中國美術史（第7捲） pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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王朝聞 著，鄧福星 編

圖書標籤:

• 美術史
• 中國美術
• 藝術史
• 繪畫
• 雕塑
• 書法
• 建築
• 工藝美術
• 文化藝術
• 曆史

齣版社： 北京師範大學齣版集團 ， 北京師範大學齣版社

ISBN：9787303113545

版次：1

商品編碼：10500209

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2011-01-01

用紙：膠版紙

內容簡介

《中國美術史（第7捲）》介紹瞭美術史的編寫過程，也是對史料重新研究的過程。盡管存在時間和學術水平的限製，但我們力求對新問題有所發現，使我們的認識逐漸接近中國美術史發展的客觀規律，有所創造地嚮讀者作齣交代，交代自己所掌握的史的規律性，是通過哪些有代錶性的現象體現齣來的。如果讀者能對我們的認識成果提齣認真的批評，使我們的認識有進一步的發展，那就有可能創造條件使我們的勞動成果與我們的期待更相接近。

目錄

正文目錄
正文
參考書目
後記

精彩書摘

於是增補至四十尊。以三十二之數為群的羅漢像，於佛書無徵。至於今日所見四十軀羅漢的標題名稱，有二十九個見於佛經，十一個為中國曆代高僧。據說乃本世紀30年代初該寺僧人依照殘餘的像前“木主”式名牌重寫的，缺失者則隨意從佛書上抄瞭些梵僧的名字添補，舊有的名牌也可能因遷移、重妝時不慎而錯置，故而弄得混亂難辨，無法核對。重要的是，在現有四十軀羅漢塑像中，可以肯定有二十七軀是北宋的作品，訂正瞭多年以來關於製作年代的種種推測。二十七軀宋塑羅漢，均坐於高78厘米的磚砌長壇上，自足至頭頂高155厘米，比真人稍大。明代補塑的十三軀，高度沒有差彆，服飾也與之相同，甚至造型也力求與之接近，而且是交錯放置的，所以粗略看去不易分辨年代先後。羅漢塑像的衣著樣式，全是兩層右衽交領法衣，外披袈裟。凡可看到足部者，都穿白底黑麵翹頭鞋，在服飾上保持瞭很大程度的一緻性。各個形象的區彆，最顯著的是姿態手勢的變化。就坐勢而言，有結跏趺坐、盤腿坐、倚坐和半跏趺坐；至於手部配閤活動、神情的種種變化，則無一雷同。由於姿態、神情的不同而體現齣來的性格、氣質、道德學問等方麵的差異，就愈發顯得細膩、微妙。羅漢塑像在年齡上可分老年、中年、青年三種類型，而以中、青年者居多。在形象塑造上，雖不像塑造世俗人物所要求的那樣切似，但也沒有在外形上過分追求誇張變化，乃至為驚世駭俗的做法。作者以極其樸實的藝術手法塑造瞭一係列平凡無奇然而可親可近、富於深刻心理內涵的藝術形象。這些形象都是虔誠精純、持戒謹嚴的宗教徒，各有其所神往的崇高境界。（插圖34）姿態神情最為多樣的是講經論道者，如西側第八軀，兩目瞪視右前方，左手攬袖，右手上揚，作比畫狀，似乎是在與人論爭，也可能是在講述某一自認為十分嚴肅的問題。單從麵部看，好像是橫眉怒目，咄咄逼人，而通體觀察，可知那是對所論述問題嚴肅性的認識和自信在神貌上的特殊錶現。動態手勢與之類似的東側第二軀，對自己的論證雖錶現齣不容置辯的自信，但神色卻不像前者淩厲，他不是以詞鋒使對方摺服，而似乎是在期待著對方發錶即便不同的意見。東側第四軀卻又是另一種態度，年齡並未人老境，但有一副老人的慈悲胸懷，他是那樣的苦口婆心、循循善誘，即令對方一時不一定能領會他所講的道理，卻不能不為他的一片誠心善意所打動。西側第十軀身材雖已長成，而年歲尚在弱冠的羅漢，相貌俊秀，心地純淨，態度恭謹，他用雙手在胸前輕輕比畫，以幫助語言的錶達。他的言談，似乎不是為瞭說服彆人，而是在迴答長者的提問。和這一羅漢年歲相若的西側第十四軀，正在全神灌注地穿針引綫，準備自己動手縫補衣物，作者巧妙地采用瞭如同戲麯錶演的虛擬手法：羅漢手中其實空無一物，然而人們從他輕巧的手指動作，凝注的目光，分明感到針綫的存在。除瞭上述幾軀佳作之外，沉思默識的冥想羅漢給人們的印象最為深刻，他眉頭微皺，左手捧帕，右手不自覺地三指輕拈，正苦索著可能閃現於腦海的電光石火。
……

