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傅雷著 著

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出版社： 江苏凤凰文艺出版社

ISBN：9787539985565

商品编码：11619862154

出版时间：2017-04-01

作  者:傅雷 著 定  价:68 出 版 社:江苏凤凰文艺出版社 出版日期:2017年04月01日 页  数:383 装  帧:平装 ISBN:9787539985565 ●讲
●乔托与阿西西的圣方济各
●单纯而严肃的生命自白
●第二讲
●多那太罗之雕塑
●呼唤灵魂的生命合奏
●第三讲
●波提切利之妩媚
●妩媚且悲怆的心灵颤动
●第四讲
●莱奥纳多·达·芬奇（上）
●《瑶公特》与《之晚餐》
●摄人心魄的爱娇和人间性的热情
●第五讲
●莱奥纳多·达·芬奇（下）人品与学问
●热切的完美主义怪才
●第六讲
●米开朗琪罗（上）西斯廷礼拜堂
●含蕴在人体内的痛与美
●第七讲
●部分目录

内容简介

如果去博物馆只能带一本书，那么就带这一本。《世界美术名作二十讲》典雅易懂，极尽绚丽，用情感而非技术来解读世界名作，能深切感受到作品里细微的情绪色彩，是一本品鉴美术作品的入门之作。每个人都能在这本书中感受到艺术之美，有人通过这本书欣赏世界，有人通过这本书寻找本心。
傅雷先生站在中西文化之间，以他极富个人情趣的艺术领悟，没有断裂和沟痕地一以贯之，授人以美慧而无虚浮之心。每一名作得以与哲学、文学、音乐、历史以及社会、政治、经济融会贯通，以这个高度分析作品，讲得引人人胜。在图片完整的基础上，结合傅雷讲解顺序，并增添“附录-名画列表”，便于读者在阅读时进行画作信息的索引。并在本书很后做了一个图解拉页，内容全面且有趣。
傅雷 著 傅雷：1908年4月7日-1966年9月3日，中国有名的翻译家、作家、教育家、美术评论家，中国民主促进会（民进）的重要之一。早年留学法国巴黎大学。他翻译了大量的法文作品，其中包括巴尔扎克、罗曼·罗兰、伏尔泰等名家著作。20世纪60年代初，傅雷因在翻译巴尔扎克作品方面的很好贡献，被法国巴尔扎克研究会吸收为会员。其有两子傅聪、傅敏，傅聪为世界范围内享有盛誉的钢琴家，傅敏为英语教师。傅雷先生为人坦荡，禀性刚毅，“”之初即受迫害，于1966年9月3日凌晨，与夫人朱梅馥双双愤而离世，悲壮地走完了一生。代表作：《傅雷家书》《约翰·克里斯朵夫》，巨人三传（《贝多芬传》《米开朗琪罗传》《托尔斯泰传》，巴尔扎克等

