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孙振华 著

图书标签:

• 中国雕塑
• 雕塑史
• 艺术史
• 美术史
• 中国艺术
• 雕塑艺术
• 历史
• 文化
• 艺术
• 中国文化

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787810193665

版次：1

商品编码：10605124

包装：平装

出版时间：1999-04-01

用纸：胶版纸

页数：167

字数：120000

内容简介

中国雕塑史的资料来源主要有两个方面：一是实物资料，即历史上遗留下来的雕塑作品：二是文献资料，即历史典籍中关于雕塑家、雕塑活动、雕塑作品的记载和评论以及古人关于雕塑的理论思考。两相比较，古人为我们留下了大量的雕塑作品，却没有留下系统的雕塑史论的专著，使得中国雕塑史的文献资料严重不足。现有的文献资料只是零星地散布在各种典籍中，与中国绘画史所拥有的汗牛充栋的画论、画史根本无法相比。由于文献资料的缺乏，致使历史紫色 大部分雕塑家的名字和生平事迹都已被淹没了。
对于中国雕塑史来说，实务不仅是基本史料的来源，同时还是我们把握古人的雕塑观念的一条重要途径。中国 雕塑史的学习和研究不是为了“摅怀旧之蓄念，发思古之幽情”，它可以使我们在认识、总结古代雕塑遗产的基础上，推动当代雕塑艺术的发展，特别是当今，西方雕塑体系及其观念在雕塑的创作、批评方面占主导地位，加强对传统的中国雕塑史的学习和研究，总结它兴衰荣枯的发展规律，继承发扬民族的雕塑传统，显得尤为重要。

作者简介

孙振华 中国美术家协会会员，中国美术学院博士，先后在文学、美学、美术史论专业学习，曾任华中师范大学中文系助教、中国美术学院美术史论系讲师、副教授。现任职于深圳雕塑院。专著有：《生命·神祗·时空——雕塑文化论》、《开启灵慧之窗》。发表文学、美学、美术史论方面的论文数十篇。

