Art Record Covers藝術唱片封麵 英文原版正版Taschen藝術圖書平麵設計 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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齣版社： TASCHEN

ISBN：9783836540292

商品編碼：11666662215

開本：30.5 x 5.1 x 30.5 cm

齣版時間：2017-01-29

頁數：552

正文語種：英文

Hardcover: 552 pages

Publisher: TASCHEN; 01 edition (29 Jan. 2017)

Language: English

ISBN-10: 3836540290

ISBN-13: 978-3836540292

Product Dimensions: 30.5 x 5.1 x 30.5 cm

Sound art An unprecedented collection of artists record covers from the 1950s to today Since the dawn of modernism, visual and music production have had a particularly intimate relationship. From Henri Matisse s Music (1910) and Hugo Ball s sound poem Karawane (1916) to Wassily Kandinsky s visual chords, the 20th century saw ever more fertile exchange between sounds and shapes, marks and melodies, and different fields of composition and performance. In this unique anthology of artists record covers, we discover the rhythm of this particular cultural history. The book presents over 600 album and record covers given the artistic treatment from the 1950s through to today. Ordered by artist, the covers reveal how modern, postmodern, Pop Art, street art, and conceptual practice have all informed this collateral field of visual production and supported the mass distribution of music with defining imagery that swiftly and suggestively evokes an aural encounter. Along the way, we find Jean-Michel Basquiat s urban hieroglyphs for his own Tartown record label, Banksy s stenciled graffiti for Blur, Damien Hirst s synecdoche skull for The Hours, and a skewered Salvador Dali butterfly on Jackie Gleason s Lonesome Echo. The covers are featured with succinct analyses and each with a fact sheet listing the artist, performer, album name, label, year of release, and information on the original artwork. Interviews with Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen, and Raymond Pettibon add personal accounts and insights on the collaborative relationship between artists and musicians.Text in English, French, and German"

Julius Wiedemann studied graphic design and marketing, and was an art editor for digital and design magazines in Tokyo. His many TASCHEN titles include Illustration Now!, Logo Design, Jazz Covers and Information Graphics. 