世界美术名作二十讲（彩色典藏版） 深入艺术殿堂，领略人类文明的瑰宝 图书简介： 《世界美术名作二十讲（彩色典藏版）》并非一部简单的艺术史教科书，而是一次精心策划、深度导览的艺术之旅。本书旨在以清晰的脉络和丰富的图例，带领读者穿越时空，领略自史前壁画至现当代艺术浪潮中，那些定义了人类审美与精神追求的标志性杰作。我们相信，艺术的价值不仅在于其视觉的冲击力，更在于其背后蕴含的文化语境、哲学思考以及对人性的深刻洞察。 结构与内容精要： 本书采用“讲”的形式，将浩瀚的美术史浓缩为二十个关键的、具有里程碑意义的专题，确保了知识的系统性和可读性。 第一部：文明的曙光与古典的奠基（第1讲至第5讲） 这一部分着重探讨艺术如何作为早期文明记录与宗教表达的载体。 第1讲：史前洞穴壁画与早期符号的秘密 我们将从拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）的洞穴壁画入手，探讨人类最早的视觉表达——狩猎场景、动物形象的象征意义，以及这些早期符号如何预示了后世艺术的叙事功能。 第2讲：古埃及的永恒与仪式之美 聚焦于金字塔、神庙的宏伟建筑，以及法老雕塑和壁画中严格的“正面律”。深入解析古埃及艺术如何服务于来世信仰与神权统治，探讨其高度程式化的美学体系。 第3讲：美索不达米亚的权杖与楔形文字的印记 考察苏美尔、阿卡德、巴比伦等文明的印章、浮雕（如《汉谟拉比法典》石碑），理解早期城市文明中权力、战争与宗教在视觉艺术中的投射。 第4讲：古希腊的理性、比例与理想化人体 这是西方艺术的基石。本讲细致剖析古希腊雕塑（从古拙到古典盛期，再到希腊化时期）中对“黄金比例”的追求，阐释“人是万物的尺度”这一哲学思想如何体现在和谐、健美的艺术形象中。重点分析帕特农神庙及其雕塑群的建筑美学。 第5讲：古罗马的工程、肖像与现实主义 对比希腊的理想主义，深入探讨罗马艺术对现实主义的偏爱，尤其体现在其强大的肖像艺术（胸像）和纪念性建筑（如万神殿、罗马斗兽场）上。分析罗马艺术如何成为帝国宣传的工具。 第二部：信仰的辉煌与人文的觉醒（第6讲至第10讲） 这一阶段的艺术，围绕基督教的兴起和中古的黑暗与光明，以及随后文艺复兴带来的思想解放。 第6讲：早期基督教与拜占庭的圣像艺术 探讨基督教合法化后，艺术风格的转变。重点解析拜占庭马赛克（如圣索菲亚大教堂）中，那种平面化、程式化、充满神圣光芒的“非人世间”的美学特征，以及圣像画（Icon）的宗教功能。 第7讲：罗马式与哥特式：光影下的信仰追寻 将中世纪的建筑艺术并置对比。罗马式建筑的厚重、坚固，象征着教会的权威；而哥特式大教堂（如巴黎圣母院）则以其尖拱、飞扶壁和绚烂的花窗玻璃，展现了对天堂光明的极致向往。 第8讲：文艺复兴的黎明：早期佛罗伦萨的理性复兴 聚焦乔托、马萨乔等先驱，探讨透视法、解剖学和古典人文精神的回归。解析艺术如何从服务于神，转向赞美人类自身的潜能。 第9讲：盛期文艺复兴：三巨头的巅峰成就 本书的重中之重，详尽分析达·芬奇（科学与艺术的结合）、米开朗基罗（人体的悲剧性力量）和拉斐尔（和谐与完美的化身）的代表作，探讨他们如何将文艺复兴的理想推向顶峰。 第10讲：北方文艺复兴与宗教改革的回响 考察尼德兰和德国的艺术特色，如范·艾克家族的油画技法革新，以及杜勒（Dürer）和勃鲁盖尔（Bruegel）对世俗生活、风俗场景和人性弱点的细腻描摹。 第三部：风格的演变与视觉的革命（第11讲至第15讲） 从巴洛克的戏剧性到启蒙运动的理性回归，再到浪漫主义的情感爆发。 第11讲：巴洛克：运动、激情与光影的戏剧性 分析卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对比法”（Tenebrism）带来的视觉冲击，以及贝尼尼（Bernini）雕塑中捕捉到的瞬间永恒。探讨巴洛克艺术在天主教会反宗教改革中的作用。 第12讲：洛可可与新古典主义：享乐与秩序的拉锯 对比洛可可的精致、柔媚与感性（如华托），与新古典主义对古罗马理想的回归（如大卫），揭示十八世纪欧洲社会审美取向的剧烈波动。 第13讲：浪漫主义：情感的洪水与个体的解放 重点剖析浪漫主义对理性主义的反叛。德拉克洛瓦的色彩激情、戈雅的社会批判，以及透纳对自然宏伟力量的捕捉，体现了对主观感受的极度推崇。 第14讲：现实主义的目光：直面工业时代的真实 考察库尔贝（Courbet）和米勒（Millet）如何将画笔转向劳动者和普通人的生活，拒绝理想化，追求艺术的社会责任。 第15讲：印象派：捕捉瞬间的光影与色彩 深入分析莫奈、雷诺阿等艺术家如何突破画室的限制，将目光投向户外的光线变化，以及他们对“可感世界”的瞬间记录如何彻底改变了绘画的本体。 第四部：现代性的探索与艺术的多元宇宙（第16讲至第20讲） 进入二十世纪，艺术彻底解放，形式本身成为探讨的主题。 第16讲：后印象派：结构、色彩与情感的提炼 解析塞尚（结构）、梵高（情感色彩）和高更（象征意义）如何各自从印象派中汲取养分，但又导向了不同的现代艺术方向。 第17讲：野兽派与表现主义：色彩与情感的极限张力 探讨马蒂斯（Matisse）对色彩纯粹性的解放，以及德国表现主义（如基希纳、蒙克）对现代都市异化和心理焦虑的尖锐表达。 