航 第一部分着重刻画了地球文明在决定放弃母星时的复杂心绪。作者用细腻的笔触描绘了告别仪式上的沉默，人们对未知的恐惧，以及对逝去美好事物的缅怀。核心人物之一，天体物理学家艾莉亚·维斯特，是方舟计划的首席设计师。她的日记片段构成了早期章节的基调，充满了对宇宙尺度的敬畏与对人类渺小的深刻反思。艾莉亚并非一个传统意义上的英雄，她饱受失眠的困扰，时刻被“我们是否拥有权利去延续文明”这一道德困境所折磨。她的挣扎，反映了第一代远航者的集体心理创伤。 飞船“赫尔墨斯”号不仅仅是一个载具，它被塑造成一个微缩的、移动的社会结构。船上的社会体系在资源极度受限的环境下迅速演化，阶层开始固化，信仰体系随之崩塌又重建。小说细致地展示了在超长时空尺度下，人类的社会伦理将如何被重构。例如，书中有一章详细描述了“记忆维护官”这一职业的诞生，他们负责在漫长旅途中，通过植入式教育系统，确保后代能记住“故乡的蓝色”——一个象征意义大于实际意义的意象。 第二部：深空中的静默 随着飞船进入星际介质，通讯中断，人类彻底与母星失联。这段旅程占据了小说篇幅的中心。寂静，成为这部分叙事的主宰。作者巧妙地运用了“时间扭曲”的概念，使船上的几代人经历了相对不同的时间流逝。 关键情节集中在一个被称为“共振群”的现象上。部分船员报告称，他们能“听见”宇宙深处的某种低频震动。这引发了一场关于信仰与科学的激烈辩论。卡西姆，一位研究古代文明的语言学家，坚信这些震动是某种高级文明的“呼唤”，他试图构建一套新的符号系统来回应。而首席工程师泽维尔则坚持一切皆为宇宙背景辐射的异常波动。这段冲突不仅是知识分子之间的争论，更演变成对文明未来发展方向的根本性分歧：是保守地维持既有的人类学框架，还是彻底拥抱未知的可能性？ 小说在这里探讨了“永恒的等待”对人类心智的侵蚀。一些人陷入了“时间麻木”，他们不再关心到达的目的地，只专注于维持飞船的运转。另一些人则选择了“狂欢式遗忘”，他们试图在狭小的空间内，重现地球上已逝的文化盛景，例如举办盛大的、没有听众的交响乐演奏会。 第三部：新世界的拓扑 经过数代人的漂泊，方舟船终于抵达了目标星系——一个由多颗行星构成的复杂系统。然而，迎接他们的是一个令人困惑的局面：他们发现这片星域早已存在着某种形态的生命迹象，但这些生命体并不符合任何地球文明所预设的生物学模型。 在新星球“伊甸-7”的表面，船员们遇到了被命名为“光纤藤”的生态系统。这些生命体通过地下网络进行信息交流，它们的“文明”表现为复杂的能量流动而非物质建造。艾莉亚的后代，年轻的生态学家奥萝拉，成为了连接人类与新世界理解的桥梁。 小说的后半部分，重点描绘了人类如何面对“被超越”的现实。他们不是征服者，而是初级的学习者。奥萝拉发现，新世界的“智慧”并非建立在个体意识之上，而是依赖于整体的、无差别的连接。人类数千年积累的竞争哲学和二元对立思维，在新环境中显得尤为笨拙和低效。 最终的冲突并非一场战争，而是一次深刻的文化融合的尝试。人类必须决定，是固守自己“个体为本”的定义，从而在新的生态系统中被边缘化；还是放弃对自我的固执，融入那片无边无际的“共振”之中。 主题与风格 《星海的回响》以其冷静、宏大、充满哲学思辨的笔触，探讨了文明的边界、记忆的可靠性、孤独的本质，以及在无限空间中寻找“家园”的真正含义。作者将硬科幻的设定与深刻的人文关怀融为一体，其语言风格沉静而富有诗意，致力于捕捉人类面对宇宙奇观时那种既渺小又无比珍贵的精神光芒。这是一部关于我们是谁，以及我们愿意为“存在”付出何种代价的深沉思考。 --- 读者评价摘要（模拟）： “读完后，我感到仿佛在亿万光年之外，听见了自己的心跳声。” —— 《宇宙观察家》 “林溪构建的世界观宏大而不失细节，特别是对社会结构衰变的描写，令人不寒而栗。” —— 知名评论家 钱亦明 “这是一部关于‘失去’与‘重塑’的杰作，它提出了比‘我们从哪里来’更重要的问题：‘我们要去往何处’？” —— 文学评论季刊《界限》 --- （全书共约 65 万字，分为三卷，是当代科幻文学中里程碑式的作品。）

评分☆☆☆☆☆

