赵晓生学术著作系列：传统作曲技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵晓生 著

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• 作曲技法
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• 中国音乐
• 音乐分析
• 音乐史

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539644059

版次：1

商品编码：11298369

包装：精装

丛书名： 赵晓生学术著作系列

开本：16开

出版时间：2013-07-01

用纸：胶版纸

页数：504

正文语种：中文

内容简介

　　《赵晓生学术著作系列：传统作曲技法》是为音乐学院作曲系的本科学生而写，力图以“风格”为中心，以“组织”为总纲，从千变万化、令人目眩的音乐现象中，从古到今杂乱繁复的思维中，抓住两个要点：模仿与创造，引导学生通过对各种音乐风格的亲身模仿，学习历代大师所发现音乐奥秘，获得真谛，在此基础上激发自身的无穷创造热情。《赵晓生学术著作系列：传统作曲技法》内容分八编：旋律写作、节奏集合模型、为一至两件乐器写作、模仿写作、前奏曲写作、歌曲写作、奏鸣曲写作，共24章。

目录

序一（杨立青）
序二（陈铭志）
再版说明（赵晓生）
绪论
第一编 旋律写作
第一章 旋律基本形态
第一节 动态
第二节 句法
第三节 旋幅
第四节 装饰
第二章 调式
第一节 五声调式
第二节 汉族七声调式
第三节 中古七声调式
第四节 大小调式
第三章 综合调式
第一节 五声调式的综合
第二节 七声调式的综合
第三节 综合层次
……