内页插图

目录

绪论
第一章 中国雕塑的基本类型
第一节 宗教雕塑
第二节 明器雕塑
第三节 陵墓雕塑
第四节 纪念性雕塑
第五节 建筑装饰雕塑
第六节 工艺性雕塑

第二章 先秦雕塑
第一节 原始雕塑
第二节 商周雕塑
本章小结

第三章 秦汉雕塑
第一节 纪念性雕塑
第二节 明器雕塑
第三节 陵墓雕塑
第四节 建筑装饰雕塑
第五节 工艺性雕塑
本章小结

第四章 魏晋南北朝雕塑
第一节 佛教雕塑
第二节 陵墓雕塑
第三节 明器雕塑
第四节 魏晋南北朝时期的雕塑家
本章小结

第五章 隋唐雕塑
第一节 佛教雕塑
第二节 陵墓雕塑
第三节 明器雕塑
第四节 纪念性雕塑
第五节 隋唐时期的雕塑家
本章小结

第六章 五代宋辽金雕塑
第一节 佛教雕塑
第二节 纪念性雕塑
第三节 陵墓雕塑
第四节 明器雕塑
第五节 工艺性雕塑
第六节 五代宋辽金时期的雕塑家
本章小结

第七章 元明清雕塑
第一节 宗教雕塑
第二节 陵墓雕塑
第三节 明器雕塑
第四节 建筑装饰雕塑
第五节 工艺性雕塑
第六节 元明清时期的雕塑家
本章小结

第八章 全书结语
第一节 中国雕塑的基本特征
第二节 中国雕塑风格的演变与民族的文化精神
附录
中国雕塑史参考书目
图版

前言/序言

好的，以下是一份关于《中国古代建筑艺术》的详细图书简介，该书内容与《中国雕塑史》无关： --- 《中国古代建筑艺术》 —— 凝固的史诗，流动的哲学 导言：一方水土，一座殿堂 建筑，是人类文明在特定时空背景下的物质载体，是遮蔽风雨的实用结构，更是精神信仰、社会结构与审美情趣的凝固表达。在中国，这一艺术形式发展出了一套独步世界的体系，它不仅映照了数千年的礼制更迭、技术革新与哲学思辨，更以其独特的空间布局、精妙的结构逻辑和丰富的装饰语言，构筑了一个宏大而细腻的视觉世界。 本书《中国古代建筑艺术》并非对建筑史的简单编年梳理，而是试图穿透砖瓦的表象，深入探究中国古代建筑作为一门综合性艺术的内在逻辑与文化意蕴。我们将从“天人合一”的宇宙观出发，层层剥离，直至剖析一梁一柱背后的匠心与智慧。 第一部分：哲思的基石——宇宙观与规划思想 中国古代建筑的首要特征在于其深厚的哲学根基。本部分将重点阐述影响中国建筑布局与形制的两大核心思想体系： 一、礼制与秩序的构建： 都城规划的礼制化： 剖析以《周礼·考工记》为蓝本的都城营建原则——中轴对称、前朝后市、严谨的里坊制度。重点解析长安、洛阳、北京等都城在功能分区、尺度确定上如何体现皇权至上与等级森严的社会秩序。 单体建筑的等级象征： 探讨屋顶形式（庑殿、歇山、悬山、硬山）和斗栱、台基高低的严格对应关系，如何将社会身份转化为空间语言。 二、天人合一的哲学意境： 风水理论的实践： 探讨古代择址、定向的“堪舆”思想，并非迷信，而是古代生态学与环境心理学的结合。分析如何通过建筑的朝向、水系布局，实现人居环境与自然气场的和谐共存。 院落的“内向性”与“宇宙缩影”： 深入解读中国建筑以院落为基本单元的组织方式。院落不仅是采光通风的需要，更是“天圆地方”思想在有限空间内的微缩表达，是家族生活、社会伦理的容器。 第二部分：结构的精妙——木构体系的科学与艺术 中国古代建筑的灵魂在于其独特的木构架体系。本部分将摒弃枯燥的技术罗列，专注于展现这一结构体系的内在美学价值与高度的工程智慧。 一、榫卯的艺术：以柔克刚的力学哲学 详细解析斗栱系统的演变及其在抗震中的作用。阐述榫卯连接如何以“柔性节点”替代刚性连接，使得整个木构架在地震等外力作用下，能够通过自身的位移与变形来消解能量，展现出惊人的韧性。 剖析梁架的层级关系——由“抬梁式”到“穿斗式”的地域差异，及其对空间开敞度的影响。 二、屋顶的造型与表现力： 屋顶是中国建筑最富有个性的部分。本书将详细区分不同屋顶的坡度、出檐深度与吻兽装饰，分析其如何服务于采光、排水需求，并最终升华为磅礴的气势。 重点探讨“飞檐翘角”的力学原理与视觉效果的统一性，理解这种向上延伸的姿态如何打破沉重感，赋予建筑轻盈灵动的生命力。 第三部分：地域的变奏——多元并存的建筑谱系 中国地域广阔，气候、材料、民俗的差异造就了风格迥异的建筑流派。本书将精选几个典型范例进行深度解析： 一、皇家气象：紫禁城的宏大叙事 以北京故宫为核心案例，分析其如何将等级制度、礼仪功能与建筑尺度完美融合。探讨内廷与外朝在空间处理上的区别，以及色彩运用（黄、红、白）的象征意义。 二、文人意境：江南园林的诗意栖居 集中探讨苏州、扬州等地的私家园林。分析其“移步换景”、“曲径通幽”的造园手法，以及如何利用叠山理水、花窗漏景，将自然引入室内，实现对“仙境”的艺术化模拟。这是对皇家建筑对称僵硬的反叛与超越。 三、民居的智慧：因地制宜的生存之道 深入研究不同地域的民居特点：北方四合院对寒冷气候和宗族聚居的适应性；福建土楼的集体防御与内向围合；徽派民居的马头墙与防火隔断。这些都是古代普通民众在特定环境下，用最朴素的材料达成的工程与生活智慧的结晶。 第四部分：细节的语汇——装饰、色彩与材料的文化内涵 建筑的“美”往往蕴藏在最细微之处。本部分关注那些看似辅助，实则承载了丰富文化信息的元素。 一、色彩的哲学： 探讨中国古代建筑色彩体系的规范性。宫殿的朱红与金黄代表至高无上；寺庙建筑的素朴与庄重；以及民居中根据地域特产而衍生的自然色调。 二、雕饰的叙事： 区分梁枋、门窗、砖瓦上的装饰母题。这些雕刻并非单纯的装饰，而是通过龙凤、神兽、花卉、历史故事等图像符号，完成对建筑庇佑、祈福、彰显德行的文化使命。 三、材料的生命： 从木材的选择、夯土的配方，到琉璃瓦的烧制工艺，探讨材料本身的物理特性如何决定了建筑的寿命与形态，以及古代匠人对材料“脾性”的深刻理解。 结语：永恒的对话 中国古代建筑艺术是一部厚重的百科全书，它记录了社会变迁，传承了工程智慧，更沉淀了民族的精神气质。本书旨在邀请读者，不仅是站在历史的旁观者角度，而是化身为跨越时空的体验者，去感受那份源自五千年前的，对稳定、和谐与永恒的至诚追求。透过那些历经风霜的梁柱，我们依然能清晰地听到，古人与自然、与自我进行着永恒的对话。 --- 本书适合建筑史研究者、文化学者、艺术爱好者，以及所有对中国传统文化怀有深厚兴趣的读者阅读。