第18讲：立体主义与未来主义：多重视角与速度的颂歌 重点解析毕加索和布拉克如何通过“分解与重组”的几何手法，打破传统单点透视，以及未来主义对机器时代和运动的狂热赞美。 第19讲：达达主义、超现实主义与抽象艺术的诞生 考察一战后艺术界对理性文明的彻底幻灭，杜尚的“现成品”对“艺术品”定义的挑战，以及达利、马格里特对潜意识世界的探索。同时，梳理康定斯基、蒙德里安等如何走向纯粹的非具象表达。 第20讲：波普艺术与后现代的边界消融 聚焦安迪·沃霍尔（Andy Warhol）对大众文化符号的挪用，以及抽象表现主义（如波洛克）对创作过程的强调。总结现代艺术如何最终走向多元、解构与对既有艺术史的反思。 特色与价值： 彩色典藏品质： 全书采用高精度色彩印刷，确保对原作色彩、笔触细节的忠实呈现，尤其对于色彩大师如提香、莫奈、马蒂斯的作品，具有极高的视觉参考价值。 专家视角导读： 每一讲的分析都超越了简单的“是什么”，深入探讨了“为什么”——即艺术家所处的历史背景、社会思潮以及他们对后世产生的深远影响。 系统性与趣味性兼顾： 结构清晰，适合系统学习；叙述生动，避免了学术术语的堆砌，即便是艺术初学者也能轻松进入殿堂，感受艺术的魅力。 本书是艺术爱好者、设计专业人士、历史研究者以及所有渴望提升人文素养的读者，案头不可或缺的珍贵艺术指南。它不仅是视觉的盛宴，更是思想的启迪。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上关于艺术史的画册汗牛充栋，很多要么是内容过于肤浅，要么就是为了追求厚度而牺牲了深度。然而，这本画册在“精”与“广”之间找到了一个近乎完美的平衡点。它收录的作品兼具了历史重要性和艺术感染力，没有那种为了凑数而放入的平庸之作。更难得的是，它的选材似乎经过了深思熟虑，不仅包含了那些在教科书上翻烂了的杰作，还巧妙地穿插了一些在特定时期具有突破性意义但知名度稍逊的作品。这让我的阅读体验充满了一种“寻宝”的惊喜感。它成功地做到了在不造成阅读疲劳的前提下，构建了一个相对完整且引人入胜的艺术景观，是那种可以反复翻阅，每次都能发现新亮点的艺术伴侣。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，艺术欣赏最难跨越的门槛就是理解作品背后的时代语境和哲学思考，而这本书在这方面的解读，简直是化繁为简的高手。它不是那种堆砌专业术语的学术著作，而是用一种非常平易近人且充满激情的笔触，为我们构建了一个个生动的历史场景。读到关于印象派的章节时，作者对莫奈捕捉光影瞬间的描绘，仿佛带着我们走进了夏日花园里，亲身感受了那种“可逝性”的美。更让我感到惊喜的是，它并没有仅仅停留在对“美”的赞叹上，而是深入挖掘了艺术家在创作过程中所遭遇的挑战、社会对他们作品的抵触，以及他们如何用画笔反抗既有的审美标准。这种叙事方式，让冷冰冰的艺术品瞬间拥有了温度和故事性，极大地激发了我去进一步探索相关历史背景的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑方式非常具有现代感，它成功地将严肃的美学探讨与现代读者的阅读习惯结合了起来。我尤其欣赏其中穿插的那些“细节特写”部分。很多时候，一幅名作我们都耳熟能详，但往往会忽略掉角落里一个被点亮的烛火，或者人物衣褶上极其细微的反光。这本书通过高倍放大的局部图，强制性地引导我们的目光去审视这些常被忽略的细节。通过观察这些细节，我开始理解画家是如何通过极小的笔触来完成整体氛围的营造的。这种“由微观见宏观”的阅读体验，彻底改变了我以往“远观”名作的习惯，让我体会到艺术鉴赏原来也可以是一场精细入微的侦探游戏。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，拿到手里就有一种沉甸甸的质感。纸张的选取非常考究，那种微微泛着哑光的质感，配合着高清的印刷技术，使得每一幅作品的色彩都得到了最大程度的还原。尤其是那些文艺复兴时期的油画，颜料的厚度和笔触的肌理感，即便是隔着纸面，也能清晰地触摸到画家创作时的心绪。我特别欣赏编辑团队在版式设计上的用心，他们没有采用那种密密麻麻地堆砌图片的做法，而是给了每一幅名作足够的“呼吸”空间，让观者可以专注地沉浸在每一幅作品的细节之中。比如伦勃朗那幅著名的自画像，光影的处理简直是教科书级别的，纸张的细腻度很好地捕捉到了那种深邃的层次感。相较于过去那些印刷粗糙、色彩失真的艺术画册，这本书的视觉体验无疑是顶级的享受，光是翻阅的过程，本身就是一次对美的熏陶。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的艺术爱好者，我最看重的是画册的实用性和启发性。这本书的结构安排非常合理，从古典主义到现代艺术的脉络清晰可见，就像是为我定制的一条探索西方艺术史的捷径。最让我受益匪浅的是它对于不同流派之间“对话”的阐述。例如，当讲到后印象派对早期印象派的反思时，作者没有生硬地划分界限，而是巧妙地展示了梵高和塞尚是如何在继承前人观察的基础上，开始探索“主观情感”和“结构重塑”的。这种对比性的解读，极大地拓宽了我对艺术演进规律的认知。我甚至会时不时地停下来，拿起纸笔，尝试模仿书中所展示的某些构图或用色方式，这种从“被动接受”到“主动模仿”的转变，是这本书带给我最宝贵的收获。