节奏训练教程（上） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张浩，张燕，李金华 著

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• 节奏训练
• 音乐教学
• 乐理知识
• 音乐基础
• 节奏感培养
• 音乐练习
• 初学者
• 音乐教材
• 打击乐
• 音乐技能

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806676585

版次：1

商品编码：11704800

包装：平装

开本：16开

出版时间：2004-12-01

用纸：胶版纸

页数：180

内容简介

　　《节奏训练教程（上）》为基础教程，涉及各种基本节奏型组合及简单的休止符，适用于初级阶段的教学及专业院校考前训练；下册为复杂节奏，含有休止、连线及各种复杂的节奏型组合，许多直接采用民间音乐、20世纪以来现代音乐中各种复杂节奏片段进行训练，适用于专业院校对的节奏技能培养。
　　《节奏训练教程》每册均可进行视唱、听写、填空、改错等练习，既有单声部节奏训练，也有多声部的节奏织体练习。在训练中，重视学习过程中的秩序渐进及学生的体会到学习的乐趣，而不是机械枯燥的单纯节奏练习。
　　《节奏训练教程（上）》的一个重要特点是在编排上采用奇数页与偶数页对应的方法，其中奇数页为学生练习的习题，偶数页则为教师使用的教材。这种编排的好处在于方便教与学的互动，同时也不会使师生之间在翻页时产生障碍。

目录

第一部分 以四分音符为一拍的节奏型训练
第一课 基本划分练习1
第二课 基本划分练习2
第三课 附点与后附点划分练习1
第四课 切分划分练习1
第五课 特殊划分练习
第六课 含休止符的练习1
第七课 附点划分练习2
第八课 后附点划分练习2
第九课 切分划分练习2
第十课 切分划分练习3
第十一课 含休止符的练习2
第十二课 含休止符的练习3
第十三课 切分划分练习4
第十四课 含休止符的练习4
第十五课 含休止符的练习5

第二部分 以附点四分音附为一大拍的节奏型训练
第十六课 基本划分练习1
第十七课 附点划分练习1
第十八课 基本划分练习2
第十九课 含休止符的练习1
第二十课 切分划分练习1
第二十一课 基本划分练习3
第二十二课 含休止符的练习2
第二十三课 后附点划分练习1
第二十四课 附点划分练习2
第二十五课 含休止附的练习3
第二十六课 切分划分的练习2
第二十七课 后附点划分练习2
第二十八课 含休止附的练习4
第二十九课 切分划分的练习3
第三十课 特殊划分练习

