古典建筑与雕塑装饰艺术 第2卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[奥] 理格耐特（A.Raguenet） 著

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• 建筑史
• 雕塑艺术
• 西方艺术
• 艺术设计
• 建筑装饰
• 雕塑装饰

出版社： 江苏凤凰科学技术出版社

ISBN：9787553754543

版次：1

商品编码：11827198

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

页数：400

正文语种：中文

编辑推荐

　　古典艺术分门别类，但却皆闪耀着人类智慧的光芒。其中建筑与雕塑这两个重要的分支在人类文明的发展历史中，相互辉映，紧密联系。在不同的政治、宗教、地域以及文化的影响下，构成了世界文明艺术中独特而耀眼的篇章。古典建筑与雕塑最早追溯到尼罗河畔的建筑浮雕，从古埃及到古希腊，再到法国路易王朝，以及整个欧洲文艺复兴时期，其艺术的魅力不仅影响了十几个世纪人们的审美修为，其实用价值更是深入到整个欧亚大陆的街头巷陌——屋檐、壁饰、外墙建筑以及室内装饰。直至今日，这些古典的建筑与雕塑也对现代人的生活和艺术水平起着不可磨灭的影响。现代的很多种艺术形式，包括绘画、雕塑以及建筑和室内装饰无不受到古典风格与流派的影响，在此基础上才得到发展和延伸。古代建筑大师和雕塑家的作品是人类文明发展历史上无价的瑰宝。

内容简介

　　本套汇编丛书《古典建筑与雕塑装饰艺术》是欧洲建筑师及雕塑家Raguenet历经长达十多年的时间游历欧洲等多个国家和地区，精心挑选并编纂的一套古典建筑与雕塑手绘图片资料合集。收录了从公元10世纪以前至20世纪初的不同风格国家和地区的建筑雕塑作品，介绍了埃及、印度、希腊以及欧洲大陆其他国家不同时期的建筑雕塑风格。内容详尽，分类详细，从宏大的城堡、闻名的雕塑作品，到窗饰、门柱等细节的内部装饰。这些画作大都出自各个时代著名的建筑师和雕塑家，绘画精美，表现力丰富，真实记录了20世纪以前大量珍贵而杰出的艺术作品。本套汇编按照不同种类的英文名称首字母顺序排列，内容丰富，可以说是古典建筑雕塑艺术的百科辞典，为当代建筑师、设计师、雕塑家甚至考古学家提供了极具价值的参考资料。

　　本书是本套汇编丛书的第2卷，收集了千张古典建筑与雕塑艺术珍贵的手绘资料，详细分类包括了领洗池、栅门、柱基、圣水缸、纹章、边饰、叶饰、凸肚窗、梁托、桥梁、牛眼窗以及半身像。

作者简介

　　A.Raguenet，是19世纪末20世纪初欧洲著名的建筑师、画家及雕塑家。他多年游历于欧亚大陆很多国家，研究古典建筑的风格和特色。实地写生的同时，也收集大量的手绘资料。同时A.Raguenet也是当时欧洲著名的雕塑家、画家。

内页插图

精彩书评

　　★建筑师必定是伟大的雕塑家和画家，如果他不是雕塑家和画家，他只能算个建造者。

　　——贝聿铭

　　★所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。

　　——罗丹

目录

领洗池

栅门

柱基

圣水缸

纹章

边饰

叶饰

凸肚窗

梁托

桥梁

牛眼窗

半身像

前言/序言

　　序言

　　从起源至今，建筑雕塑的发展历程可以大体分为三个阶段：

　　1. 宗教风格；

　　2. 自然主义雕塑风格；

　　3. 现实主义雕塑风格。

　　第一种雕塑风格——宗教风格有几种主要的雕塑样式，并从中生化出变化无穷的风格，其艺术灵感来源于那些历史悠久的东方文明：埃及文明和印度文明。

　　宗教风格的雕刻手法看起来完美无缺，但它的艺术创造性却经常被无法摆脱的狭隘思想所包围、禁锢，往往沦为模式化的复制。

　　建筑一旦丧失了创造性，便缺少了触动心灵的力量，注定不会拥有持久的生命力。

　　第二种雕塑风格——自然主义雕塑风格应归属于希腊艺术的范畴。希腊人很早就开始探索和研究大自然，并尝试着表达他们对大自然的印象。可以说希腊人在古埃及的宗教风格中注入了大自然的灵气和精髓。

