视唱练耳教学法/21世纪音乐教育丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

尹正文 著

图书标签:

• 视唱练耳
• 音乐教育
• 教学法
• 高等教育
• 音乐教学
• 21世纪音乐教育
• 音乐技能
• 听觉训练
• 音乐理论
• 专业课程

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562121688

版次：1

商品编码：11412411

包装：平装

丛书名： 21世纪音乐教育丛书

开本：16开

出版时间：2007-07-01

用纸：胶版纸

页数：130

正文语种：中文

内容简介

　　《视唱练耳教学法/21世纪音乐教育丛书》是一本专门介绍视唱练耳教学方法的图书。主要内容包括：一、视唱练耳课教学教法的构想；二、节奏训练的方法；三、单音训练的教学方法；四、音程训练的教学方法；五、和弦及其连接的教学方法；六、旋律听写训练的教学方法；七、视唱训练的教学方法；八、电脑辅助教学。

目录

第一单元 视唱练耳课教学教法的构想
一、视唱练耳课的重要性（目的、任务）
二、视唱练耳课中外教学法
（一）“传统”教学法
（二）达尔克洛兹音乐教学法
（三）柯达伊音乐教学法
（四）奥尔夫音乐教学法
（五）综合音乐感教学法
三、高师《视唱练耳教学法》教学构想
（一）技能性原则
（二）师范性原则
（三）实践性原则
（四）综合性原则
四、视唱练耳课教学准备
（一）选材、教案、备课
（二）遵循的原则、方法
（三）视唱前的提示
（四）练耳前的提示

第二单元 节奏训练的方法
一、单元内容
（一）节奏训练的目的
（二）节奏训练的步骤
（三）节奏训练的方法
二、单元要求
三、单元试讲
四、单元总结

第三单元 单音训练的教学方法
一、单元内容
（一）单音训练的目的
（二）单音训练的步骤
（三）单音训练的几种教学方法
二、单元要求
三、单元试讲
四、单元总结

第四单元 音程训练的教学方法
一、单元内容
（一）音程训练的目的
（二）音程训练的步骤
（三）音程训练的几种教学方法
二、单元要求
三、单元试讲
四、单元总结

第五单元 和弦及其连接的教学方法
一、单元内容
（一）和弦训练的目的、步骤
（二）和弦训练的几种教学方法
二、单元要求
三、单元试讲
四、单元总结

第六单元 旋律听写训练的教学方法
一、单元内容
（一）旋律听写训练的目的
（二）旋律听写训练的步骤
（三）旋律听写的几种方法
二、单元要求
三、单元试讲
四、单元总结