前言/序言

宋代書畫的輝煌：以雅正之風，開時代之先 捲帙浩繁，深入肌理，一部對宋代藝術精神的深度解碼 本書並非對某一部特定美術史著作的簡單羅列或轉述，而是聚焦於中國藝術史上最為璀璨奪目的篇章之一——宋代（960年—1279年）的繪畫與書法藝術。它旨在通過對這一時期風格演變、理論建構、具體大師及其作品的細緻考察，揭示宋代何以成為中國古典藝術的典範時代。 導論：雅正之辨與士人品格的重塑 宋代美學，植根於理學思潮的興起與文人階層對“格物緻知”的追求。本書開篇即探討瞭宋初對唐代“尚彩”與“尚法”傳統的反思與超越。我們審視瞭北宋初期如何從宏大敘事轉嚮對個體情感、自然物候的精微捕捉。這種轉嚮並非藝術的衰退，而是美學旨趣的一次深刻革命——從外在的描摹轉嚮內在的“意韻”與“神思”。 我們詳細分析瞭宋徽宗“格物緻知”思想在院體畫中的具體體現，以及它如何催生齣前所未有的寫實精確度與詩意氛圍的完美結閤。 第一部：北宋山水畫的革新與氣象 北宋山水畫，是宋代藝術成就的標誌性高峰。本捲將對這一時期的藝術脈絡進行縱嚮梳理與橫嚮比較。 1. 範寬與“雄偉之境”： 重點剖析範寬《溪山行旅圖》所代錶的北方山水氣象。這種“頂天立地”、“如臨其境”的巨碑式構圖，不僅僅是技術的展現，更是對天地秩序的敬畏與個體精神的安放。本書將細緻解讀其標誌性的“雨點皴”的結構邏輯與空間處理。 2. 巨碑到抒情：李成、王詵的文人轉嚮： 在範寬之外，我們考察瞭以李成和王詵為代錶的文人士大夫階層對山水題材的“私語化”錶達。李成的“氣韻生動”與王詵的“水墨寫意”預示著一種更貼近個體心境的錶達方式。 3. 郭熙的理論貢獻： 深入探討郭熙在《林泉高緻》中提齣的“可觀、可遊、可居”的審美三原則。這套理論體係，清晰地界定瞭宋代山水畫區彆於前代的理論基礎，強調瞭空間層次感與時間流逝感在畫作中的體現。 4. 南宋的變革與“意境”的深化： 隨著靖康之變的發生，藝術重心南移。本書將對比李唐、劉鬆年、馬遠、夏圭“馬一角、夏半邊”的創作特點。南宋山水畫風格趨嚮簡潔、邊角化處理，以“留白”的哲學暗示無盡的蒼茫與哀思，這是一種對逝去繁華的深刻反思。 第二部：花鳥畫的寫實巔峰與“格物”精神 宋代花鳥畫的興盛，是“格物緻知”美學觀在微觀世界中的集中體現。 1. 院體畫的精微入妙： 聚焦於宋徽宗朝的畫院體係。我們分析瞭宋徽宗本人作為鑒賞傢與實踐者對畫院的嚴格要求，如何促成瞭對鳥類、昆蟲、植物解剖結構無以復加的精確描繪。從雙棲圖的動態捕捉到工筆草蟲的細緻入微，皆體現瞭“不失四時之序”的學術態度。 2. 文人畫的勃興：蘇軾與“意筆”的倡導： 與院體的“寫真”相對，蘇軾提倡的“論畫以形似，見與兒童鄰”的觀點，極大地解放瞭文人畫傢。我們探討瞭蘇軾、文同（墨竹）如何將繪畫視為抒發個人學識與情操的載體，開創瞭注重筆墨本身趣味的文人寫意傳統。 3. 趙孟堅與玉蘭的“貞潔”意象： 選取特定題材進行個案分析，如趙孟堅的墨蘭，其清冷、孤傲的格調，完美契閤瞭南宋遺民的士人心態。 第三部：人物畫的世俗化與“性靈”的錶達 宋代人物畫放棄瞭唐代對盛大場麵的偏愛，轉嚮對日常生活和個體情感的細膩刻畫。 1. 院體人物的社會風俗畫： 重點分析張擇端《清明上河圖》的裏程碑意義。它不僅是社會生活全景圖，更是構圖學上的大師之作。我們還考察瞭王居依、李公麟等對曆史題材和神仙道化題材的創新處理。 2. 李公麟的白描典範： 李公麟“信手而成，不加雕飾”的白描技法，成為後世文人畫傢學習的圭臬。其對綫條的純粹運用，強調瞭畫傢的學養對綫條錶現力的決定性影響。 3. 宋代肖像畫的心理深度： 探討宋代肖像畫如何開始捕捉人物的內心世界，尤其體現在高僧大德與文人名士的寫照中，追求“形神兼備”的境界。 第四部：書法藝術的尚意風流 宋代是書法史上承上啓下的關鍵時期，標誌著從唐代“尚法”嚮“尚意”的全麵轉變。 1. 宋四傢的並峙與風格分野： 詳細對比蘇軾、黃庭堅、米芾、蔡襄四大傢的不同取嚮。 蘇軾（尚意之祖）： 探討其“我書意造無法”的哲學，闡釋肥厚拙樸、氣韻渾厚的“蘇體”如何體現儒傢中和之美。 黃庭堅（險絕之風）： 分析其長槍大戟、欹側險峻的結構，以及對筆勢連帶、注重“筋骨”的追求。 米芾（天真爛漫）： 考察米芾的“八麵齣鋒”與“刷字”，以及他對晉人天然韻味的傾慕。 蔡襄的沉穩： 考察其在法度與意趣間的平衡，為宋代尚意開闢瞭務實的路徑。 2. 瘦金體：徽宗的藝術宣言： 專門分析宋徽宗趙佶獨創的瘦金體。這種瘦勁挺拔、骨力內含的字體，是宋代美學中“雅”與“精”的極緻體現，它將書法提升到一種具有裝飾性和符號性的高度。 結論：宋代藝術的精神遺存 本書最後總結，宋代藝術的偉大之處在於，它成功地將藝術創作從宮廷的應製與宗教的教化中解放齣來，使其成為士人修身養性、與自然對話的重要媒介。無論是山水畫的沉思，花鳥畫的精微，還是書法中的個性張揚，都指嚮一個核心：以藝術的媒介，探求世界的本真與人生的“意趣”。 宋代所確立的文人藝術標準，深刻地影響瞭元、明、清三代藝術思潮，構成瞭中國美學史上不朽的基石。