评分☆☆☆☆☆

我个人对佛教造像的细节表现尤为关注，而这本书在这方面的处理，绝对是业内顶尖水准。它不仅仅关注整体的造型布局，更是将镜头聚焦到了手印（Mudra）、衣褶（Drapery）和面部表情的微妙变化上。书中有一章专门对比了印度笈多王朝菩萨像的“S”形曲线与盛唐时期菩萨像的端庄丰腴，并清晰地指出了这种形体语言转变背后的权力中心和审美取向的变化。它详细解释了不同手印所代表的佛教义理，使得原本晦涩的符号系统变得平易近人。更厉害的是，它还探讨了工匠对这些宗教规范的“微创新”，比如在盛唐某一尊观音像的嘴角处，微妙地加入了世俗化的笑意，这种“人化”的处理如何影响了信众的接受程度，被分析得丝丝入扣。这让我明白，雕塑史绝不是冰冷的模板复制，而是不同时代、不同个体在恪守传统与追求表达自由之间的精妙博弈。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴。厚实的封面带着一种沉稳的历史厚重感，皮革质感的纹理在指尖流淌，让人爱不释手。内页的纸张选用了高克重的艺术纸，触感细腻柔滑，印刷的色彩饱和度极佳，即便是那些跨越千年的古老造像，其细微的肌理和斑驳的色彩变化，都能在高清的图像中被精准捕捉。尤其是那些特写镜头，简直是神来之笔，让我仿佛能透过书页感受到雕塑家凿击时的力量与心绪。排版布局上，作者和设计师显然花了不少心思，文字与图像的留白处理得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又将那些宏伟的佛像、精巧的汉代画像石，以一种近乎博物馆展陈般的仪式感呈现出来。我尤其欣赏它对不同时期、不同地域雕塑作品的并置呈现方式，这种并置不是简单的罗列，而是一种跨越时空的对话，让读者在翻阅的间隙中，自然而然地生发出对中国艺术史脉络的宏观把握。这种对“物”的敬畏感，透过每一页的精心打磨，都浓烈地传递了出来，使得这本书本身，也成了一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其富有感染力，读起来完全没有传统学术著作的板滞感，更像是一位资深艺术史家在与你娓娓道来一段段尘封的往事。它善于运用富有画面感的比喻和极具穿透力的词汇来描摹那些静态的艺术品。比如，描述宋代文人石雕时，它没有使用“清雅”这类陈词滥调，而是用了“如同从山石中剥离出的禅思，带着苔藓的静默与文人的疏离”，这种措辞极大地激发了读者的想象力。更难能可贵的是，它成功地将技术描述融入到情感表达之中，让你在理解雕刻技法的同时，也能感受到创作者的生命状态。即便是面对那些残缺的、被历史风雨侵蚀的文物，作者也能挖掘出它们残存的生命力和美感，文字中充满了对逝去时代的温柔追忆和对艺术不朽的赞颂，读完之后，心灵仿佛也经过了一次精神的洗礼，对“时间”与“永恒”的理解都有了新的维度。