　　在法国，早期的雕刻作品水平还比较低，只能算是对外国建筑的粗略模仿、对古罗马建筑的简单复制。

　　直到11世纪，在拜占庭艺术和高卢罗马艺术的影响下，法国建筑雕塑艺术开始觉醒。

　　12世纪中期，法国建筑雕塑艺术才真正自成一体，克吕尼（Cluny）在其中发挥了举足轻重的作用。这一时期的建筑尽管依然尚未完全摆脱拜占庭艺术的影子，但其自我意识已经越来越明确，取得了长足的进步。雕刻的素材不再局限于传统因素，而是开始从大自然中汲取灵感，雕刻技艺也取得了重大发展。

　　随着13世纪的到来，法国雕塑艺术达到了前所未有的高峰。艺术家们自觉地从大自然中获取创作灵感，而不再原班照抄外国既有的雕塑风格。这一时期出现了植物装饰图案，各种本土植物激发了艺术家们的创作潜力。

　　14世纪，法国出现了现实主义雕塑风格。这一时期的植物装饰图案几乎看不出人工雕琢的痕迹，活灵活现，巧夺天工，仿佛是雕刻师信手摘下直接安放在石头上一样。

　　15世纪，建筑雕刻技艺本身看起来完美无缺，但构图样式开始矫揉造作，日渐繁芜。

　　随着16世纪的到来，法国进入了文艺复兴时期。这是属于意大利花叶饰风格的建筑时代，也是属于锯齿状叶饰的时代，花叶饰的枝条极其纤巧，这样的雕塑风格集中体现在弗朗索瓦一世时期的都兰地区。

　　在亨利二世时期，沉重的几何元素占据了主导地位。

　　17世纪，也就是路易十三时期，建筑雕塑的特点是艺术形式夸张而烦冗，这一时期是锯齿状装饰艺术的统治时期。

　　路易十四时期，建筑物上的雕塑出现了复古样式的图案。在路易十四统治初期，雕刻样式稍显凝滞，但到了末期，雕刻样式开始灵动起来，变得越来越优美，为路易十五时期的风格转变埋下了伏笔。

　　18世纪，雕塑艺术的发展可以分为两个完全不同的时期。第一个时期的特点是雕刻线条柔美顺和、蜿蜒玲珑，这个时期被称为“洛可可风格”时期或“岩石风格”时期，但这段追求极致的风格只持续了很短的时间。不久之后，复古风潮再度兴起，为人们带来了源源不断的创作灵感。到了路易十六时期——准确地说，自路易十五时期就已开始——艺术风格日趋优雅完美、收放有度而饶有品位。路易十六时期的装饰性雕刻，其精美程度足以与文艺复兴时期的花叶饰相媲美。

　　到了拿破仑帝国时期，虽然建筑水平越发完善，但艺术的创造力趋于贫乏，灵感枯竭，一直在复制罗马时期的古建筑，几乎没有任何新的艺术表现力。

　　从拿破仑帝国时期至今，没有再出现新的雕刻形式。但艺术家们为创造出一种完全不同于以往的风格而殚精竭虑，做了大量值得称道的努力。

　　如今，艺术家们重新回到大自然中，不断寻找新的植物装饰图案。或许他们并没能创造出全新的现代艺术形式，但从某种程度上来说，他们的工作体现了充分的创造性和品味。从另一角度来看，路易十六时期的雕塑风格在当前的复苏，让我们似乎看到了希望——现在的努力都不会白费，我们会在未来见证雕刻艺术的复兴。

　　***

　　下面让我们谈谈这套汇编集录。没有任何同类作品能够与本套丛书丰富而全面的文献相匹敌。这套集录不仅涵盖了法国雕塑一路走来的重要艺术家的作品，还包含了其他国家不同时期的大约14 000幅图样，为建筑师、雕刻师、装饰工作者以及考古学者提供了珍贵的资料。

　　本套丛书以字母顺序排列，检索更为方便。想要查阅关于柱头、梁托、檐口、檐壁、雕像等装饰艺术的文献，打开本套丛书即可坐拥这一切。该“词典”可以非常便捷地让您查找到所需要的内容，不同时期、不同国家的大量作品会一一呈现在您眼前。

