中国美术史（第7卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王朝闻 著，邓福星 编

图书标签:

• 美术史
• 中国美术
• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 书法
• 建筑
• 工艺美术
• 文化艺术
• 历史

出版社： 北京师范大学出版集团 ， 北京师范大学出版社

ISBN：9787303113545

版次：1

商品编码：10500209

包装：平装

开本：16开

出版时间：2011-01-01

用纸：胶版纸

内容简介

《中国美术史（第7卷）》介绍了美术史的编写过程，也是对史料重新研究的过程。尽管存在时间和学术水平的限制，但我们力求对新问题有所发现，使我们的认识逐渐接近中国美术史发展的客观规律，有所创造地向读者作出交代，交代自己所掌握的史的规律性，是通过哪些有代表性的现象体现出来的。如果读者能对我们的认识成果提出认真的批评，使我们的认识有进一步的发展，那就有可能创造条件使我们的劳动成果与我们的期待更相接近。

目录

正文目录
正文
参考书目
后记

精彩书摘

于是增补至四十尊。以三十二之数为群的罗汉像，于佛书无征。至于今日所见四十躯罗汉的标题名称，有二十九个见于佛经，十一个为中国历代高僧。据说乃本世纪30年代初该寺僧人依照残余的像前“木主”式名牌重写的，缺失者则随意从佛书上抄了些梵僧的名字添补，旧有的名牌也可能因迁移、重妆时不慎而错置，故而弄得混乱难辨，无法核对。重要的是，在现有四十躯罗汉塑像中，可以肯定有二十七躯是北宋的作品，订正了多年以来关于制作年代的种种推测。二十七躯宋塑罗汉，均坐于高78厘米的砖砌长坛上，自足至头顶高155厘米，比真人稍大。明代补塑的十三躯，高度没有差别，服饰也与之相同，甚至造型也力求与之接近，而且是交错放置的，所以粗略看去不易分辨年代先后。罗汉塑像的衣着样式，全是两层右衽交领法衣，外披袈裟。凡可看到足部者，都穿白底黑面翘头鞋，在服饰上保持了很大程度的一致性。各个形象的区别，最显著的是姿态手势的变化。就坐势而言，有结跏趺坐、盘腿坐、倚坐和半跏趺坐；至于手部配合活动、神情的种种变化，则无一雷同。由于姿态、神情的不同而体现出来的性格、气质、道德学问等方面的差异，就愈发显得细腻、微妙。罗汉塑像在年龄上可分老年、中年、青年三种类型，而以中、青年者居多。在形象塑造上，虽不像塑造世俗人物所要求的那样切似，但也没有在外形上过分追求夸张变化，乃至为惊世骇俗的做法。作者以极其朴实的艺术手法塑造了一系列平凡无奇然而可亲可近、富于深刻心理内涵的艺术形象。这些形象都是虔诚精纯、持戒谨严的宗教徒，各有其所神往的崇高境界。（插图34）姿态神情最为多样的是讲经论道者，如西侧第八躯，两目瞪视右前方，左手揽袖，右手上扬，作比画状，似乎是在与人论争，也可能是在讲述某一自认为十分严肃的问题。单从面部看，好像是横眉怒目，咄咄逼人，而通体观察，可知那是对所论述问题严肃性的认识和自信在神貌上的特殊表现。动态手势与之类似的东侧第二躯，对自己的论证虽表现出不容置辩的自信，但神色却不像前者凌厉，他不是以词锋使对方折服，而似乎是在期待着对方发表即便不同的意见。东侧第四躯却又是另一种态度，年龄并未人老境，但有一副老人的慈悲胸怀，他是那样的苦口婆心、循循善诱，即令对方一时不一定能领会他所讲的道理，却不能不为他的一片诚心善意所打动。西侧第十躯身材虽已长成，而年岁尚在弱冠的罗汉，相貌俊秀，心地纯净，态度恭谨，他用双手在胸前轻轻比画，以帮助语言的表达。他的言谈，似乎不是为了说服别人，而是在回答长者的提问。和这一罗汉年岁相若的西侧第十四躯，正在全神灌注地穿针引线，准备自己动手缝补衣物，作者巧妙地采用了如同戏曲表演的虚拟手法：罗汉手中其实空无一物，然而人们从他轻巧的手指动作，凝注的目光，分明感到针线的存在。除了上述几躯佳作之外，沉思默识的冥想罗汉给人们的印象最为深刻，他眉头微皱，左手捧帕，右手不自觉地三指轻拈，正苦索着可能闪现于脑海的电光石火。
……

