歌剧：一种新的聆听方法（附CD光盘） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 亚历山大·沃 著，曹利群，王玉桓 译

图书标签:

• 歌剧
• 古典音乐
• 音乐欣赏
• 音乐史
• 音乐理论
• 音乐教育
• 文化艺术
• CD
• 入门
• 聆听技巧

出版社： 中国人民大学出版社

ISBN：9787300059228

版次：1

商品编码：11203170

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-05-01

用纸：胶版纸

页数：131

正文语种：中文

附件：CD光盘

附件数量：1

内容简介

　　《歌剧：一种新的聆听方法》是亚历山大·沃另一部著作《古典音乐：一种新的聆听方法》的姐妹篇，书中配有大量图片，用时间进度线的方法赏析八部最受欢迎的歌剧片断，并随书赠送超过70分钟的一流歌剧CD，既是初学者最佳的入门读物，也能为已入门者带来聆听的乐趣。
　　作者通过对八位大师代表作品的细致分析，说明了不同声部的所有分类及如何辨识的方法；对歌剧历史、各个要素以及其他五十部歌剧的概略介绍，使读者对歌剧这种独具魅力的艺术形式有了全方位的了解。书中精美的图片配合所附CD中精选片断，令人仿佛身临其境。希望本书能使新入门者和原本即已忠实的歌剧迷遨游在歌剧的世界里，享受那美好愉悦的歌剧之旅。

目录

引言
第一章 歌剧的经历
第二章 歌剧的要素
第三章 幕后景观：歌剧的制作
第四章 歌剧的故事
第五章 通过八位大师的作品透视歌剧世界
普塞尔：狄多和埃涅阿斯
莫扎特：唐璜
罗西尼：塞维利亚理发师
威尔第：弄臣
瓦格纳：纽伦堡的工匠歌手
穆索尔斯基：鲍里斯·戈杜诺夫
比才：卡门
普契尼：托斯卡
第六章 五十部进阶必备歌剧指南
第七章 歌剧院和歌剧节
……

前言/序言

乐谱之外的交响：重塑我们与音乐的连接 一部探索声音美学、历史演变与当代实践的深度著作 内容概要 本书并非聚焦于歌剧这一特定艺术形式，而是将视野投向更广阔的音乐体验领域，旨在解构听觉感知、剖析音乐语言的结构，并探讨技术进步如何重塑了我们与声音的互动方式。我们邀请读者进行一场深入的智识漫步，穿越古典音乐的庄严殿堂，抵达现代声音景观的复杂疆域。 第一部分：听觉的构造与错觉 本部分深入研究人类听觉的生理学基础及其心理学建构。我们探讨声音是如何被耳朵捕捉、大脑如何将其编码为可理解的信号。重点分析了“音高”、“音色”、“节奏”这些核心音乐要素在神经层面的处理机制。书中的章节详细阐述了“模式识别”在音乐欣赏中的作用——听众如何在大数据流中构建连贯的叙事，以及作曲家如何巧妙地利用听觉系统的固有倾向制造惊喜或预期。 感知与物理： 频率、振幅、泛音列与音乐的物理基础。 时间艺术的把握： 节奏感、韵律的心理学基础，以及我们如何感知时间流逝中的音乐事件。 音色之谜： 探讨音色作为独立于音高和响度的复杂特征，是如何塑造音乐的“质感”和“情感色彩”。我们分析了录音技术如何改变了我们对原始音色的感知。 第二部分：音乐的历史纹理与断裂 本书追溯了西方音乐自文艺复兴以来，在不同历史时期所承载的社会、哲学和技术责任。我们不将音乐史视为线性的进步，而是将其视为一系列相互影响、不断自我辩驳的“声音观”的演变。 中世纪与文艺复兴的文本与神圣性： 探讨音乐如何从服务于宗教仪式转向表达世俗情感，以及复调音乐的出现如何拓展了听觉的空间感。 巴洛克与古典主义的理性结构： 分析对位法和奏鸣曲式如何体现启蒙时代的理性精神，以及“和声语言”是如何形成一套约定俗成的语法。 浪漫主义的个体情感爆炸： 研究作曲家如何利用配器和更宏大的结构来表达前所未有的个人激情与民族主义情绪。 20世纪的瓦解与重建： 重点剖析了十二音体系、序列主义、偶然音乐（Aleatoric Music）等对传统调性系统的颠覆。我们审视了德彪西、斯特拉文斯基、勋伯格等如何从根本上重新定义“什么是音乐”。 第三部分：技术的中介与声音的未来 本部分是本书最具前瞻性的部分，聚焦于电子技术和数字媒介如何彻底重塑了音乐的生产、传播和接受方式。 录音室的诞生： 详细分析了麦克风、磁带录音等技术如何创造了“非现场”的声音体验，使得音乐不再受限于现场演奏的物理限制。探讨了“声音编辑”作为一种新的创作手法如何崛起。 电子乐的拓扑学： 追溯了早期合成器、模块化系统对声音合成的贡献，以及环境音乐（Ambient Music）如何将听众从旋律的束缚中解放出来，转向对空间声景的关注。 数字时代的碎片化： 分析MP3、流媒体算法如何影响了听众的聆听习惯（例如，从专辑转向单曲的偏好）。探讨了“背景音乐”与“专注聆听”之间的张力。 空间音频与沉浸式体验： 讨论了杜比全景声（Dolby Atmos）等最新的空间音频技术如何试图恢复音乐的“三维性”，以及这是否代表着一种回归“现场感”的新趋势。 第四部分：非西方音乐的对话与融合 本书致力于打破欧洲中心主义的音乐视角，将目光投向全球的听觉传统。 东方的时间观念： 比较印度拉格（Raga）体系与西方传统对即兴、重复和时间展开的处理方式。 部落与集体的声音实践： 考察非书面音乐传统中，音乐在仪式、社会凝聚力中所扮演的角色，以及它们如何挑战“作曲家/表演者/听众”的传统三角关系。 跨文化借用与误读： 分析当代作曲家如何吸收异域元素，以及这种“借用”过程中所涉及的文化敏感性问题。 结语：培养“主动的耳朵” 全书最终导向一个核心论点：高效的聆听是一种需要学习和训练的技能。在信息爆炸的时代，我们比以往任何时候都更容易“听到”声音，却可能越来越少地“真正听见”音乐的深度和意图。本书旨在提供一套理论工具和历史脉络，帮助读者超越既有的审美框架，发展出一种更具批判性、更具接纳性的“主动的耳朵”，从而在任何声音景观中都能发现其结构、情感和意义。 本书特点： 跨学科视角： 融合了声学物理、认知心理学、音乐社会学和技术史的最新研究成果。 深邃的理论探讨： 拒绝肤浅的风格介绍，致力于挖掘声音背后的哲学基础。 广博的案例分析： 涵盖了从巴赫的赋格到极简主义电子乐的多元实例，但分析重点在于其“聆听结构”，而非作品本身的名声。 适合读者： 所有对声音艺术、音乐理论、文化史以及技术美学交叉领域感兴趣的读者，包括音乐专业学生、声音设计师、艺术评论家，以及任何渴望加深对日常听觉世界理解的普通听众。