　　辑录本套丛书的目的是希望它能够为艺术家所用，为其研究工作提供便利，使其无须花费巨大代价即可拥有丰富而实用的素材。这便是我们一以贯之的追求。

好的，这是一本关于其他主题的图书简介，旨在避免提及《古典建筑与雕塑装饰艺术 第2卷》中的内容，并力求详细、自然。 《工业革命时代的蒸汽动力与社会变迁：18世纪中叶至19世纪末的工业图景》 内容简介 本书深入剖析了工业革命这一人类历史上最深刻的社会与技术转型期，重点聚焦于蒸汽动力的技术革新、其在不同工业部门的广泛应用，以及由此引发的全球性经济结构重塑与社会阶层深刻变动。本书不仅是一部技术史的论述，更是一部社会学和经济史的综合研究，旨在全面呈现18世纪中叶至19世纪末，蒸汽机如何从一个机械装置演变为驱动整个文明前行的核心引擎。 第一部分：蒸汽技术的萌芽与成熟（1750-1830） 本部分追溯了蒸汽动力的早期发展历程。从纽科门（Newcomen）的低效大气蒸汽机在矿井排水中的初步应用，到詹姆斯·瓦特（James Watt）对冷凝器原理的革命性改进，以及随后的高压蒸汽机的诞生，我们将详细考察这些关键性技术突破背后的科学原理与工程实践。 技术演进的细节： 早期泵水机的局限性： 分析了18世纪上半叶蒸汽机在能源效率上的瓶颈，以及其应用范围主要局限于煤矿的现实。 瓦特的系统性创新： 重点阐述了独立冷凝器、双作用汽缸以及行星齿轮等设计如何显著提高了蒸汽机的热效率和适用性，使其能够应用于纺织、冶金等需要连续、稳定动力的行业。 高压与便携化： 探讨了理查德·特里维西克（Richard Trevithick）在高压蒸汽机研发上的贡献，以及这种小型化、高功率密度的机器如何为铁路运输奠定了技术基础。 本部分亦将考察早期工厂选址的变化——从依赖水力转向可以自由布局于靠近煤田或新兴城市中心。 第二部分：蒸汽动力驱动下的工业部门革命 蒸汽机的普及并非同步发生，而是对不同工业部门产生了差异化的影响。本书详述了蒸汽机如何重塑了四大核心工业支柱：纺织业、冶金业、采矿业和运输业。 纺织业的集约化： 蒸汽动力使得工厂不再受制于河流，能够大规模集中生产。我们分析了珍妮纺纱机、走锭纺纱机与动力织布机在蒸汽驱动下产能的爆炸式增长，以及这如何导致了手工织工阶层的衰落。 冶金与材料科学的飞跃： 焦炭冶铁技术与蒸汽鼓风机的结合，使得钢铁产量大幅增加。蒸汽驱动的轧钢机和锻锤取代了传统的水力机械，为大规模基础设施建设提供了廉价且坚固的原材料。 采矿业的深化： 蒸汽抽水机允许矿井开采至更深的层次，而蒸汽动力的通风系统则改善了地下作业环境，直接推动了煤炭产量的飞速攀升，为整个工业体系提供了基础能源。 第三部分：重塑地理与时间的运输革命 本书用大量篇幅讨论了蒸汽机在交通运输领域的应用，这被认为是工业革命中最具视觉冲击力和社会影响力的部分。 铁路的诞生与扩张： 详尽描述了乔治·斯蒂芬森（George Stephenson）及其“火箭号”蒸汽机车的里程碑意义。本书考察了铁路网络的构建过程，包括轨道标准的制定、信号系统的发展，以及铁路如何在数十年内将区域市场连接成一个统一的国内市场。对铁路沿线城镇的兴衰、土地利用模式的改变进行了细致的地理分析。 蒸汽船的全球化影响： 从最初的划桨辅助船到完全依靠蒸汽动力的远洋轮船，本书分析了蒸汽船如何缩短了跨洋航程，极大地促进了国际贸易，并对全球殖民体系和地缘政治产生了深远影响。 第四部分：蒸汽时代下的社会结构与工人生活 技术进步的阴影是深刻的社会转型。本部分将视角转向工厂与城市，探讨蒸汽驱动的生产模式如何改变了人类的劳动与生活。 工厂制度的形成与规训： 机器的节奏取代了季节与日照的限制，时间被“表”所统治。本书分析了工厂纪律、童工的使用、以及劳动者对机器的异化感。 城市化的洪流与环境代价： 大量涌入工业中心的劳动力导致了前所未有的城市拥挤、卫生危机与社会隔离。我们将审视早期工业城市（如曼彻斯特、伯明翰）的社会生态，以及由此催生的早期社会改革思潮。 阶级关系的重构： 工业资产阶级（资本家）和工业无产阶级（工人阶级）的对立与互动成为时代的主题。本书探讨了工会运动的兴起、早期的社会主义思潮如何将对生产资料的控制作为解决社会不公的核心路径。 结论：蒸汽时代的遗产与向电气时代的过渡 本书最后总结了蒸汽动力在约一百五十年间对全球经济增长模式、能源消耗、城市形态以及社会意识形态所留下的不可磨灭的印记。同时，它也预示了19世纪末期，内燃机和电力技术的出现，标志着“蒸汽时代”的黄昏，为下一轮工业革命的浪潮做好了铺垫。 本书旨在为读者提供一个多维度的、深入的工业革命全景图，展示技术、经济与社会力量是如何相互作用，共同雕刻出现代世界的雏形。