前言/序言

宋代书画的辉煌：以雅正之风，开时代之先 卷帙浩繁，深入肌理，一部对宋代艺术精神的深度解码 本书并非对某一部特定美术史著作的简单罗列或转述，而是聚焦于中国艺术史上最为璀璨夺目的篇章之一——宋代（960年—1279年）的绘画与书法艺术。它旨在通过对这一时期风格演变、理论建构、具体大师及其作品的细致考察，揭示宋代何以成为中国古典艺术的典范时代。 导论：雅正之辨与士人品格的重塑 宋代美学，植根于理学思潮的兴起与文人阶层对“格物致知”的追求。本书开篇即探讨了宋初对唐代“尚彩”与“尚法”传统的反思与超越。我们审视了北宋初期如何从宏大叙事转向对个体情感、自然物候的精微捕捉。这种转向并非艺术的衰退，而是美学旨趣的一次深刻革命——从外在的描摹转向内在的“意韵”与“神思”。 我们详细分析了宋徽宗“格物致知”思想在院体画中的具体体现，以及它如何催生出前所未有的写实精确度与诗意氛围的完美结合。 第一部：北宋山水画的革新与气象 北宋山水画，是宋代艺术成就的标志性高峰。本卷将对这一时期的艺术脉络进行纵向梳理与横向比较。 1. 范宽与“雄伟之境”： 重点剖析范宽《溪山行旅图》所代表的北方山水气象。这种“顶天立地”、“如临其境”的巨碑式构图，不仅仅是技术的展现，更是对天地秩序的敬畏与个体精神的安放。本书将细致解读其标志性的“雨点皴”的结构逻辑与空间处理。 2. 巨碑到抒情：李成、王诜的文人转向： 在范宽之外，我们考察了以李成和王诜为代表的文人士大夫阶层对山水题材的“私语化”表达。李成的“气韵生动”与王诜的“水墨写意”预示着一种更贴近个体心境的表达方式。 3. 郭熙的理论贡献： 深入探讨郭熙在《林泉高致》中提出的“可观、可游、可居”的审美三原则。这套理论体系，清晰地界定了宋代山水画区别于前代的理论基础，强调了空间层次感与时间流逝感在画作中的体现。 4. 南宋的变革与“意境”的深化： 随着靖康之变的发生，艺术重心南移。本书将对比李唐、刘松年、马远、夏圭“马一角、夏半边”的创作特点。南宋山水画风格趋向简洁、边角化处理，以“留白”的哲学暗示无尽的苍茫与哀思，这是一种对逝去繁华的深刻反思。 第二部：花鸟画的写实巅峰与“格物”精神 宋代花鸟画的兴盛，是“格物致知”美学观在微观世界中的集中体现。 1. 院体画的精微入妙： 聚焦于宋徽宗朝的画院体系。我们分析了宋徽宗本人作为鉴赏家与实践者对画院的严格要求，如何促成了对鸟类、昆虫、植物解剖结构无以复加的精确描绘。从双栖图的动态捕捉到工笔草虫的细致入微，皆体现了“不失四时之序”的学术态度。 2. 