前言/序言

音乐思维的基石：现代节奏理论与实践深度解析 本书籍旨在为音乐学习者、演奏者以及所有对节奏艺术有浓厚兴趣的人士，提供一套全面、系统且深入的节奏理论框架与实践指导。本书聚焦于音乐节奏的本质、构成要素、历史演变及其在不同音乐风格中的应用，旨在培养读者扎实的内在节奏感和灵活多变的节奏处理能力。 --- 第一部分：节奏的哲学与基础构建 第一章：超越节拍——节奏的本质探究 节奏并非仅仅是时值的排列组合，它是音乐的骨架，是时间的流动与组织。本章将从哲学的角度审视节奏在音乐体验中的核心地位，探讨其与旋律、和声、音色之间的相互作用。我们将深入解析“律动”（Groove）的概念，区分严格的“节拍”（Meter）与流动的“节奏”（Rhythm）之间的微妙差异。内容涵盖： 时间感知的心理学基础： 人脑如何处理和预测时间序列，以及如何培养精准的内部节拍器。 节奏的物理属性： 探究音高、音长、重音（Accent）和休止符（Rest）如何共同构建时间维度上的音乐形态。 节奏的结构层次： 从最小的音符单位到宏观的乐章结构，节奏是如何层层递进、组织起来的。 第二章：核心元素——拍号、时值与复合节拍 本章是构建技术性节奏理解的起点。我们将详尽剖析传统记谱法中用于规范节奏的工具，并着重介绍它们在实际演奏中的灵活运用。 拍号的语法与语义： 详解常见拍号（如2/4, 3/4, 4/4）的结构，并引入不规则拍号（如5/8, 7/8）的计数方法和听觉特征。 时值的精细划分： 系统梳理全音符至三十二分音符的时值关系，重点讲解附点、连音线（Tie）和延音线（Fermata）对节奏连贯性的影响。 复节奏（Polyrhythm）与复合节拍（Compound Meter）的辨析： 区分三拍子组合（如3对2）与六八拍等复合拍号的内在驱动力，教授如何清晰地听辨和执行复杂的交织节奏。 第三章：重音的魔力——力度、强调与律动驱动 重音是赋予节奏生命力的关键要素。本章专注于探讨重音的类型、功能及其对听感的影响，这是从“机械地数拍子”过渡到“有感觉地演奏”的桥梁。 自然重音与人为重音： 分析乐谱中标注的强拍与弱拍，以及演奏者通过力度变化（Dynamics）创造的强调点。 切分音（Syncopation）的机制： 深入剖析切分音如何通过打破预期节拍产生张力与推动感，这是爵士乐、放克（Funk）等现代音乐风格的精髓所在。 节奏的“推”与“拉”（Push and Pull）： 探讨在特定音乐语境中，演奏者如何微妙地偏离精确的节拍点，以达到更具人性化的律动效果。 --- 第二部分：节奏的演化与跨文化实践 第四章：古典音乐中的节奏范式 本章追溯节奏概念在西方古典音乐传统中的发展历程，从巴洛克时期的严谨结构到浪漫主义的自由表达。 巴洛克与古典时期的节奏规范： 分析巴赫赋格中对精确性、对位节奏的极致要求，以及莫扎特、海顿作品中清晰的结构性节奏。 浪漫主义的节奏弹性： 探讨变拍速（Rubato）如何成为表达情感深度的重要工具，以及如何平衡自由速度与整体音乐结构的统一性。 二十世纪的节奏革命： 介绍斯特拉文斯基、巴托克等作曲家如何运用多重节拍和不可预测的节奏模式，打破了传统的周期性结构。 第五章：现代流行音乐的驱动力 从蓝调、摇摆乐到电子舞曲，节奏在二十世纪的转型是音乐史上最引人注目的变化之一。本章将集中解析驱动当代音乐的核心节奏模式。 摇摆乐（Swing）的秘密： 详细解析八分音符的“摇摆”处理方式（如2:1或3:1的比例变化），以及它在爵士乐中的不同流派中的表现差异。 放克（Funk）与切分矩阵： 探讨如何通过密集的切分和休止符构建“凹陷感”的律动，特别是鼓组（Drums）和贝斯（Bass）在制造“锁住感”（Locking In）中的角色。 拉丁与非洲节奏的渗透： 考察如克拉维（Clave）等核心节奏型在古巴音乐、桑巴等风格中的作用，及其如何影响全球流行音乐的编配。 第六章：技术训练：从思维到指尖的转化 本章提供了一套结构化的训练体系，旨在将理论知识转化为可靠的演奏技能。 视奏的节奏模块化训练： 教授如何将复杂的节奏视为一系列可识别的“块状结构”进行快速识别和执行。 节拍器的多维度应用： 不仅仅是跟上节拍，更重要的是学习如何在节拍的“内部”（如在第二拍和第三拍之间）建立参照点，以及如何通过“反向跟拍”（跟随延迟的节拍）来增强节奏控制力。 默唱与身体律动： 强调声音和身体参与对巩固节奏感的重要性，提供如何使用身体（踏脚、拍手）辅助复杂时值的内部化过程。 --- 第三部分：节奏的未来与创造性应用 第七章：电子音乐与数字节奏编程 随着技术的发展，节奏的创作工具发生了根本性的变化。本章探讨计算机和采样技术如何拓展了节奏的可能性边界。 量化（Quantization）的利弊： 分析MIDI编程中对节奏的“完美校准”如何服务于某些风格（如Techno），以及过度量化可能带来的机械化听感。 采样与循环（Loops）： 研究如何通过对现有节奏片段的切割、重组和重新编排，创造出全新的、具有叙事性的节奏结构。 第八章：创造属于你的律动 本书的最终目标是激发读者自身的创造力。本章鼓励学习者将所学知识融会贯通，发展个人独特的节奏语汇。 节奏动机的发展与变形： 如何从一个简单的节奏单元出发，通过拉伸、压缩、替换重音等手法，发展出完整且具有连贯性的节奏乐段。 节奏的叙事性： 探讨节奏如何引导听众的情绪起伏，并教授如何设计节奏的“高潮”与“低谷”，使之成为音乐叙事的一部分。 --- 本书特色： 本书摒弃了枯燥的纯理论灌输，而是采用大量详尽的乐谱示例、音频标记（用于说明听觉效果）和递进式的练习题，确保读者能够同步进行理论学习和实际操作。它不仅是一本“工具书”，更是一部引导您进入音乐时间艺术殿堂的向导。通过系统的学习，您将不再是被动地跟随节拍，而是能主动地塑造时间，驾驭律动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，色彩搭配得非常和谐，特别是主色调的选择，既有力量感又不失优雅，很符合“节奏”这个主题给人的直观感受。拿到手里的时候，厚重感和纸张的质感也让人觉得物有所值，看得出出版社在装帧和印刷上是下足了功夫的。我尤其欣赏的是作者在排版上的用心，字体大小适中，行距和字距都经过精心调整，即使是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。虽然我还没来得及深入研读内容，但仅仅从外在呈现来看，它已经成功地在众多教材中脱颖而出，给人一种专业且值得信赖的感觉。对于一个追求高品质阅读体验的读者来说，这样的第一印象至关重要，它极大地激发了我想要翻开它、探索其中奥秘的欲望。这不仅仅是一本工具书，更像是一件艺术品，摆在书架上也是一道风景。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计中，那种复古又带有一丝现代感的字体选择，让我联想到了古典音乐大师手稿的严谨性，但同时，穿插其中的一些图形元素又显得极其现代和富有动感，形成了一种奇妙的平衡。这种视觉上的张力，恰恰是“节奏”的精髓所在——既要有古典音乐对精准的苛求，又要有现代音乐对自由律动的探索。封面上的抽象线条仿佛就是音符在乐谱上跳跃的轨迹，极具想象空间。如果说内容是书的灵魂，那么这样的外壳就是灵魂的完美载体。它成功地将一种相对抽象的听觉概念，通过视觉语言进行了有效的转译和预热，让读者在动手练习之前，就已经在心理上开始进入“训练”的状态。这种跨媒介的体验设计，我认为是非常高明的。