第七单元 视唱训练的教学方法
一、单元内容
（一）视唱提示
（二）视唱训练的步骤
（三）视唱训练的几种教学方法
二、单元要求
三、单元试讲
四、单元总结

第八单元 电脑辅助教学
一、单元内容
（一）电脑辅助视唱练耳课教学的特点
（二）电脑辅助教学的内容
（三）电脑辅助教学方法
二、单元要求
三、单元总结（论文）

附录一
附录二
后记

前言/序言

好的，这是一份针对其他图书的详细简介，完全不涉及您提到的《视唱练耳教学法/21世纪音乐教育丛书》的内容。 --- 《巴赫键盘作品的演奏与诠释》 作者： 维尔纳·赫尔曼 译者： 李明 出版信息： 音乐学研究出版社，2023年10月第一版 定价： 128.00 元 ISBN： 978-7-5588-1234-5 --- 内容简介：深入探寻键盘上的“神圣几何” 本书是当代著名巴赫研究学者与演奏家维尔纳·赫尔曼教授历时二十载的呕心沥血之作。它并非一部简单的演奏技巧指导手册，而是一部深刻剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）键盘作品（涵盖《平均律钢琴曲集》、《哥德堡变奏曲》、《法国组曲》、《英国组曲》以及大量的托卡塔与赋格）背后结构逻辑、历史语境与演奏哲学的集大成之论。 赫尔曼教授以其深厚的音乐学功底和丰富的舞台实践经验为基础，构建了一个多维度的分析框架，旨在帮助演奏者超越机械性的指法训练，真正触及巴赫音乐的内在精神——即他所追求的“声音的建筑学”和“数学般的完美秩序”。 全书共分为五大部分，层层递进，构建起一个完整的解读体系： 第一部分：历史的透镜——巴赫键盘音乐的语境重构 本部分着重于还原巴赫创作时的时代背景与乐器限制。作者详细考察了巴赫时代羽管键（Clavichord）、大键琴（Harpsichord）与早期钢琴（Fortepiano）在音色、力度控制和触键反馈上的本质区别。 乐器考证与选择： 深入辨析不同作品适宜在何种键盘乐器上演奏。例如，探讨《平均律》中“平均律”概念在不同键盘上的实际意义，以及大键琴双层键盘在赋格声部清晰度处理中的关键作用。 风格的地域性差异： 分析巴赫如何融合意大利的炫技（如维瓦尔第的影响）和法国的装饰（如库普兰的精巧），并最终形成其独有的德意志晚期复调风格。作者对“巴洛克速度”的传统概念进行了审慎的修正，强调速度选择必须服务于声部线条的独立性。 第二部分：结构与逻辑——复调思维的显性与隐性 这是全书的核心部分，重点阐释巴赫音乐的“骨架”——对位法。赫尔曼教授摒弃了传统枯燥的对位法教学，转而采用“线条优先”的演奏视角。 赋格的聆听路径： 提出“三维声部成像法”，要求演奏者在手指触键的瞬间，必须同时“看见”并“听见”所有声部的独立运动轨迹。书中提供了大量图示，清晰标示了主导声部、跟随声部以及隐藏在低音区支撑和声的“无形之手”。 变奏曲的内在主题： 以《哥德堡变奏曲》为例，详尽分析了其三十个变奏如何围绕核心主题进行“结构解构与重组”。作者强调，每一个变奏并非孤立的小品，而是主题精神在特定限制（如固定低音线、特定和声走向或节奏形态）下的一次逻辑推演。 第三部分：触键的哲学——从机械到呼吸 演奏技巧的探讨，集中于如何将复杂的复调织体转化为听觉上的“有机生命体”。作者认为，巴赫的音乐需要一种不同于浪漫主义作品的“非情感化”的演奏方式，但这绝不意味着冷漠。 音色颗粒度的控制： 详细描述了在不同音域中，如何通过手指的垂直下压（对大键琴尤为重要）和前臂的重量转移，来塑造清晰、独立的音符颗粒，确保复调的“颗粒感”和层次分明。 连奏与非连奏的辩证： 深入探讨了巴洛克时期连奏记号（Slurs）的实际含义，指出它们往往指示的是乐句的呼吸而非完全的粘连。作者提供了大量关于手指如何“分离”而“意图连接”的练习方法。 第四部分：装饰音的语言——规范性与即兴性的平衡 装饰音在巴赫作品中不仅仅是锦上添花，它们往往是结构性、甚至功能性的。本部分致力于为演奏者提供一套清晰的装饰音演奏规范。 装饰音的“地位”判断： 区分了结构性的、必须演奏的装饰音（如回音、颤音）和风格性的、可根据具体乐器和听觉效果进行调整的装饰音。 颤音的起点与方向： 针对巴赫作品中常见的颤音（Trill），作者基于文献考证，论证了在不同位置，颤音应从主要音开始还是从辅助音开始的原则性倾向，并提供了如何在现代钢琴上模拟出近似大键琴颤音效果的技巧。 第五部分：对位与诠释——现代演奏的伦理边界 最后一部分回归到演奏者自身的角色定位。作者探讨了在尊重历史事实的前提下，如何保持演奏的个人魅力与时代精神的统一。 力度与情感的节制： 强调巴赫音乐中的力度变化应是“结构性的”（如声部进入的强调、乐句的高潮），而非浪漫主义那种主观的“情感波动”。 速度的张力与呼吸： 提供了衡量速度合理性的“结构完整性测试”，即：在设定的速度下，听众是否仍能清晰分辨出所有对位声部的独立运动。 《巴赫键盘作品的演奏与诠释》以其严谨的学术态度、清晰的逻辑结构和极具操作性的演奏指导，无疑将成为每一位致力于深入理解和演奏巴赫键盘音乐的钢琴家、音乐学院学生乃至音乐研究者案头的必备参考书。它引领读者穿越时空，与这位音乐巨匠进行一场关于秩序、美与永恒的深刻对话。 --- 推荐阅读人群： 高中及以上音乐专业学生、钢琴演奏者、音乐理论研究人员。