前言/序言

《西方音乐史论：从古希腊到二十世纪》 导言：历史的脉络与思辨的张力 本书旨在为读者构建一部宏大而精微的西方音乐史图景。我们深知，音乐的历史并非简单的年代堆砌或风格罗列，而是一部交织着社会结构变迁、哲学思辨演进与艺术本体探索的复杂文本。本书从古希腊的“乐论”肇始，直至二十世纪的思潮激荡，试图在宏观的时代背景与微观的音乐实例之间架起一座坚实的桥梁，引导读者深入理解西方音乐文化是如何在历史的长河中自我塑造、自我超越的。 我们摒弃了传统音乐史中常见的、过于侧重于“天才作曲家”的叙事模式，转而强调音乐在不同历史语境下的社会功能、审美范式以及技术革新如何相互作用。本书的结构遵循时间线性，但其核心的分析视角却是多维度的，关注点涵盖了理论、实践、社会接受度以及跨学科影响。 --- 第一部分：源起与奠基——古希腊至中世纪早期 第一章：古希腊的“穆西卡”与“和谐论” 本章详述西方音乐理论的哲学根源。我们将深入探讨毕达哥拉斯学派对音程的数学化理解，以及柏拉图、亚里士多德在《理想国》和《形而上学》中对“乐”与“德性”关系的论述。重点解析“和谐”（Harmonia）概念在古希腊宇宙观中的核心地位，以及七调式（Ethos）理论如何被视为道德教化的工具。我们也将审视古希腊记谱法的局限性及其对早期音乐实践的影响。 第二章：基督教的崛起与格里高利圣咏的定型 随着罗马帝国的衰落，音乐中心逐渐转移至教会。本章聚焦于中世纪早期，探讨早期基督教礼拜仪式如何吸纳并改造异教音乐元素。核心内容是对格里高利圣咏（Gregorian Chant）的系统分析，包括其单音（Monophonic）特征、弗里吉亚调式（Phrygian Mode）的普遍应用，以及修道院在圣咏规范化过程中的关键作用。我们还将简要介绍早期对多声部萌芽的探索，如奥尔加农（Organum）的出现。 --- 第二部分：多声部的黎明与中世纪的审美转向 第三章：巴黎乐派与“新艺术”（Ars Nova） 中世纪盛期，音乐的复杂性迎来爆发式增长。本章将重点分析巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的代表人物，如列奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），及其在定型节奏记谱法上的突破。随后，视角转向十四世纪的“新艺术”，特别是吉约姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）的贡献。我们将探讨这一时期世俗音乐（如圆舞曲和颂歌）如何与宗教音乐并驾齐驱，以及对“等时性”（Isorhythm）结构的精妙运用。 第四章：文艺复兴的曙光——人本主义与复调的成熟 文艺复兴音乐的核心在于对古典精神的回归与人声表现力的追求。本章详述荷兰乐派（Franco-Flemish School）如奥克冈（Ockeghem）和雅各布·德斯普雷斯（Josquin des Prez）如何完善了模仿复调（Imitative Polyphony）技巧。内容涵盖弥撒曲与经文歌（Motet）的结构演变，并探讨印刷术的发明对音乐传播产生的深远影响。我们尤其关注对文本清晰度的重视，以及世俗音乐形式——香颂（Chanson）的蓬勃发展。 --- 第三部分：巴洛克时代的辉煌与结构化叙事 第五章：意大利的创新与歌剧的诞生 本章聚焦于十七世纪初佛罗伦萨卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）对希腊悲剧的“复兴”尝试，以及由此催生的“新乐”（Nuova Musica）。我们将详细分析早期歌剧的特征，如蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中对情感表达的革命性处理。同时，本章也剖析“数字低音”（Basso Continuo）这一巴洛克时期核心实践的运作机制。 第六章：协奏曲、奏鸣曲与对位法的巅峰 巴洛克中晚期，器乐的地位显著提升。本章深入探讨了协奏曲体裁（Concerto Grosso与Solo Concerto）的发展脉络，特别是维瓦尔第（Vivaldi）对快慢快（Fast-Slow-Fast）结构的贡献。核心分析部分留给巴赫（J.S. Bach），重点剖析其晚期对位法作品，如《赋格的艺术》，探讨对位法如何从一种技法演变为一种哲学表达。此外，本章还涵盖了亨德尔（Handel）在清唱剧（Oratorio）领域的成就。 --- 第四部分：古典主义的秩序与浪漫主义的激情 第七章：海顿、莫扎特与奏鸣曲式（Sonata Form）的规范化 十八世纪中后期，音乐追求清晰、平衡与清晰的结构。本章详细解析了维也纳古典乐派如何确立了奏鸣曲式作为器乐作品基本框架的地位。我们将分析海顿（Haydn）在交响曲和弦乐四重奏中的创新，以及莫扎特（Mozart）在旋律的精致性与戏剧张力上的独特成就。钢琴在家庭中的普及对音乐创作的影响亦被纳入讨论范围。 第八章：贝多芬的突破与浪漫主义的滥觞 贝多芬（Beethoven）被视为古典向浪漫过渡的桥梁。本章着重分析他如何通过拓展奏鸣曲式、增加乐章的规模和情感的深度，为后来的浪漫主义运动铺平了道路。随后，本章转向早期浪漫主义的代表人物，如舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）的内敛抒情性，以及舒曼（Schumann）对“幻想曲”式思维的迷恋。 第九章：十九世纪中叶的民族主义、大型化与抒情独白 本章探讨浪漫主义的“高峰期”。首先分析李斯特（Liszt）对“交响诗”（Symphonic Poem）的创制，以及瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）理论及其对歌剧的颠覆。其次，我们将考察肖邦（Chopin）对钢琴媒介的深度探索，以及俄罗斯、捷克等地的民族乐派如何在其音乐中融入本土的民间元素，试图建立区别于德奥传统的音乐身份。 --- 第五部分：二十世纪的断裂与多元探索 第十章：印象派、表现主义与音乐语言的解构 进入二十世纪，音乐界面临着深刻的危机与重塑。本章首先分析德彪西（Debussy）如何通过色彩、模糊性和非传统的和声（如全音阶）来“印象化”音乐。紧接着，我们转向维也纳学派，详述勋伯格（Schoenberg）从“自由无调性”到“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）的激进转变，以及贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）在不同方向上的发展。 第十一章：回归秩序与技术的实验 本章关注二十世纪中叶的几种重要思潮。首先是“新古典主义”（Neoclassicism），以斯特拉文斯基（Stravinsky）为例，探讨其如何借鉴早期音乐形式，但注入现代的节奏冲击力。随后，本书将深入解析“序列主义”（Total Serialism）的严密逻辑，以及德累斯顿（Stockhausen）等人在电子音乐和偶然音乐（Aleatoric Music）领域的前沿探索，标志着西方音乐对“作者意图”和“确定性”的最后一次大规模反思。 --- 结语：历史的循环与未来的可能 本书最后将对贯穿始终的几个核心主题进行总结：即技术（如和声、对位）与观念（如情感、哲学）的辩证关系，以及音乐社会学维度上，艺术音乐与听众之间的距离变化。通过对历史的梳理，我们力图揭示，即便是最激进的变革，也往往根植于对既有传统的深刻理解与再诠释。本书旨在提供一个既有深度又不乏广度的视角，以供读者在面对复杂的音乐遗产时，能够进行独立而审慎的判断。