评分☆☆☆☆☆

从整体的气质上来说，这本书散发出一种沉稳而又充满激情的双重气息。它不像某些速成读物那样浮躁地承诺快速见效，而是用一种近乎于“匠人精神”的态度，来对待节奏的训练。这种内在的严肃性，通过其朴实无华的标题和封面布局传递了出来，没有过多花哨的宣传语，直奔主题，体现了对知识本身的尊重。它让人感觉这不是一本消遣读物，而是一份需要投入时间和精力的严肃课题。这种“正统性”的调性，对于真正想深入学习音乐技术的人来说，是极具吸引力的。它暗示着，这本书将带领你走的，是一条扎实、规范，虽然可能略显漫长，但最终会结出丰硕果实的正道。

评分☆☆☆☆☆

翻开内页，纸张的触感是一种略带哑光的质地，这种选择非常实用，因为它避免了光线直射时可能产生的反光，保障了阅读的舒适度，尤其是在需要对照练习谱例时，这一点体验感提升显著。纸张的厚度也恰到好处，既不会显得过于单薄导致墨迹渗透，也不会过于笨重。更值得称赞的是，书中可能存在的某些图示或标记，在印刷时边缘清晰锐利，没有丝毫的模糊不清，这对于精确把握节奏符号的细微差别至关重要。作为一本强调精确性的教程，印刷质量是决定其专业性的一个重要隐形因素，从目前观察到的效果来看，这本教材在制作工艺上绝对是达到了专业出版物的水准，丝毫没有敷衍了事的感觉。

评分☆☆☆☆☆

初翻这本书的目录，我立刻感受到了编排的逻辑性和层次感。它似乎不是那种简单地把知识点堆砌在一起的教材，而是经过深思熟虑的知识体系构建。从基础的律动概念切入，逐步过渡到复杂的时间划分和速度控制，每一步的推进都显得水到渠成，似乎在引导读者自然而然地进入节奏的世界。这种循序渐进的结构对于初学者来说简直是福音，它消除了初学阶段容易产生的畏难情绪，让人感觉每一步都有迹可循，每一步的提升都是扎实可靠的。我尤其注意到它在章节之间的衔接处理得非常巧妙，前后呼应，形成一个完整的学习闭环，而不是零散的知识点集合。这种系统化的编排方式，让我对后续的学习内容充满了期待，相信它能为我的乐器演奏（或者说是对音乐的理解）打下坚实的根基。

评分☆☆☆☆☆

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很好的教材

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质量不错

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不错，还没看

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书很不错哦，快递速度也很快