文人画的勃兴：苏轼与“意笔”的倡导： 与院体的“写真”相对，苏轼提倡的“论画以形似，见与儿童邻”的观点，极大地解放了文人画家。我们探讨了苏轼、文同（墨竹）如何将绘画视为抒发个人学识与情操的载体，开创了注重笔墨本身趣味的文人写意传统。 3. 赵孟坚与玉兰的“贞洁”意象： 选取特定题材进行个案分析，如赵孟坚的墨兰，其清冷、孤傲的格调，完美契合了南宋遗民的士人心态。 第三部：人物画的世俗化与“性灵”的表达 宋代人物画放弃了唐代对盛大场面的偏爱，转向对日常生活和个体情感的细腻刻画。 1. 院体人物的社会风俗画： 重点分析张择端《清明上河图》的里程碑意义。它不仅是社会生活全景图，更是构图学上的大师之作。我们还考察了王居依、李公麟等对历史题材和神仙道化题材的创新处理。 2. 李公麟的白描典范： 李公麟“信手而成，不加雕饰”的白描技法，成为后世文人画家学习的圭臬。其对线条的纯粹运用，强调了画家的学养对线条表现力的决定性影响。 3. 宋代肖像画的心理深度： 探讨宋代肖像画如何开始捕捉人物的内心世界，尤其体现在高僧大德与文人名士的写照中，追求“形神兼备”的境界。 第四部：书法艺术的尚意风流 宋代是书法史上承上启下的关键时期，标志着从唐代“尚法”向“尚意”的全面转变。 1. 宋四家的并峙与风格分野： 详细对比苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄四大家的不同取向。 苏轼（尚意之祖）： 探讨其“我书意造无法”的哲学，阐释肥厚拙朴、气韵浑厚的“苏体”如何体现儒家中和之美。 黄庭坚（险绝之风）： 分析其长枪大戟、欹侧险峻的结构，以及对笔势连带、注重“筋骨”的追求。 米芾（天真烂漫）： 考察米芾的“八面出锋”与“刷字”，以及他对晋人天然韵味的倾慕。 蔡襄的沉稳： 考察其在法度与意趣间的平衡，为宋代尚意开辟了务实的路径。 2. 瘦金体：徽宗的艺术宣言： 专门分析宋徽宗赵佶独创的瘦金体。这种瘦劲挺拔、骨力内含的字体，是宋代美学中“雅”与“精”的极致体现，它将书法提升到一种具有装饰性和符号性的高度。 结论：宋代艺术的精神遗存 本书最后总结，宋代艺术的伟大之处在于，它成功地将艺术创作从宫廷的应制与宗教的教化中解放出来，使其成为士人修身养性、与自然对话的重要媒介。无论是山水画的沉思，花鸟画的精微，还是书法中的个性张扬，都指向一个核心：以艺术的媒介，探求世界的本真与人生的“意趣”。 宋代所确立的文人艺术标准，深刻地影响了元、明、清三代艺术思潮，构成了中国美学史上不朽的基石。