评分☆☆☆☆☆

当我在书店看到“赵晓生学术著作系列：传统作曲技法”时，立刻被它所吸引。我虽然不是音乐专业的学生，但一直以来对音乐创作的奥秘充满好奇。总觉得那些动人的旋律、精巧的和声是如何被创作出来的，背后一定有着严谨的规则和逻辑。赵晓生教授的名字本身就代表着学术的严谨和深度，而“传统作曲技法”这个主题，更是直接触及了我想要了解的核心。我期待这本书能够像一位循循善诱的老师，带领我从最基础的和声概念开始，逐步理解如何构建一段和谐的乐句，如何运用不同的曲式结构来组织音乐，甚至是如何通过配器来丰富音乐的表现力。我希望书中不仅仅是干巴巴的理论，更能结合大量的经典音乐作品进行分析，让我能够看到理论是如何在实践中被运用的，以及这些技法是如何随着时代的发展而演变的。能够通过阅读这本书，更好地理解那些伟大的作曲家们的创作思路，并提升自己对音乐的鉴赏能力，这将是一件非常令人兴奋的事情。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿到这套“赵晓生学术著作系列：传统作曲技法”的时候，内心是抱着一种朝圣般的心情。我对赵晓生教授在音乐理论领域的声望早有耳闻，他的学术著作在业内一直享有盛誉。而“传统作曲技法”这个副标题，更是精准地击中了我的兴趣点。我一直对古典音乐的创作过程有着强烈的好奇心，总觉得那些伟大的作曲家们是如何将脑海中的乐思转化为流传千古的经典作品的。我预感这本书不会是浅尝辄止的介绍，而会是对西方音乐传统中那些核心的、具有里程碑意义的作曲技法进行深入的、体系化的剖析。我期待能够在这里找到关于和声进行、旋律发展、复调织体、曲式结构等方面的详尽阐释，甚至是对于不同历史时期作曲家在技法运用上的细致比较。我设想，书中会引用大量的音乐范例，通过严谨的分析，揭示作品的内在逻辑和精妙之处，让我能够“听懂”音乐的每一个细节，理解其背后的创作意图。这不仅仅是一本学习作曲的书，更是一次穿越音乐历史的深度旅行，让我能够更全面、更深刻地理解西方古典音乐的魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