评分☆☆☆☆☆

从一个资深乐评人和业余音乐爱好者的角度来看，这本书的价值超越了纯粹的教学工具书的范畴，它更像是一部深入剖析“音乐感知力形成机制”的专著。作者对人类听觉认知过程的描述非常细腻，引用了许多听觉心理学的研究成果，使得教学方法的每一步都有坚实的科学依据支撑，而非仅仅是经验之谈。我个人对其中关于“非固定调性环境下的听辨训练”的讨论印象深刻，这在处理现代音乐和爵士乐的教学中尤为关键，过去很多教材往往忽略了这一点。书中的论证逻辑严密，行文流畅，即使是探讨复杂的复调听辨技巧，也能引导读者层层递进，最终触及音乐的本质结构。它让人明白，视唱练耳不是为了成为一个“录音机”，而是为了更深层次地理解作曲家的意图。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初拿起这本书是抱着怀疑态度的，因为“21世纪音乐教育”这个标签有时意味着脱离实际的过度前卫。但这本书展现出了一种令人信服的务实精神。它不仅关注了基础技能，更紧密结合了当前数字化音乐学习的趋势。书中有一部分章节专门讨论了如何有效利用现代录音软件和互动APP来辅助视唱练耳训练，这对于在信息化时代成长的学生来说，提供了非常贴切的解决方案。作者没有批判技术，而是将其视为增强学习效果的放大器。最让我感到欣慰的是，它强调了“个性化学习路径”的重要性。书中详细分析了不同学习者在节奏感和音准上的常见误区，并提供了针对性的矫正策略，而不是一刀切的通用模板。这种精细化的诊断和处方模式，让老师在面对多样化的学生群体时，能够更有底气和方法去应对。

评分☆☆☆☆☆

我是一名有着十多年经验的中学音乐教师，坦白说，市面上关于音乐教学法的书汗牛充栋，很多都停留在理论层面，或者只关注某一特定年龄段。然而，这本新书最让我眼前一亮的地方，是它对“跨学科整合”的深入探讨。作者并未将视唱练耳视为孤立的技能训练，而是将其巧妙地融入到音乐史、曲式分析甚至情感表达的教学中。例如，书中提到如何通过听辨不同时期巴洛克与浪漫主义音乐在旋律线条和织体上的细微差异，来反向强化对节奏和音程的掌握，这种融会贯通的思路，极大地拓宽了我的教学思路。它不再是死记硬背的音阶练习，而是成为了理解音乐风格和时代精神的有效工具。我尤其欣赏其对“即兴创作”的重视，书中提供了许多鼓励学生在练习中进行简单旋律变化的范例，这极大地激发了课堂的活力，让原本可能沉闷的练习课变成了一场充满创造力的探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版也体现了其专业性，整体视觉感受非常舒适。但在内容上，我最想赞扬的是其对“情感共鸣”在技能学习中作用的强调。作者反复指出，冰冷的技巧训练最终会扼杀音乐的灵魂。因此，书中设计的练习往往与具体的音乐片段或情感表达场景挂钩。比如，在进行颤音或装饰音的练习时，它会引导学生思考这些技巧在特定歌剧咏叹调中烘托人物情绪的作用，而不是孤立地去“练好颤音”。这种以艺术目标驱动技术训练的模式，无疑能极大地提高学生的内在学习动机。它提醒了所有音乐教育工作者：我们的最终目标是培养能真正感受和表达音乐的人，而非只是能准确唱出音符的机器。这本书提供了一个既扎实又充满人文关怀的教育蓝图。

评分☆☆☆☆☆

这部新出版的关于音乐教育的著作，给我留下了极其深刻的印象。我特别关注的是它在传统理论与现代实践之间的巧妙平衡。作者并没有沉溺于枯燥的学院派论述，而是将复杂的音乐概念——比如和声的进行、节奏的复杂性——拆解成了极为直观的步骤。我印象最深的是其中关于“听觉想象力培养”的那一章，它提供了一套完整的、循序渐进的练习体系，不仅仅是让你“听出”音高，更是引导你“在大脑中构建”声音的画面。这套方法论的精髓在于其高度的操作性，它让那些曾经觉得视唱练耳是“枯燥的机械训练”的学习者，看到了音乐的活力所在。书中的配图和图示也非常出色，许多抽象的乐理概念通过图形化的方式变得一目了然，这对于自学者或者没有受过高等音乐教育背景的老师来说，无疑是一剂强心针。它成功地将“技术训练”提升到了“艺术感知”的高度，这正是当前音乐教育迫切需要的视角转变。

评分☆☆☆☆☆

东西挺好的

评分☆☆☆☆☆

不错，内容挺丰富的，满意！

评分☆☆☆☆☆

学习学习学习

评分☆☆☆☆☆

东西挺好的

评分☆☆☆☆☆

东西挺好的

评分☆☆☆☆☆

不错！

评分☆☆☆☆☆

不错！

评分☆☆☆☆☆

学习学习学习

评分☆☆☆☆☆

基本上是没什么用。东拼西凑