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[加拿大] 南希·贝曼 著

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• 动漫设计
• 动画表演
• 经典教程
• 设计技巧
• 动画原理
• 角色设计
• 绘画技法
• 行业经典
• 动漫教学
• 表演规律

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787515300580

版次：1

商品编码：10711351

包装：平装

开本：8开

出版时间：2011-08-01

用纸：铜版纸

页数：232

正文语种：中文

内容简介

　　目前有很多自称为《动画表演》的动画类教材实际上是将“动画运动规律”与“动画表演”的概念在某种程度上混淆了，而国内真正开设“动画表演课程”的学校、深入研究“动画表演”的老师确实存在，但少之又少，往往是少数象牙塔中的幸运学子们能够接触到的。编辑在发现这本《国际经典动漫设计教程——动画表演规律》的外版书时，兴奋无比，第一时间将这本“被期盼已久”的好书引进版权，并由专业的资深动漫教程译者翻译。本书在大量的专业词汇、人名、作品名后加入相应的英文名称，便于读者在外文网站上查找、学习。
　　 　　编辑希望借此书与读者一起学习、进步，继续将更多好书引进国内。

作者简介

　　南希·贝曼是加拿大奥克维尔市著名的谢里丹学院（Sheridan Institute of Technology and Advanced Learning）教授。她当过制作人、导演；设计过电视广告；负责过专栏、电影和新媒体项目；画过故事板，做过动画；还曾在Walt Disney 公司、Warner Brothers动画公司和Bill Melendez 制作公司工作过。2000 年起，南希开始在大学教书，她的第一本书《为故事板做准备！为动画长片和短篇创作故事和角色》（Prepare to Board！ Creating Story and Characters for Animated Features and Shorts）已经成为全球动画学校的标准教材。
　　谢里丹学院是加拿大老牌公立学院，成立于1967 年。学院的动画专业在北美地区享有极高的声誉，是全球第三大传统动画与计算机动画学校，被称为动画界的“哈佛”。享誉全球的《终结者》、《侏罗纪公园》等影片就是著名的谢里丹学院毕业生史蒂芬·威廉姆斯 (Steve Williams) 的作品。由谢里丹学院的毕业生参与制作的影片还包括《阿甘正传》、《星球大战》、《怪物史莱克》、《精灵鼠小弟》、《埃及王子》以及制造了票房之最的《魔戒》。此外，谢里丹的动画毕业生还曾获得四次奥斯卡提名，其中乔恩·米尼斯（JohnMinnis）的《Charade》(1986 年）和埃里克？阿姆斯特朗（Eric Armstrong） 的《The ChubbChubbs》（2003 年） 最终获得奥斯卡动画最佳短片奖。

精彩书评

　　“舞台演员和电影演员以前仅把斯坦尼斯拉夫斯（Stanislavski）、斯特拉·阿德勒(Stella Adler) 和李·斯特劳斯贝格(Lee Strausberg) 当成他们的老师，但现在应该再增加一位南希·贝曼。她的书《动画表演规律》是动画表演方面的大师课程，其中充满了睿智的分析，穿插了大量的绘画案例。”
　　 　　——丹·哈恩（Don Hahn)，《狮子王》、《美女与野兽》的制作人
　　
　　 　　“《动画表演规律》再一次证实，南希·贝曼不仅是一位极具天赋的艺术家，还是一位极具天赋的教师。黄金时代的迪斯尼艺术家应该会喜爱这本书，新生代艺术家将会感激这本书的诞生。”
　　 　　——迪德·盖兹（Didier Ghez），《Walt's People》系列　图书的编辑
　　
　　 　　“南希·贝曼再一次用鼓舞人心的文字激励动画师们成为‘拿着铅笔的演员’！《动画表演规律》应该成为每个学生以及新生代动画从业人员的架上参考书。”
　　 　　——比尔·马修（Bill Matthews），前沃尔特·迪斯尼长片动画培训和招聘主管
　　
　　 　　“资深动画师南希·贝曼从她的好莱坞导师那里收获了受益一生的课程，从她喜欢的表演者那里汲取了灵感，辅以她自己的插画，萃取出一本古灵精怪而简洁明了的动画师艺术指南，这是动画学生的必备书籍。”
　　 　　——汤姆·瑟托（Tom Sito），动画师，《线条绘制：从博斯科到巴特·辛普森，动画集中没有讲的故事》（Drawing the Line: The Untold Stor y of the
　　 　　Animation Unions from Bosko to Bart Simpson）的作者