评分☆☆☆☆☆

我对艺术史的涉猎不算浅，市面上关于古代艺术的图册看了不少，但很少有能像这本书一样，将不同地域、不同时期的建筑风格进行如此深入且富有逻辑的对比分析。它没有停留在对“美”的空泛赞美，而是深入到材料的选择、结构力学的运用以及社会阶层对艺术赞助的影响等多个层面进行剖析。比如，它对比了古希腊帕特农神庙的黄金分割与古罗马万神殿的宏大穹顶结构，不仅仅是尺寸上的差异，更是背后哲学思想和工程技术的演进脉络。阅读这部分内容时，我甚至感到有些烧脑，因为它要求读者必须调动起对几何学和结构学的基本认知，才能真正理解为何特定的装饰手法会在特定时期成为主流。作者的笔锋犀利而精准，没有丝毫的拖泥带水，每深入一层，都能发现一个新的认知层次被打开，这种智力上的挑战感，恰恰是我在阅读其他导览式读物时所缺失的宝贵体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实引人注目，厚重的封面带着一丝历史的沉淀感，初次上手就给人一种“干货满满”的期待。我本来以为它会像许多同类书籍一样，堆砌着大量的历史年份和枯燥的学术名词，但翻开之后，那种细致入微的图版和清晰的线条勾勒，立刻抓住了我的眼球。尤其是对那些宏伟的建筑细节，比如科林斯柱式上涡卷的精准角度、山花墙上的浮雕层次感，作者似乎倾注了极大的心血去捕捉和还原。我记得有一章专门讲文艺复兴时期雕塑家是如何利用光影变化来赋予大理石生命力的，那段文字描述得极富画面感，仿佛能透过纸张闻到石料打磨后的清新气息。虽然我不是专业人士，但阅读过程中，那种对于美学和工艺的极致追求，还是深深地震撼了我。它不只是在记录，更像是在引导读者进行一次穿越时空的鉴赏之旅，让我开始重新审视那些看似熟悉的古典元素背后所蕴含的深厚文化底蕴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和字体选择，也体现出一种低调的奢华感。在很多关于古代艺术的出版物中，为了追求所谓的“复古感”，常常会使用一些难以辨认的老式字体或者过于昏暗的印刷色调，阅读体验极差。但这本书不同，它在保持古典韵味的同时，完美地平衡了可读性和艺术性。大开本的篇幅让那些复杂的建筑剖面图得以充分舒展，每一个细节都清晰可见，这对于想要临摹或者深入研究结构的人来说，简直是福音。更值得称赞的是，作者在阐述那些复杂的希腊神话主题雕塑时，并没有采用生硬的文献翻译，而是用非常现代、流畅的语言去解释神话内核与雕塑姿态之间的张力，使得即便是初次接触这些典故的读者，也能迅速领会其中的情感表达和象征意义。这是一种非常成功的跨界沟通。

评分☆☆☆☆☆

这本书的索引和注释系统做得非常详尽，这一点对于一个有长期学习计划的读者来说至关重要。很多艺术史书籍的参考文献往往是敷衍了事，读者想进一步查证某个细节的出处或深入了解某个学者的观点时，往往会功亏一篑。然而，这本书的每一章末尾都附有严谨的注释群，标注了引用的原始文献、相似馆藏的编号，甚至连某些争议性结论的来源都标注得一清二楚。这表明作者在撰写过程中进行了极其扎实的研究工作，而不是简单的资料整合。我甚至花了不少时间去追踪书中提及的几位十九世纪的法国艺术理论家，通过这些指引，我的知识地图得到了极大的扩展，感觉自己像是获得了一份高级的艺术研究“导航图”，为我接下来的深度学习铺平了道路。

评分☆☆☆☆☆

读完一半时，我发现这本书的叙事视角非常独特，它似乎并不局限于某个单一的“权威”观点，而是引入了许多不同学派的解读，尤其是在对晚期巴洛克装饰的评价上，作者呈现了极其多元的视角。我注意到书中有一段对意大利巴洛克室内装饰的描述，它没有直接称赞其奢华，反而着重分析了这种繁复背后所反映出的宗教与政治的紧张关系，以及它如何试图通过视觉冲击力来重新确立权威。这种批判性的眼光让整本书的厚度倍增，不再是简单的“美物陈列集”。我个人尤其欣赏这种“去浪漫化”的学术态度，它迫使我跳出“古典即完美”的固有印象，转而去思考这些艺术形式诞生的社会土壤。这种深层次的反思，远超出了我购买此书时对一本“装饰艺术”书籍的最低期望。