拿到“无词歌”这本书，我最期待的是能了解一些关于音乐历史的有趣冷知识，或者是一些关于作曲家生活逸闻的片段。然而，当翻开书页，我才发现这本图书的视野远比我想象的要广阔，它并非聚焦于某个具体的音乐作品或历史事件。 书中有一种很独特的“流动性”的写作风格，作者并没有设定固定的论点，而是在字里行间自然而然地展开叙述，就像一段无词的旋律，循序渐进地引导读者进入一个由思想和情感交织而成的世界。我最欣赏的是作者对“沉默”的细腻捕捉。他认为，音乐的“无词”并非意味着空洞，而是一种由微妙的停顿、呼吸和空间构成的丰富层次。 我特别喜欢书中关于“想象力与音乐”的论述。作者提到，没有歌词的限制，“无词歌”反而为听众提供了更广阔的想象空间。它像是空白的画布，让每个人都可以根据自己的经历和心境，在其中描绘出属于自己的画面和故事。我在阅读过程中，脑海中就不断涌现出一些零散的画面，一些模糊的场景，这些都与我所理解的“无词”的音乐产生了一种奇妙的呼应。 书中的语言非常考究，但又不会显得过于艰涩。作者善于运用一些新颖的比喻，将抽象的音乐感受具象化。例如，他可能会将一段旋律比作“指尖拂过的丝绸”，或者将某个乐章的结束形容为“夕阳沉入海平面”。这些生动的描述，让我在阅读时，仿佛置身于一个充满感官体验的音乐世界。 总而言之，这本书给我带来了意想不到的启发。它让我意识到，“无词歌”不仅仅是一种音乐体裁，更是一种艺术表达的可能性，一种连接个体内心世界的独特方式。它没有给出具体的“答案”，而是鼓励我去探索，去感受，去发现音乐中那些超越语言的力量。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到《无词歌》这本书时，我的第一反应是它或许会是一本偏向于音乐美学的学术探讨，可能会充斥着大量我不太熟悉的术语和理论分析。然而，当我真正沉浸其中后，我发现它所呈现出的视角是如此的生动且富含人文关怀。 我被书中对“情感的不可言说性”的深刻洞察所吸引。作者并没有试图去“翻译”音乐，而是着力于探讨“无词歌”为何能够触及人类最核心的情感。他认为，正是因为缺乏具象的歌词，音乐才得以摆脱叙事的羁绊，直接与我们的潜意识对话，唤醒那些连我们自己都难以用言语表达的情绪。 书中对“想象的自由度”的讨论，更是让我耳目一新。作者提出，没有了歌词的明确指向，听众便拥有了最大限度的自由来构建属于自己的听觉体验。这就像是一场由音乐引领的梦境，每个人的梦境都是独一无二的。我常常在阅读时，脑海中就会自动联想到一些画面，一些过往的回忆，仿佛这些旋律就是为我量身定做的。 这本书的语言风格也是我非常欣赏的一点。它既有知识分子的严谨，又不失文学的诗意。作者巧妙地将抽象的音乐概念融入到富有画面感的叙述中，使得阅读的过程本身也像是在欣赏一首优美的乐章。他对于“节奏”和“停顿”的运用，在文字的组织上也体现得淋漓尽致，读起来有一种天然的韵律感。 我认为这本书最宝贵之处在于，它鼓励我们去“倾听”而不仅仅是“听”。它引导我们去关注音乐中的细微之处，去感受那些不易察觉的情感起伏，从而真正地与音乐建立起一种深层连接。它让我重新认识到，“无词歌”所蕴含的，是一种超越言语、直抵心灵的强大力量。

评分☆☆☆☆☆

初读这本书，我以为会是一本略显晦涩的理论专著，毕竟“无词歌”这个名字本身就带着几分学院派的气质。然而，当我深入其中，却被其流畅的文笔和别具一格的观察视角深深打动。作者并没有简单地罗列枯燥的概念，而是用一种近乎诗意的语言，描绘出“无词歌”在不同时代、不同文化背景下的生命力。 我尤其被书中对“情感的抽象化”的论述所吸引。作者认为，“无词歌”之所以能够触动人心，恰恰在于它剥离了具象的叙事，将纯粹的情感以一种更为纯粹、更为原始的方式呈现出来。它不告诉你发生了什么，而是让你直接去“感受”某种情绪——是喜悦的雀跃，是忧伤的低语，是宁静的沉思，还是激昂的澎湃。这种直接的情感冲击力，是带有歌词的歌曲所难以比拟的。 书中对不同作曲家作品的分析，也并非是枯燥的技术解析，而是充满了作者个人的解读和感悟。他会从一个乐句的起伏中看到人生的无常，从一个和弦的转换中体会情感的微妙变化。这种将音乐作品视为情感载体的解读方式，让我觉得非常亲切，也让我对那些原本只是“好听”的旋律有了更深的理解。 这本书的结构也很巧妙，它并非按照时间顺序或者风格流派来展开，而是围绕着“无词歌”所承载的某种普适性的情感主题来构建。每一个章节都像是一个独立的故事，又相互关联，共同勾勒出“无词歌”丰富多彩的内心世界。