评分☆☆☆☆☆

我阅读这本书最大的收获，是它成功地修正了我以往对“歌剧演唱”的一些固有认知。我过去总是过度关注女高音的炫技和男中音的浑厚，认为这才是歌剧的最高成就。然而，作者用大量篇幅探讨了“合唱”和“管弦乐队的潜台词”的重要性。在某章节中，作者专门用了一大段文字，详细描述了在某一幕高潮到来之前，乐队低音弦乐组如何通过极轻微的颤音，在几乎听不见的音量下，构建了一种令人窒息的紧张感，而这种紧张感才是支撑女主角爆发性咏叹调的真正基石。这种对“背景支撑”的细致挖掘，让我对整个歌剧艺术的立体结构有了全新的敬畏。它不再是一个由几个巨星支撑的表演，而是一场需要数百人共同完成的、精密运作的“时间艺术”。这本书引导我不再只做“歌唱的仰慕者”，而是成为了“整体音乐戏剧的探索者”，这无疑是最大的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计和排版来看，这本书的设计师显然也参与了这场“新聆听方法”的建构。书籍的纸张质感厚实，印刷清晰，这在很大程度上保证了乐谱摘录和剧照的观感。但最值得称道的是，它的信息密度管理得非常到位。在探讨一些复杂的音乐结构时，作者非常克制地使用图表和流程图，这些视觉辅助工具并非生硬地插入，而是像地图上的等高线一样，自然地引导读者的视线从文字叙事平滑过渡到结构分析。例如，在描述威尔第某部作品的场景转换时，书中用一种类似电影分镜的排版方式，将音乐主题的出现、人物情绪的渐变，用色彩和留白区分开来，形成了一种强烈的节奏感。这种对信息层级的精确把控，本身就是一种“有效的聆听方式”的体现——它教会你如何在信息过载的时代，有重点地、有层次地接收艺术信息，而不是被所有细节淹没。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格，说白了，有点像一位经验丰富的剧院老手，在幕后拉着你，低声告诉你那些你绝对不会从节目单上看到的“行话”和“内幕”。它没有用那种令人望而生畏的哲学思辨来包装，反而充满了对歌剧艺术生命力的由衷赞美和一丝丝狡黠的戏谑。当我读到它分析莫扎特某部歌剧中小丑角色的动机时，作者突然笔锋一转，引用了一段现代电影对白来做类比，这种跨界、甚至有些“不敬业”的跳跃，非但没有削弱其专业性，反而极大地增强了文本的亲和力和记忆点。它似乎在对读者说：“是的，歌剧是宏大的，但它本质上也是关于人们的嫉妒、贪婪和爱情的，跟我们现在的生活没什么两样。”这种接地气又不失深度的平衡感，是我在其他歌剧导览书中极少见到的。它有效地瓦解了歌剧的“神坛化”倾向，让它重新回归到“人类情感的放大镜”这一本质属性。