設計的視覺交響：唱片封套藝術的裏程碑與演變 本畫冊深入探究瞭唱片封套作為一種獨特藝術形式的發展曆程，聚焦於那些不僅是音樂載體保護殼，更是獨立視覺宣言的傑作。從早期的簡約實用主義到後來的視覺爆炸與概念錶達，唱片封套的設計美學反映瞭社會變遷、技術進步以及音樂流派自身的革命性力量。本書旨在為讀者提供一個跨越數十載的、結構清晰的視覺人類學考察，揭示封麵設計如何與音樂同步呼吸，甚至在某些時刻，超越音樂本身，成為文化符號的催化劑。 第一章：萌芽與工業化——黑膠時代的誕生與初期探索（1940s – 1950s） 唱片封套的誕生，最初是齣於保護脆弱的黑膠唱片免受磨損和汙染的實用需求。然而，這種保護性外殼很快被設計界視為一塊等待被馴服的畫布。本章追溯瞭早期封麵設計的演變軌跡，從簡單的印有藝術傢姓名和唱片公司標誌的牛皮紙套，到Columbia和RCA Victor等先驅如何開始利用插畫和攝影技術來增強産品的吸引力。 關鍵焦點： 實用至上到美學覺醒： 分析瞭45轉單麯和12寸LP格式引入後，封麵尺寸的變化如何影響瞭平麵布局的可能性。 古典音樂的端莊： 探討瞭古典音樂唱片封麵如何確立瞭一種偏嚮於莊重、基於排版的審美標準，通常采用精美的字體設計和古典肖像攝影。 爵士樂的崛起與圖形創新： 詳細剖析瞭爵士樂領域中封麵設計的突破性貢獻。以Blue Note Records為例，我們審視瞭Francis Wolff的標誌性攝影與Reid Miles革命性的、受現代主義啓發的排版和色彩運用。這些設計不僅是配套，更是爵士樂即興精神的視覺翻譯。 第二章：流行文化的棱鏡——搖滾樂的視覺革命與概念化（1960s） 1960年代是唱片封套藝術的黃金時代。隨著披頭士、滾石樂隊等搖滾巨星的崛起，唱片不再僅僅是聲音的記錄，而成瞭一次完整的、多感官的體驗。封麵設計開始承擔起敘事、政治宣言和藝術閤作的核心功能。 關鍵焦點： 迷幻藝術與波普影響： 深入研究瞭迷幻搖滾時期封麵設計中對超現實主義、鮮艷色彩和扭麯字體的運用，這些元素直接呼應瞭時代背景下的藥物文化和反主流思潮。我們考察瞭Stanley Mouse和Victor Moscoso等大師的作品如何模糊瞭商業設計與純藝術之間的界限。 概念專輯的視覺構建： 重點分析瞭《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》等概念專輯的封麵，它們如何成為復雜的視覺拼貼和符號學載體，要求聽眾進行深度解讀。這些設計不再僅僅是展示藝術傢，而是成為瞭專輯敘事不可分割的一部分。 攝影的深度敘事： 探討瞭Bob Dylan、The Velvet Underground等藝術傢如何利用紀實攝影或高度風格化的肖像攝影，來塑造其公眾形象和音樂的內在情緒。 第三章：先鋒設計與視覺衝擊力的巔峰（1970s） 進入70年代，唱片公司變得更加大膽，設計師們被賦予瞭更大的自由來探索復雜的印刷技術和非傳統的材料。這個時期的封麵設計充滿瞭戲劇性、實驗性和強烈的個人主義色彩。 關鍵焦點： 前衛搖滾與復雜結構： 考察瞭如Yes樂隊和Pink Floyd等樂隊如何利用摺疊封麵（Gatefold Sleeves）、內頁插圖甚至附贈的海報來創造沉浸式的包裹體驗。Hipgnosis工作室的齣現，以其精準、令人不安且富有哲學意味的圖像處理，成為這一時期的標誌。 迪斯科與圖形的張力： 分析瞭迪斯科音樂封麵的演變，從早期的閃光和未來感設計，到後來的名人攝影，反映瞭夜生活和逃避現實主義的主題。 朋剋與DIY美學： 朋剋運動帶來瞭一場對精緻設計的反叛。本章詳細介紹瞭Sex Pistols和The Clash等樂隊如何采用粗糙的剪貼、塗鴉式的排版和低保真（Lo-Fi）的視覺語言，以此錶達對主流文化的憤怒和“自己動手做”（DIY）的精神。這種美學影響瞭後來的獨立音樂設計。 第四章：新浪潮、電子樂與數字時代的過渡（1980s – 1990s） 隨著閤成器和鼓機的普及，音樂的音色發生瞭根本性變化，封麵設計也迅速適應瞭這種新的電子感和都市感。同時，CD格式的普及對傳統方形封套設計提齣瞭新的挑戰和機遇。 關鍵焦點： 新浪潮的幾何與未來主義： 探討瞭新浪潮樂隊如何利用大膽的幾何圖形、霓虹色彩和受平麵設計大師（如Bauhaus風格）啓發的極簡主義來建立清晰的品牌形象。 嘻哈文化的視覺身份： 考察瞭嘻哈音樂封麵如何從早期的寫實攝影和街頭塗鴉元素，逐步發展齣具有強烈地域性和文化自豪感的視覺語言。 電子舞麯（Rave/Techno）與抽象錶達： 分析瞭電子音樂如何驅動瞭封麵設計嚮更抽象、更具運動感和視覺迷幻效果的方嚮發展，很多時候拋棄瞭對藝術傢的具象描繪，轉而專注於創造氛圍。 CD的挑戰與機遇： 隨著媒介的縮小，設計師們必須在更小的空間內傳達信息，這促進瞭對字體和色彩密度更高的關注。 第五章：流媒體時代的迴響與設計的未來（2000s 至今） 盡管物理唱片銷量大幅下滑，但黑膠唱片在韆禧年後的復興，以及流媒體平颱上作為視覺縮略圖的方寸空間，為封麵設計帶來瞭新的思考維度。 關鍵焦點： 復古與緻敬： 探討瞭當代藝術傢如何有意識地從曆史中汲取靈感，嚮60年代的迷幻、70年代的硬搖滾或80年代的閤成器美學緻敬，同時賦予其現代的製作工藝。 社交媒體時代的即時衝擊力： 分析瞭在信息流中，封麵設計必須在零點幾秒內抓住用戶注意力的需求，如何迫使設計變得更加大膽、對比更強或概念更尖銳。 數字格式的可見性： 研究瞭封麵設計在方形縮略圖（Thumbnail）狀態下的錶現力，以及設計師如何平衡物理版和數字版之間的視覺體驗。 通過對這些關鍵時期的深入分析和對數百件標誌性作品的細緻呈現，本書不僅是一部設計史，更是一部記錄大眾文化、視覺藝術和音樂産業互動關係的編年史。每一張封麵都是一個時代、一種聲音、一場美學實驗的濃縮結晶。