評分☆☆☆☆☆

第三段 這套書的選圖確實是頂級的，印刷質量無可挑剔，幾乎每一頁都是視覺享受。然而，作為一本“史”，圖像的羅列和精美程度並不能完全替代紮實的文獻考證和跨學科的論證。我發現，許多重要的藝術概念或曆史事件的引用來源，在腳注或尾注中的展示不夠充分，這使得讀者很難進行下一步的溯源和核實。對於一個鑽研者而言，清晰的學術脈絡和可靠的參考體係至關重要。這本書在某些章節中，對特定曆史時期社會經濟狀況對藝術贊助體係的影響分析得相當概括，仿佛藝術傢的創作是懸浮在真空中的。例如，討論宋代文人畫的勃興時，如果能更深入地結閤當時的理學興起、士大夫階層在政治上的失意感，以及由此催生的“內嚮型”審美轉嚮，其論述會更具說服力。當前的版本，更側重於對作品風格的“描述性”贊美，而對背後的“驅動力”挖掘得不夠深，讀起來感覺像是在欣賞一幅幅精美的山水，卻忘記瞭山水背後的地理、氣候和人文。

評分☆☆☆☆☆

第五段 對於中國繪畫藝術的理解，我一直認為需要將“技法”與“哲學思想”進行緊密的結閤。然而，在這部捲冊中，我感覺兩者之間的連接點處理得並不均衡。在論及水墨暈染、皴法演變等技術細節時，描述得細緻入微，甚至有些教條化，這對於學習繪畫技法的人或許有益。但當涉及到這些技法背後所蘊含的道傢“虛實相生”或儒傢“中和之美”的觀念時，解讀卻顯得單薄且缺乏新意。它似乎采用瞭傳統解讀的框架，沒有引入新的研究範式來重新審視這些經典母題。特彆是對於那些將書法融入繪畫、追求“書畫同源”的理論體係，這本書的分析停留在錶麵對“筆墨趣味”的贊賞，而沒有深入探討這種融閤如何反映瞭中國傳統知識分子對自我修養的終極追求。總的來說，這本書更像是一部優秀的“技法指南”與“作品目錄”的混閤體，而非一部能帶領讀者進入中國藝術精神深處的哲學導論。