目录

林恩·约翰斯顿（Lynn Johnston）作序
序言：无论如何，我们不要真人秀
一 创造鲜活的角色
缩略图介绍
——用铅笔表演，并在纸上思考。
好演员：设计动画
——运动得好的角色被称为 “好演员”，这里介绍如何创造你的下一位动画明星。在纸上试演！
对话动画介绍
——制作对话动画有多种方法，你的表演要随着角色的年龄、性别和种类的不同而变化。在后面的章节中我们会检验一些动画角色的变体。
二 设置场景：角色和故事背景
不要只做一些事情
——角色走过一个房间，与角色正走在通往死刑电椅的最后英里的路上，这两个故事是不一样的。故事背景会影响角色的运动、表演和说话的方式。
是你，不是你：对角色的分析
——角色的外在表现会受其内在感受的影响。
角色的体积、尺寸和运动
——在动画中，你不仅需要知道小鸡为什么要穿过马路，还需要知道它的年龄、重量以及马路的路面是否结冰！
三 性别是必须的吗？
富有男子气和女人味的角色表演
——通过对男性角色和女性角色的深入研究，你可以在不改变角色基本设计的情况下，分别制作出男性和女性的动画。
男人（女人）的年龄
——通过身体不同部位主导，可以营造出年轻或年迈的感觉。一个经商的男人和一个上学的小姑娘他们的走路方式不同，这对你的动画来说是一件好事。
四 动物演员
四条腿好，两条腿更好？创建动物角色
——接触你内心的“野兽”。学习动物如何像人一样进行动画表演。
想象中的飞翔：带翅膀的角色的动画
——鸟会飞，也会走路、单脚跳、游泳或飞奔。
五 奇幻角色的表演！
源于自然的超自然灵感
——恐龙和微生物可以为动画角色带来灵感，它们必须相互排斥吗？将现存动物的运动用新鲜有趣的方式与动画角色结合在一起，创造虚幻的表演。
双重特性：人类与动物结合
——化身博士、狼人、吸血鬼德拉库拉（Dracula）伯爵，他们都面临同一个问题，或者也可以说是动画师都面临这个问题，即他们都是两个角色的综合体，每个人都有两组不同特征的运动方式。
漂浮的世界：无重力的演员
——鱼必须游泳，鸟必须飞翔，一定要是这样的吗？你该如何创造水下或无重力状态下的真实表演呢？
六 物体成为表演者
家具的运动：赋予无生命物体以生命
——梳妆台、烛台以及钟等物品在很多部动画影片中都担当过角色。你又应如何分析桌腿的动作？
材质女孩：布料和衣服角色
——体验质感和材料是如何影响动画表演的。
七 双重时间控制：制作角色互动的动画
布局和构图
——哪个角色是场景中最重要的角色？学习如何在同一个镜头中展现两个动画角色的表演以及如何改变表演中的主导角色。
在多角色场景中改变主导
——在多角色表演中，当一个角色替代另一个角色的主导地位时，如何将观众的视线引导至兴趣中心。
波坦金村庄：众人场景以及如何伪造群众角色
——将群体先确定为一个几何形状，然后再将其分解成角色元素。最好的解决方法是对场景进行优化布局，将群体数量降至最低。
八 角色随着时间而发展
角色和故事弧线
——角色完成内在和外在的改变需要发展的时间。
灵感和参考：推荐一些关于技术、姿势绘制、参考材料和故事背景相关的书籍和网站。你还可以找到更多。
索引
致谢

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《国际经典动漫设计教程——动画表演规律》相关内容

资深动画师南希•贝曼从她的好莱坞导师那里收获了受益一生的课程，从她喜欢的表演者那里汲取了灵感，辅以她自己的插画，萃取出一本古灵精怪而简洁明了的动画师艺术指南，这是动画学生的必备书籍。