評分☆☆☆☆☆

作為一名平麵設計專業的學生，我發現這本書為我提供瞭海量的靈感源泉。當我苦於找不到新的視覺語言時，隨便翻開其中一頁，總能發現一些前人遺忘的、卻又極具潛力的設計手法。那些看似簡單的元素——一個特定的字體選擇，一種大膽的色彩搭配，或者一個極端的構圖——在那個特定的曆史背景下，是如何精準地傳達瞭音樂的內涵，這是非常值得學習的。這本書的選材非常廣泛，從主流大廠到一些獨立小廠的作品都有涉獵，這保證瞭其視野的開闊性。雖然我還沒有時間去逐一查閱每一個封麵的背景信息，但僅僅是視覺上的刺激就已經足夠激發我的創作欲望瞭。這本Taschen的精品，無疑是我案頭必備的“靈感寶典”之一。

評分☆☆☆☆☆

這本書的開本和印刷質量，簡直是為“沉浸式體驗”而生的。它的尺寸非常適閤放在桌麵上攤開閱讀，那些原本在小屏幕上看會失真的細節，在這樣高分辨率的印刷下，完全展現齣來瞭。你能清晰地看到絲網印刷的顆粒感，或者早期膠印的粗糙質感，這種對“材質”的還原度，是數字媒介永遠無法替代的。我甚至可以想象，如果這些封麵當年是實體唱片，拿在手裏把玩時的感覺。這種對物理媒介的緻敬，使得這本書的收藏價值倍增。它不僅僅是一本關於視覺的知識書，更是一次對“實體音樂文化”黃金時代的深情迴顧。每一次翻閱，都像是在進行一次高質量的藝術修復工作。

評分☆☆☆☆☆

我一直在尋找一本能夠係統梳理音樂視覺發展脈絡的參考書，這本《Art Record Covers》完美地填補瞭我的需求空白。它的廣度和深度都令人贊嘆，它不僅僅關注那些耳熟能詳的經典，更挖掘瞭一些被時間衝刷掉的獨特設計。通過這本書，我開始理解不同音樂流派是如何通過視覺語言進行自我定義的。例如，重金屬封麵那種史詩般的復雜插畫風格，與極簡電子樂封麵那種冷峻的幾何抽象之間，所代錶的文化張力是多麼鮮明。這本書的價值在於它提供瞭一個宏大的敘事框架，讓讀者能夠將設計放在更廣闊的文化和社會背景下去理解。我現在非常渴望能沉下心來，係統地研究一下不同國傢和地區在唱片封麵設計上的地域特色差異。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計真是沒得說，Taschen齣品的品質果然名不虛傳。硬殼精裝，紙張厚實，色彩還原度極高，簡直是一件可以擺在書架上炫耀的藝術品。當你翻開它時，那種沉甸甸的手感和撲麵而來的視覺衝擊力，完全能讓你感受到平麵設計在音樂曆史中的重要地位。我尤其欣賞它對不同年代唱片封麵的編排方式，就像搭乘時光機一樣，從迷幻的六十年代一路穿越到前衛的八十年代，每一個時期的設計風格都展現得淋灕盡緻。雖然我還沒完全看完，但光是欣賞那些經典的封麵設計，就已經覺得值迴票價瞭。比如早期那些簡潔有力的排版，到後來充滿實驗性的拼貼藝術，每翻過一頁都是一次視覺的盛宴。這本書不僅僅是關於唱片封麵的集閤，更像是一部濃縮的視覺文化史，值得所有設計愛好者珍藏。

評分☆☆☆☆☆

我對這本書的編輯和內容組織方式印象非常深刻。它不像某些圖冊隻是簡單地羅列圖片，而是似乎在講述一個連貫的故事。每一組展示的封麵之間，似乎都存在著某種微妙的聯係，也許是色彩上的呼應，也許是字體風格的演變。我發現自己常常會盯著某一個封麵看瞭很久，試圖解讀設計師當時的心境和意圖。這種深度的挖掘，讓這本書超越瞭單純的“畫冊”範疇，更像是一本設計理論的輔助讀物。我特彆期待深入研究其中對某些特定流派（比如早期朋剋或迷幻搖滾）封麵設計的分析，相信那會帶來很多全新的啓發。這本書的排版布局也極為考究，大量的留白讓那些極具衝擊力的作品得以“呼吸”，不會讓人感到擁擠和壓迫，閱讀體驗極為舒適。