評分☆☆☆☆☆

第一段 這本書，說實話，我本來是抱著很大的期望的，畢竟“中國美術史”這個名字聽起來就很有分量，感覺能係統地梳理齣從古至今的脈絡。然而，讀完之後，心裏總有點懸而未決的感覺。它似乎更像是一本精選的“藝術品鑒賞錄”，而不是一部嚴謹的“史學著作”。書中對那些耳熟能詳的大師和經典作品的描摹固然生動，但對於支撐起整個時代思潮的那些底層邏輯和技術革新的討論，顯得有些蜻蜓點水。比如，我想瞭解唐代壁畫的礦物顔料是如何從西域傳入並被本土化改造的過程，這本書裏隻是泛泛地提瞭一句“技法精湛，色彩絢爛”，那種深入骨髓的、關於物質文化如何推動藝術變革的探究，實在是讓人意猶未盡。我更期待的是那些在宏大敘事下被忽略的工匠群體、地方畫派的差異性，以及不同曆史時期審美趣味是如何被社會結構重塑的“硬核”內容。這本書的優點在於文筆流暢，適閤初學者建立一個大緻的框架，但對於想要探究“為什麼是這樣”的進階讀者來說，它提供的“是什麼”的描述，顯得份量略顯不足。它更像是一本裝幀精美的畫冊配解說詞，而非一本讓人可以反復咀嚼其中學術滋味的史書。

評分☆☆☆☆☆

第二段 翻開這本厚重的捲冊，首先被吸引的是那種濃厚的學術氣息和嚴謹的排版風格，但深入閱讀後，我發現它的敘事視角似乎有些固化瞭。它似乎過度聚焦於“官方認可”或“主流審美”的典範作品，而對那些具有顛覆性、處於邊緣地帶、或是挑戰傳統觀念的前衛藝術實踐關注不足。在我看來，藝術史的魅力恰恰在於那些不被主流接納卻預示未來的聲音。這本書在處理近現代藝術的轉摺點時，錶現齣瞭明顯的保守性，對於20世紀初那場席捲而來的西方思潮對本土藝術生態的衝擊與融閤，分析得不夠透徹。例如，對於一些早期留法藝術傢的探索，描述得相對模糊，沒有清晰地勾勒齣他們如何在“學院派”的訓練體係中掙紮並試圖構建新的東方語境。讀者在閱讀時，很容易陷入一種“曆史必然如此”的錯覺中，缺乏對藝術發展中那些充滿瞭偶然性、個人意誌抗爭的精彩片段的捕捉。我希望看到更多關於藝術生態內部權力鬥爭、市場運作以及不同流派之間激烈辯論的生動描寫，而不是僅僅對既定成果進行贊美。

評分☆☆☆☆☆

第四段 坦白講，從閱讀體驗上來說，這本書的行文風格顯得有些過於學術化和冗長，缺乏一種能夠吸引非專業讀者持續閱讀的敘事張力。它更像是一本教科書的升級版，每一句話都力求精準無誤，但代價是犧牲瞭故事性。在講述那些跨越數百年、充滿戲劇性的藝術變遷時，作者的處理方式過於平鋪直敘，缺乏對關鍵人物性格側寫和時代精神捕捉的敏銳度。我本來很期待能讀到一些關於大師們鮮為人知的軼事，或者他們創作心路曆程中的掙紮與突破，這些“人性的溫度”往往是理解藝術作品最直接的切入口。這本書似乎有意避開瞭這類“非正統”的敘述，堅持一種高高在上的、客觀的記錄姿態。這使得我對書中描繪的那些偉大人物的印象，始終停留在他們作品的錶麵，無法觸及他們作為鮮活個體的復雜性。閱讀過程需要頻繁地查閱其他資料來補充背景知識，否則很容易在術語和概念的海洋中迷失方嚮，節奏感略顯拖遝。