经典电影史与视觉叙事研究 作者： [此处留空，或填写一位资深电影理论家的名字] 出版社： [此处留空，或填写一家权威的学术出版社名称] 装帧： 精装，插图丰富 页数： 约 800 页 --- 内容概要 本书旨在对电影艺术自诞生以来的百年历史进行一次全面而深入的梳理与分析，重点探讨早期默片时代至新浪潮运动、直至当代数字电影浪潮中，视觉语言、叙事结构以及美学风格的演变脉络。它并非一部简单的编年史，而是力求揭示不同历史时期、不同地域的电影大师们，是如何通过镜头运动、场面调度、剪辑节奏和光影运用，建构起复杂而富有深意的视觉叙事体系，并如何以其独特的艺术手法，对社会思潮、哲学命题和人类情感进行深刻的表达。 全书结构分为四个主要部分，层层递进，从基础的视觉语法探究，深入到流派的兴衰沉浮，最终聚焦于风格的跨文化影响。 --- 第一部分：视觉的萌芽与语法确立（1895 – 1927） 本部分详尽考察了电影作为一种新兴艺术形式，如何从最初的“活动影像”转变为具有严密叙事逻辑和独特美学规范的艺术媒介。 1.1 卢米埃尔与梅尔的对立统一 对比分析了卢米埃尔兄弟的“纪实之眼”（对日常生活的客观捕捉）与乔治·梅里爱的“奇观之梦”（对魔术和想象力的无限释放）。重点分析了“景深镜头”（Deep Focus）和“浅景深镜头”（Shallow Focus）在早期表达空间关系上的不同取向。 1.2 格里菲斯的蒙太奇革命 深入剖析 D.W. 格里菲斯在《国家的诞生》等作品中对平行剪辑、交叉剪辑和主观镜头的系统性运用，探讨这些技术如何确立了古典好莱坞叙事的“语法基础”。分析了“插入镜头”（Insert Shot）在引导观众注意力和构建情感张力上的作用。 1.3 德国表现主义的造型革命 研究了弗里茨·朗和罗伯特·维内等导演如何利用极端的布景设计、扭曲的透视和强烈的明暗对比（Chiaroscuro），将人物的内心冲突外化于银幕之上。详细阐述了表现主义美学对后来恐怖片和黑色电影的深远影响。 1.4 苏联蒙太奇学派的辩证法 重点解析了爱森斯坦的“碰撞蒙太奇”（Intellectual Montage）与普多夫金的“有向蒙太奇”之间的理论分野。通过对《战舰波将金号》中“敖德萨阶梯”场景的逐帧分析，揭示了其如何用剪辑而非单一画面来制造观念和情感的冲击，将电影提升至辩证哲学的层面。 --- 第二部分：有声时代的风格重塑与类型固化（1928 – 1950） 有声电影的出现彻底改变了电影的视听关系，本部分着重考察了声音的引入如何催生出新的叙事方式和艺术流派。 2.1 音乐剧与对话的解放 分析了有声片初期，导演们如何应对声音带来的限制（如固定机位），并最终将对话、音乐和环境声效融入到镜头语言中，催生了歌舞片等新兴类型。 2.2 黑色电影（Film Noir）的美学核心 系统梳理了黑色电影的起源，从德国表现主义遗风到战后美国社会的焦虑感。详尽分析了其标志性的视觉元素：阴影下的光线、潮湿的街道、蛇蝎美人（Femme Fatale）的原型，以及非线性叙事（如画外音和闪回）在表达宿命感和道德模糊性上的功能。 2.3 现实主义的回归：意大利新现实主义 重点分析了罗西里尼、德·西卡等导演，如何在战后废墟之上，坚持使用非职业演员、自然光和真实的街景，以一种近乎“去戏剧化”的方式，捕捉普通民众在极端环境下的生存状态，确立了战后现实主义的典范。 