我常常会在读完一个章节后，停下来回味，脑海中自然而然地浮现出与之匹配的音乐片段。 我认为这本书最成功的地方在于，它成功地架起了一座桥梁，将专业的音乐理论与普通读者的情感体验连接起来。它让我意识到，即使不懂乐理，也能深刻地理解和欣赏“无词歌”的魅力。它鼓励我去主动地倾听，去感受音乐中的每一个细微之处，去发掘那些隐藏在旋律背后的无限情感。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是出乎我的意料，我原本以为“无词歌”会是一部纯粹的音乐理论著作，或者讲述某个著名作曲家鲜为人知的故事。结果翻开之后，我发现它所探讨的维度远比我最初的设想要宽广得多。作者并没有直接去分析乐谱或者普及音乐史，而是从一种非常独特的视角切入，将“无词歌”这一音乐体裁抽象出来，触及了更深层次的艺术表达和人类情感的共鸣。 我被书中对“寂静”的解读深深吸引。作者认为，音乐中的“无词”并非是空白，而是由无数种细微的“有声”组成，这些“有声”在乐句的间隙、在旋律的停顿中，在乐器本身发出的微弱声响里，构成了听觉之外的想象空间。这种对“缺失”的丰富性解读，让我开始重新审视我平时听音乐的习惯。以往我总是在寻找明确的旋律和结构，而现在我意识到，那些留白之处，那些转瞬即逝的“无”中，其实蕴含着更为精妙的情感起伏和意境营造。 这本书的写作风格也非常特别，它不像学术论文那样刻板，也不像文学作品那样充满虚构。它更像是一种哲学思考，一种对艺术感知力的深度挖掘。作者大量运用了隐喻和类比，将音乐的听觉体验与视觉、触觉甚至味觉联系起来，创造出一种跨越感官的阅读体验。例如，他用“流淌的色彩”来形容一段忧伤的旋律，用“指尖的微凉”来描绘某个段落的宁静，这些生动的描写让我仿佛能“触摸”到音乐。 我特别喜欢书中关于“记忆与音乐”的章节。作者提出，无词歌最强大的力量在于它能够唤醒我们内心深处最隐秘的记忆。没有歌词的束缚，音乐变得更加自由，能够根据听者的个人经历和情感状态，投射出不同的画面和故事。我在阅读过程中，脑海中不断闪现出一些久远的画面，一些早已被遗忘的情感片段，都被那些“无词”的旋律重新激活。这种沉浸式的体验，让我觉得这本书不仅仅是关于音乐，更是关于我们自己。 总而言之，这本书给了我一个全新的角度去理解和感受音乐，特别是那些纯粹的器乐作品。它鼓励我去倾听音乐的“潜台词”，去感受那些无法用言语描述的情感。阅读这本书的过程，就像是在进行一次内心的对话，一次与音乐、与自我的深度交流。它没有提供明确的答案，而是提出了一系列引人深思的问题，让我带着这些问题去探索音乐的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，“无词歌”这个书名一开始让我有点犹豫，担心它会是一本关于音乐史的枯燥读物，充斥着年份、人名和专业术语。但事实证明，我的顾虑完全是多余的，这本书的解读方式简直是太妙了。 作者并没有试图去“定义”什么，而是用一种非常随性的、充满发现感的笔触，探索“无词歌”的边界。我最被打动的是他对“共鸣”的阐述。他认为，一首好的“无词歌”，就像一面镜子，能够映照出听者内心最深处的情感。它不直接告诉你应该感受什么，而是创造一种氛围，让听者自然而然地沉浸其中，并从中找到属于自己的情感出口。 书中对“瞬间”的捕捉也让我印象深刻。作者会细致地分析乐曲中那些稍纵即逝的片段，那些转瞬即逝的和弦变化，并赋予它们深刻的意义。他认为，正是这些微小的“瞬间”，构成了“无词歌”生命力的源泉，也是它最能打动人心的地方。我读到某些段落时，会不自觉地联想到一些生活中的某个细微的触动，那种感觉非常奇妙。 这本书的写作风格非常独特，它不是线性叙事，而是像一首由许多短小的乐章组成的“曲子”，每个章节都独立成篇，又彼此呼应，共同形成一个完整而富有韵律的整体。这种结构本身就与“无词歌”的精神不谋而合。我特别喜欢其中对“留白”的运用，作者在文字的间隙，似乎也在留给读者思考和想象的空间。 这本书为我打开了一扇新的门，让我开始重新审视自己对音乐的理解。它让我明白，音乐的魅力并非只在于技巧的精湛或旋律的优美，更在于它所承载的、能够跨越时空和语言的情感力量。我强烈推荐给所有对音乐有感悟，但又不想被太多理论束缚的读者。