评分☆☆☆☆☆

这本书在史料的引用和考证方面做得相当扎实，让人感觉作者是真正下过苦功夫的。我注意到，对于一些存疑的石窟造像归属问题，它并非一锤定音，而是采用了非常严谨的“存疑”或“主流观点/次要观点”的呈现方式，这体现了极高的学术审慎态度。例如，在讨论唐代长安地区雕塑的盛行原因时，书中引用了多条碑刻记载和出土文献的佐证，将宫廷审美、佛教 patronage（赞助）体系以及工匠组织结构的变化，梳理得井井有条，逻辑链条清晰可见。这种对细节的把控，让我对书中所呈现的结论深信不疑。最让我印象深刻的是，它并未局限于宏大叙事，而是偶尔会穿插一些关于雕塑材料学的小知识——比如不同时期石材的开采地、粘合剂的使用差异，这些看似边缘的知识点，恰恰是支撑起整个雕塑体系的基石，极大地拓宽了我的知识边界，让“雕塑史”不再是纯粹的美学欣赏，而是一门结合了地质学、社会学和工程学的复杂学科。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究魏晋南北朝时期的佛教造像风格演变，这本书的叙事逻辑简直是为我量身定做。它没有采用那种枯燥的年代记流水账式的编年史写法，而是巧妙地将地域性、宗教性与技术革新交织在一起，构建了一个立体化的叙事网络。比如，它深入分析了犍陀罗艺术对早期中土雕塑的影响路径，接着笔锋一转，立刻聚焦于云冈昙曜五窟那恢弘磅礴的“昙曜主佛”形象，细致入微地剖析了其面部造型中蕴含的异域文化基因与本土化适应的张力。随后，又无缝衔接到龙门石窟早期力士像的动态美学，那种蓄势待发的力量感，被文字描绘得淋漓尽致，让人读后意犹未尽。这种叙事深度，远超出了普通艺术史的普及读物，它似乎假定读者已经具备了一定的基础知识，进而直接切入到雕塑背后的思想内核与社会背景的相互作用之中，每一次阅读都像是在跟随一位博学的考古学家进行深度田野考察，充满了惊喜与启发。

评分☆☆☆☆☆

中国雕塑史的资料来源主要有两个方面：一是实物资料，即历史上遗留下来的雕塑作品：二是文献资料，即历史典籍中关于雕塑家、雕塑活动、雕塑作品的记载和评论以及古人关于雕塑的理论思考。两相比较，古人为我们留下了大量的雕塑作品，却没有留下系统的雕塑史论的专著，使得中国雕塑史的文献资料严重不足。现有的文献资料只是零星地散布在各种典籍中，与中国绘画史所拥有的汗牛充栋的画论、画史根本无法相比。由于文献资料的缺乏，致使历史紫色 大部分雕塑家的名字和生平事迹都已被淹没了。

评分☆☆☆☆☆

于善待“差生”，宽容“差生”。

评分☆☆☆☆☆

沟通中达成共识。

评分☆☆☆☆☆

⑤教学生抓重点.教学难免有意外，课堂难免有突变，应对教学意外、课堂突变的本领，就是我们通常说的驾驭课堂、驾驭学生的能力。对教师来说，让意外干扰教学、影响教学是无能，把意外变成生成，促进教学、改进教学是艺术。生成相对于教学预设而言，分有意生成、无意生成两种类型；问题生成、疑问生成、答案生成、灵感生成、思维生成、模式生成六种形式。生成的重点在问题生成、灵感生成。教学机智显亮点.随机应变的才智与机敏，最能赢得学生钦佩和行赞叹的亮点。教学机智的类型分为教师教的机智、学生学的机智，师生互动的机智，学生探究的机智。机智常常表现在应对质疑的解答，面对难题的措施，发现问题的敏锐，解决问题的灵活。

评分☆☆☆☆☆

印刷的很好，尤其是图片很有帮助

评分☆☆☆☆☆

我看了这本书籍很好，有不错的感想。认真学习了这本书，给我几个感受

评分☆☆☆☆☆

沟通中达成共识。

评分☆☆☆☆☆

质的要求，对教育规律的把握，对教学艺术的领悟，对教学特色的追求。

评分☆☆☆☆☆

印刷的很好，尤其是图片很有帮助