这本“赵晓生学术著作系列：传统作曲技法”给我一种沉甸甸的期待感。我并非科班出身，但出于对音乐艺术的热爱，一直希望能更深入地了解音乐的“骨架”和“血肉”。这本书的出现，恰好填补了我在这方面的知识空白。我听说赵晓生教授在音乐理论界是大家，他的著作向来以严谨、深入、体系化著称。而“传统作曲技法”这个主题，更是音乐创作的基石。我猜想，这本书会从最基础的和声原则讲起，逐步深入到复调、曲式、配器等更为复杂的领域。我期待书中能够解答我一直以来的一些困惑，比如为什么某些和弦的连接听起来如此顺畅，又为什么一段旋律会自然而然地发展成一个乐句，甚至是一个乐章。我希望这本书能够提供一套清晰的理论框架，让我能够理解音乐的逻辑性，而不是仅仅停留在感性的层面。我也会期待书中是否会涉及到一些历史发展脉络的梳理，让我们了解这些技法是如何演变和成熟的。总而言之，这本书在我看来，不仅仅是一本学术专著，更是一把打开音乐创作殿堂的金钥匙，对于任何想要探寻音乐本质的爱好者来说，都具有无法估量的价值。

评分☆☆☆☆☆

这套“赵晓生学术著作系列：传统作曲技法”光是名字就散发着一种厚重感和学术气息，让我感到非常期待。我一直觉得，想要真正理解一首音乐作品，除了感性的欣赏，更需要了解其背后所遵循的创作规律和技法。而“传统作曲技法”正是音乐创作的基石，掌握了这些，才能更深入地理解和欣赏音乐。赵晓生教授作为音乐理论界的权威，他的著作必然是严谨且富有深度的。我设想，这本书会系统地梳理西方音乐发展过程中形成的各种核心作曲技法，从基础的和声理论，到复杂的复调写作，再到不同时期、不同风格的曲式结构，都会有详尽的阐释。我尤其期待书中能够通过大量的音乐实例，将抽象的理论具象化，让我能够“看见”音乐是如何被构建起来的。这不仅仅是对音乐理论的系统学习，更是一次对音乐美学和创作智慧的探索。我相信，通过这本书的阅读，我能够提升自己对音乐作品的理解深度，更能发现那些隐藏在音乐表象之下的精妙之处。

评分☆☆☆☆☆

这套“赵晓生学术著作系列：传统作曲技法”光是名字就足够吸引人。作为一名音乐爱好者，我一直对音乐的创作过程充满好奇，尤其是那些看似简单却蕴含深厚功力的古典乐曲，总让我琢磨不透其背后的逻辑。虽然我还没来得及细读，但仅仅是浏览目录和作者的学术背景，我就已经可以预见到这将是一次怎样的音乐探索之旅。赵晓生教授在音乐学领域的深厚造诣和严谨态度是毋庸置疑的，他的学术著作系列，特别是聚焦于“传统作曲技法”这一核心主题，无疑会是一部极其宝贵的财富。我尤其期待书中对和声、对位、曲式等基础但至关重要的作曲要素进行系统性的梳理和讲解。我设想，书中不会是枯燥的理论堆砌，而是会结合大量的音乐实例，将抽象的理论变得生动形象，让像我这样的非科班出身的读者也能窥见作曲大师们的创作智慧。想象一下，通过阅读此书，我或许能开始理解巴赫赋格的精巧结构，莫扎特奏鸣曲的清晰逻辑，或者贝多芬交响曲的宏伟篇章是如何一步步构建起来的。即便我不能亲手创作出同样水平的作品，但至少能以更深邃的目光去欣赏和理解那些流传百世的音乐瑰宝，这本身就是一件非常有意义的事情。

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书不错，主要想学些东西了，就买了，感觉很值！

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可惜我上学时没有拿这书当教材，现在要重新学一遍，经典啊！

评分☆☆☆☆☆

为什么要这样呢？为什么非要这样呢？要求书的评论一定要达到500字才有积分呢？买书的人哪有这么多的时间认真为一本书写上500字的评论呢？尤其是大量买书屯书的人。看评论的人又有几人有耐心看完500字的评论呢？还不如那些言简意赅的评论，写起来简洁，看起来轻松又一目了然。这才是真正有用的东西。

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专业、精辟；很好的教科书。

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赞

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京东就是快，一点也不耽误用。

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很好。。。。。。

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大量阅读，益处无穷！

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很好的一本书