2.4 奥逊·威尔斯与景深镜头的集大成 专章分析《公民凯恩》，探究其如何通过极深的景深镜头（允许前景、中景和背景同时保持清晰），配合低角度仰拍和复杂的声场设计，来构建一个多层次、多视角的、关于权力与孤独的宏大叙事结构。 --- 第三部分：现代主义的冲击与作者论的兴起（1950 – 1970） 二战后，电影界对既有规范产生强烈反思，本部分聚焦于欧洲的电影革新运动，这些运动重新定义了“导演”的地位。 3.1 法国新浪潮：打破第四堵墙 详细解读了特吕弗、戈达尔、侯麦等人如何借鉴类型片元素，同时运用手持摄影、即兴表演、跳切（Jump Cut）和对观众的直接对白，来表达疏离感和对传统叙事的颠覆。重点探讨了“作者论”（Auteur Theory）如何将导演视为作品的唯一、统一的表达者。 3.2 欧洲的探索性尝试 考察了英格玛·伯格曼对存在主义主题的深入挖掘，特别是其如何通过极简的场景和密集的面部特写来探讨信仰、孤独和人际关系的破裂。同时也分析了费里尼和安东尼奥尼在形式上对梦境、记忆和现代人异化状态的视觉化尝试。 3.3 日本电影的禅意与形式张力 深入研究小津安二郎的“榻榻米镜头”（Tatami Shot）——一种固定于极低视角的镜头语言，以及其标志性的“飘移镜头”（Pillow Shot，即空镜头）。分析这些形式选择如何服务于其对家庭结构衰变和时间流逝的沉静观察。 --- 第四部分：全球化、技术与后现代的视觉转向（1970 至今） 本部分关注电影艺术在面对商业化浪潮、数字技术和文化多元化时所产生的复杂反应。 4.1 新好莱坞的解构与反英雄 分析了科波拉、斯科塞斯等导演如何吸收欧洲现代主义技巧，并将其运用到对美国梦的批判和对类型片的解构之中，创造出更复杂、更具道德灰色地带的叙事。 4.2 史诗性的光影运用与数字时代的挑战 研究斯坦利·库布里克对完美主义的追求，特别是其如何利用超广角镜头、固定镜头和对空间的精确控制，在《2001：太空漫游》和《闪灵》中构建出既宏大又压抑的宇宙观。探讨数字技术对传统电影美学（如胶片颗粒感和自然光处理）的冲击与融合。 4.3 跨文化视角的拓展 关注亚非拉导演在国际影坛的崛起，如伊朗的基亚罗斯达米和塞内加尔的奥斯曼·塞姆班，分析他们如何结合本土社会现实与电影形式，发展出不同于西方主流叙事的视觉语言，强调对空间和时间概念的重塑。 4.4 叙事的分散化与体验的优先性 探讨在后现代语境下，电影叙事如何趋向碎片化、自我指涉化。分析当代导演如何通过模糊真实与虚构的界限，以及利用高强度的视听刺激，来挑战观众对“意义”的既有期待，将观影体验置于叙事清晰之上。 --- 核心特色 本书的价值在于其广博的案例分析和严谨的理论框架。每一章均配有大量电影截图、镜头分析图示和技术解析，帮助读者直观理解抽象的电影理论。它不仅是一部电影史，更是一本关于“如何观看”和“如何构建视觉意义”的工具书，对任何有志于深入理解电影艺术的读者都具有极高的参考价值。通过对各个历史阶段关键技术和美学选择的梳理，本书提供了一个理解电影作为一种复杂的、不断演变的视觉哲学的坚实基础。