评分☆☆☆☆☆

第四段 坦白讲，从阅读体验上来说，这本书的行文风格显得有些过于学术化和冗长，缺乏一种能够吸引非专业读者持续阅读的叙事张力。它更像是一本教科书的升级版，每一句话都力求精准无误，但代价是牺牲了故事性。在讲述那些跨越数百年、充满戏剧性的艺术变迁时，作者的处理方式过于平铺直叙，缺乏对关键人物性格侧写和时代精神捕捉的敏锐度。我本来很期待能读到一些关于大师们鲜为人知的轶事，或者他们创作心路历程中的挣扎与突破，这些“人性的温度”往往是理解艺术作品最直接的切入口。这本书似乎有意避开了这类“非正统”的叙述，坚持一种高高在上的、客观的记录姿态。这使得我对书中描绘的那些伟大人物的印象，始终停留在他们作品的表面，无法触及他们作为鲜活个体的复杂性。阅读过程需要频繁地查阅其他资料来补充背景知识，否则很容易在术语和概念的海洋中迷失方向，节奏感略显拖沓。

评分☆☆☆☆☆

第三段 这套书的选图确实是顶级的，印刷质量无可挑剔，几乎每一页都是视觉享受。然而，作为一本“史”，图像的罗列和精美程度并不能完全替代扎实的文献考证和跨学科的论证。我发现，许多重要的艺术概念或历史事件的引用来源，在脚注或尾注中的展示不够充分，这使得读者很难进行下一步的溯源和核实。对于一个钻研者而言，清晰的学术脉络和可靠的参考体系至关重要。这本书在某些章节中，对特定历史时期社会经济状况对艺术赞助体系的影响分析得相当概括，仿佛艺术家的创作是悬浮在真空中的。例如，讨论宋代文人画的勃兴时，如果能更深入地结合当时的理学兴起、士大夫阶层在政治上的失意感，以及由此催生的“内向型”审美转向，其论述会更具说服力。当前的版本，更侧重于对作品风格的“描述性”赞美，而对背后的“驱动力”挖掘得不够深，读起来感觉像是在欣赏一幅幅精美的山水，却忘记了山水背后的地理、气候和人文。

评分☆☆☆☆☆

第五段 对于中国绘画艺术的理解，我一直认为需要将“技法”与“哲学思想”进行紧密的结合。然而，在这部卷册中，我感觉两者之间的连接点处理得并不均衡。在论及水墨晕染、皴法演变等技术细节时，描述得细致入微，甚至有些教条化，这对于学习绘画技法的人或许有益。但当涉及到这些技法背后所蕴含的道家“虚实相生”或儒家“中和之美”的观念时，解读却显得单薄且缺乏新意。它似乎采用了传统解读的框架，没有引入新的研究范式来重新审视这些经典母题。特别是对于那些将书法融入绘画、追求“书画同源”的理论体系，这本书的分析停留在表面对“笔墨趣味”的赞赏，而没有深入探讨这种融合如何反映了中国传统知识分子对自我修养的终极追求。总的来说，这本书更像是一部优秀的“技法指南”与“作品目录”的混合体，而非一部能带领读者进入中国艺术精神深处的哲学导论。

评分☆☆☆☆☆

第二段 翻开这本厚重的卷册，首先被吸引的是那种浓厚的学术气息和严谨的排版风格，但深入阅读后，我发现它的叙事视角似乎有些固化了。它似乎过度聚焦于“官方认可”或“主流审美”的典范作品，而对那些具有颠覆性、处于边缘地带、或是挑战传统观念的前卫艺术实践关注不足。在我看来，艺术史的魅力恰恰在于那些不被主流接纳却预示未来的声音。这本书在处理近现代艺术的转折点时，表现出了明显的保守性，对于20世纪初那场席卷而来的西方思潮对本土艺术生态的冲击与融合，分析得不够透彻。例如，对于一些早期留法艺术家的探索，描述得相对模糊，没有清晰地勾勒出他们如何在“学院派”的训练体系中挣扎并试图构建新的东方语境。读者在阅读时，很容易陷入一种“历史必然如此”的错觉中，缺乏对艺术发展中那些充满了偶然性、个人意志抗争的精彩片段的捕捉。我希望看到更多关于艺术生态内部权力斗争、市场运作以及不同流派之间激烈辩论的生动描写，而不是仅仅对既定成果进行赞美。

评分☆☆☆☆☆

第一段 这本书，说实话，我本来是抱着很大的期望的，毕竟“中国美术史”这个名字听起来就很有分量，感觉能系统地梳理出从古至今的脉络。然而，读完之后，心里总有点悬而未决的感觉。它似乎更像是一本精选的“艺术品鉴赏录”，而不是一部严谨的“史学著作”。书中对那些耳熟能详的大师和经典作品的描摹固然生动，但对于支撑起整个时代思潮的那些底层逻辑和技术革新的讨论，显得有些蜻蜓点水。比如，我想了解唐代壁画的矿物颜料是如何从西域传入并被本土化改造的过程，这本书里只是泛泛地提了一句“技法精湛，色彩绚烂”，那种深入骨髓的、关于物质文化如何推动艺术变革的探究，实在是让人意犹未尽。我更期待的是那些在宏大叙事下被忽略的工匠群体、地方画派的差异性，以及不同历史时期审美趣味是如何被社会结构重塑的“硬核”内容。这本书的优点在于文笔流畅，适合初学者建立一个大致的框架，但对于想要探究“为什么是这样”的进阶读者来说，它提供的“是什么”的描述，显得份量略显不足。它更像是一本装帧精美的画册配解说词，而非一本让人可以反复咀嚼其中学术滋味的史书。