评分☆☆☆☆☆

这本关于歌剧的“新聆听方法”的书，光是书名就带着一股挑战传统、激起好奇的意味。我原本以为这会是一本晦涩难懂的乐理分析或是什么学院派的理论著作，毕竟“歌剧”本身就自带一种高雅、似乎需要特定背景知识才能进入的壁垒感。然而，真正翻开后，我发现作者的笔触远比我想象的要轻盈且富有洞察力。它没有直接钻入复杂的和声进行或咏叹调的结构分析，而是从最基础的情感共鸣点切入，试图剥开歌剧那层华丽的“戏服”，让我们直视其内核——人性与戏剧的交织。书中的很多案例选取都非常巧妙，并非总是选取那些耳熟能详的“天王级”作品，而是穿插了一些被现代观众忽略的、却在叙事上极其精妙的剧目。这种广阔的视野立刻打破了我对歌剧印象中“就是那几部经典”的刻板印象。特别是关于舞台调度和视觉语言如何与音乐叙事相互建构的论述，让我意识到，过去我可能只是在“听”歌剧，而这本书引导我开始“观看”歌剧，将舞台上的每一个眼神、每一次停顿都视为音乐语言的延伸。它确实提供了一种全新的、更具沉浸感的入口，尤其适合那些觉得歌剧难以亲近的初学者，或者像我一样，渴望从旧有的欣赏模式中跳脱出来的资深乐迷。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，我购买这本书主要是冲着附带的那张CD去的。在如今这个流媒体主导的时代，实体光盘似乎成了一种带着仪式感的物件，而它承载的内容往往决定了这本书的实际价值。这本书对于“聆听方法”的探讨，与其说是理论建构，不如说是一种实践指导手册，而CD中的选段正是这些指导思想的活生生佐证。最让我眼前一亮的是，作者没有将CD制作成标准的录音室版本合集，而是挑选了一些极具现场感或特定处理痕迹的片段。比如，在讨论“次要角色动机”时，CD里特意播放了一个版本，其中那个次要角色的声音被特意放大或置于混音的前景，这在标准的商业录音中是很少见的。通过这种对比性的聆听，我清晰地捕捉到了作者所强调的、平时容易被主唱光芒掩盖的“织体细节”。这不仅仅是听音乐，更像是在拆解一个精密的声学装置。这种“互动性”的设计，让阅读过程不再是被动的接受信息，而变成了一场主动的探索，我得跟着书本的指示，调整音量、更换耳机，去验证作者描述的那个“新的听觉空间”。这远比单纯阅读乐评要来得震撼和有效得多，让人感觉物有所值。

评分☆☆☆☆☆

比较浅显，价值不大。

评分☆☆☆☆☆

威尔第著名的歌剧《茶花女》中有一段最感人的唱段，就是维奥列塔在离开人世前的与阿尔夫来德最后的二重唱：“让我们离开这万恶的世界，这里充满了痛苦和悲哀，我们要走向遥远的的地方，快乐和幸福就要回来，命运在那里向我们微笑，痛苦和悲伤永远忘怀”。

评分☆☆☆☆☆

书不错，闲来欣赏，陶冶情操。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

一部好歌剧，是戏剧诗歌与音乐的完美结合，好的歌剧音乐也常常是歌剧作品流传下来的关键，比如《茶花女》、《费加罗婚礼》等，就因为音乐的成功，使得作品的知名度大大提高了。

评分☆☆☆☆☆

歌剧：一种新的聆听方法（附CD光盘1张）是一部简单的入门著作，很值得一看。

评分☆☆☆☆☆

用了一段时间了，不错，不错

评分☆☆☆☆☆

威尔第著名的歌剧《茶花女》中有一段最感人的唱段，就是维奥列塔在离开人世前的与阿尔夫来德最后的二重唱：“让我们离开这万恶的世界，这里充满了痛苦和悲哀，我们要走向遥远的的地方，快乐和幸福就要回来，命运在那里向我们微笑，痛苦和悲伤永远忘怀”。

评分☆☆☆☆☆

i 很好的书，赞一个