评分☆☆☆☆☆

我是一个业余的漫画爱好者，平时自己画点小故事，但总感觉我的角色“站不住”或者说“动不起来”，总是僵硬得像个木偶。我买了很多关于人体结构和透视的书，但那些知识点虽然扎实，却很难直接转化为有感染力的动画感。这本大部头的书，恰恰填补了我的这个空白。它花了大量篇幅去解析“时间与空间”在动画中的运用，比如如何通过帧率的变化来控制观众的紧张感和放松感，如何利用夸张的形变来强化情绪的冲击力。最让我惊喜的是，书中并没有直接给出“画成这样”的标准答案，而是通过一系列提问引导读者去思考“为什么”要这么画。这种启发式的教学方法，让我学会了自己去观察生活中的动态，然后提炼出最适合动画语境的表演方式。这本书的装帧很精良，纸张的质感也很好，看着就很专业，让人有一种“这是干货”的感觉。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的厚度一度让我有些望而却步，感觉像是在啃一本学术专著。但一旦开始阅读，那种沉浸感是很难用语言形容的。作者的文笔非常流畅，即便涉及到一些复杂的运动学原理，也能用非常形象的比喻来解释清楚，完全没有晦涩难懂的感觉。我尤其喜欢其中关于“节奏感”的章节，它把动画表演比喻成音乐的创作，不同的动作组合、停顿、加速和减速，共同构成了角色的“乐章”。书中提供了大量的图例来佐证观点，这些图例的质量极高，不是那种随随便便的草图，而是经过精心设计的范例，每一个笔画都似乎带着意图。这本书更像是一位经验丰富的老前辈，坐在你身边，手把手地拆解每一个精彩瞬间，告诉你“看，这里是关键”。它要求读者不仅要看，还要去“感受”角色在那个瞬间的重量、惯性和情绪波动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是太吸引人了，色彩搭配大胆又充满活力，立刻就能感受到里面蕴含的无限创意。我原本以为这会是一本侧重于技术层面的绘画指导书，毕竟书名听起来比较偏向“教程”，但翻开目录才发现，它更像是一本关于如何赋予角色生命力的深度解析。作者似乎非常注重角色的内心世界和情绪表达，用大量的篇幅来探讨如何通过肢体语言、面部表情以及动态设计来讲述一个故事。特别是关于“表演”的部分，简直是打开了我新的大门。我一直觉得动画表演就是把真人动作搬到纸上，但这本书告诉我，动画表演有它独特的韵律和节奏感，需要一套完全不同的逻辑来支撑。里面的案例分析非常透彻，很多都是我非常熟悉的经典动画片段，但通过作者的解读，我才真正理解了那些“神来之笔”背后的设计原理。这绝对不是那种教你如何画出标准三角形或如何打光的基础读物，它更像是动画表演的哲学探讨，对我有非常大的启发。

评分☆☆☆☆☆

作为一个在行业里摸爬滚打多年的资深动画师，我通常对市面上大部分宣称“颠覆性”的教程持保留态度，因为很多都是理论堆砌，缺乏实战指导。然而，这本书在基础理论与高级实践之间找到了一个绝佳的平衡点。它没有过多纠结于基础软件操作或笔触的细腻度，而是直奔主题——如何让你的角色“活起来”。书中关于“角色驱动力”的讨论，我个人认为非常精彩。它要求我们首先确定角色的动机、性格和生理结构，然后所有的表演都必须从这些核心要素出发，而不是为了炫技而表演。这对于我们这些习惯了按部就班完成任务的从业者来说，是一种强有力的思维重塑。读完后，我在处理一些需要强烈情感爆发的场景时，明显感觉更游刃有余了，因为我已经建立起了一套更坚实的表演逻辑框架。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷是想提升一下自己的角色设计能力，希望能让我的设计稿更有故事性。拿到手后发现，它的实用性远超我的预期，已经远远超出了单纯的“设计”范畴，它深入到了“叙事”的核心。这本书让我认识到，一个优秀的角色设计，其魅力很大程度上来源于其潜在的动态和表演潜力。书中对“戏剧性形变”的探讨尤其让我印象深刻，它教会我如何在不脱离角色固有生理限制的前提下，进行最大程度的风格化处理，让角色的情感张力达到极致。这本书并非提供现成的模板，它提供的更像是一套“发现美感和生命力”的底层方法论。对于任何想要在动画或漫画领域做出深度表达的人来说，这本绝对是值得珍藏的案头工具书，每一次重读都能发现新的层次和细节，常读常新，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

很实用的动画专业书籍，值得学习

评分☆☆☆☆☆

正版，很好用的书，真的不错呢

评分☆☆☆☆☆

国内涉及动画表演是书籍几乎没有,多数都以运动规律和动作设计的外壳下藏着,而这个书把表演的部分提炼出来,把动画角色作为演员对待.而且是专门写这一块的,所以值得一看.

评分☆☆☆☆☆

很实用的动画专业书籍，值得学习

评分☆☆☆☆☆

发货快，包装严实，非常好

评分☆☆☆☆☆

很好不错内容广值得一看

评分☆☆☆☆☆

质量真的不错,内容也很好

评分☆☆☆☆☆

公司同事生日的礼物，指定书籍，是新的

评分☆☆☆☆☆

女儿很喜欢这本书，每天做完作业就看