2016中国传统色彩理论研讨会论文集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中国艺术研究院美术研究所 编

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• 中国传统色彩
• 色彩理论
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• 艺术设计
• 色彩研究
• 论文集

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503962103

版次：1

商品编码：12110038

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

页数：381

字数：400000

正文语种：中文

内容简介

　　《2016中国传统色彩理论研讨会论文集》是由中国艺术研究院美术研究所汇编的二十多位相关领域的专家学者关于中国传统色彩理论研究的论文集，他们从自己研究的领域和方向对中国传统色彩进行了系统性的论述。其内容涵盖色彩史论、颜色词、纺织印染、民间色彩、器物色彩、服饰色彩、色彩颜料及现代色彩运用等方面，按照传统色彩基本问题、色彩词、染织与服饰色彩、卷轴画与壁画色彩、现代色彩应用及其他等方面来进行论述，是中国传统色彩理论**性思想的汇集。

目录

试论传统中国色彩之“象”与“意”的关系
中华五色系统概说
《考工记》“设色之工”研究回顾与思考
中国色彩系统观念建构的一种——间色的转换
中国传统中的黑表现
“黄”考
跨语言视角下的汉语“青”类词
浅析宋词中的颜色词“青”
北魏御黄——《齐民要术》河东染御黄法的初步研究
刘一品东方服饰色彩的标示作用分析
中国传统服饰色彩的几个基本问题
中国传统染色与色名色谱文化
先秦丝绸染色研究——兼论古文献在色彩研究中的运用
唐代襦裙色彩研究
青绿山水画的哲学基础与衰落原因探微
汉墓壁画色彩组配样式初探
唐代敦煌艺术所用植物色研究
论西方色彩艺术背景下的中国现代绘画探新
在高等设计教育中导入色彩文化的教改新探索
中国传统色彩语言与现代应用探研
藏族唐卡中的勉唐画派、噶玛嘎孜画派色彩研究

精彩书摘

　　《2016中国传统色彩理论研讨会论文集》：
　　按照一般公认的理论，今天世界上存在三大人种，欧罗巴人种皮肤为白色、蒙古人种皮肤为黄色、尼格罗人种皮肤则为黑色。其中，蒙古人种约占全球人口的41%，主要分布在东亚、东南亚、西伯利亚和美洲，东方着装者主要是蒙古人种。如果将三大人种的肤色区别再扩充和划分详细一点的话，可以分为五种，即红（北美印第安人）、黄（蒙古人）、白（欧罗巴人）、棕（中东阿拉伯人）和黑（尼格罗人）。由于血统混杂以后表现在肤色上的混血生理现象比较明显且特殊，所以很难将肤色按人种划分得一清二楚。关于肤色划分的另一种理论是，除了黑、黄、白三大人种以外，澳洲土著人、巴布亚人和布依克因人为褐种人；美洲人和大洋洲人为红种人；阿卡人为黑褐种人；爱斯基摩人为黄褐种人；阿伊努人和韦达人为白褐种人等。当然，尽管这种划分方法比较详细、具体，但仍然无法概括出全人类的肤色种类。
　　这是因为，灵长类高级动物肤色的划分是一个由自然环境多样性和生物遗传基因决定的复杂认知问题，远不像对纯粹的绘画颜料的划分一般容易。所谓白种人、黄种人、黑种人，绝不等同于颜料中的乳白、正黄与乌黑。肤色中的白、黄、黑只能说明是一种反映在皮肤差异中的色彩倾向。就全球各种肤色相比较而言，侧重或说偏向于白、黄、黑等。因为，实际上白色人种的皮肤色是偏于浅粉红色的白；黄则是偏淡褐色的黄；黑有两种倾向，一是偏向于深褐色，二是偏向于青莲与褐色的混合，即冷褐色。可以这样说，人们无意识地将某些具有特征的身体表象上的色彩标记或倾向，与各种色彩相互结合，从而得出某种印象，后来索性成为人种的代称。混血儿在皮肤上呈现的色彩也不同于调色板上的调色结果，如黑白混血儿的肤色不是灰的，而是红棕的；黄白混血儿的肤色也不是浅黄，有的是白，有的是黄。混血儿的肤色大多是浓淡程度不同的各种褐色，其原因就在于白种人和黑种人的肤色本来就不是纯白和纯黑，而是总有些黄或褐的渐变倾向。
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《丝绸之路上的千年回响：敦煌壁画色彩语言的流变与审美研究》 图书简介 本书聚焦于敦煌莫高窟这座人类艺术宝库中，那令人心驰神往的色彩世界。我们试图剥开历史的尘埃，深入探究敦煌壁画自十六国时期肇始，历经北朝、隋唐、五代、宋西夏乃至元代长达千年的演变过程中，其色彩语言所呈现出的独特规律、审美取向及其深层的文化意涵。本书并非对壁画内容进行简单的图像罗列，而是旨在以色彩学、符号学和艺术史学的多维视角，系统梳理和解析壁画色彩的物质基础、技术发展、风格转换及其所承载的宗教思想与世俗审美变迁。 第一部分：物质基础与技术革新——敦煌色彩的“在地性” 本书首先将目光投向敦煌壁画所依赖的物质载体。敦煌地处河西走廊的枢纽地带，其色彩原料的来源、制备技术与中原及域外地区的交流息息相关。 1. 矿物颜料的地理来源与淘选工艺： 我们详尽考证了壁画中朱砂、铅丹、石青、石绿、孔雀石等主要无机颜料的矿物产地。通过对不同历史时期颜料色相稳定性的分析，揭示了丝绸之路上颜料贸易的脉络。例如，唐代盛期的上乘石青多源自遥远的西域，而北朝时期则更多依赖本土及河西走廊的石材。详细描述了古法研磨、浸泡、提纯的复杂工艺，以及这些“在地化”的技术如何制约和塑造了早期的色调。 2. 有机颜料的局限与妙用： 对靛蓝、胭脂红、藤黄等有机颜料的运用进行了深入探讨。有机颜料易于褪变，但其温润的色泽和调和性在渲染局部和表现肌肤质感方面具有无可替代的优势。我们比对了不同朝代对有机颜料的取舍，以及匠师们为保证色彩持久性所采取的固定技术（如使用胶液、蛋清等媒材）。 3. 底稿与基底对色彩表现力的影响： 敦煌壁画的底层处理（砑光、敷铅粉或石灰）直接决定了上层矿物颜料的“显色度”。研究了唐代厚涂罩染技术出现后，对颜料颗粒粗细的特殊要求，以及这种技术转变如何推动了色彩表现由平面化向立体感的迈进。 第二部分：色彩的符号系统——宗教教义与世俗意象的交织 敦煌艺术的核心驱动力源自佛教的传播与本土化。本书认为，壁画中的色彩并非单纯的装饰，而是构建了一套高度程式化和富有象征意义的视觉语言系统。 1. 佛陀与菩萨的“法定”色相： 阐释了佛教经典中对佛、菩萨、罗汉着装色彩的规定（如“金色身”、“宝色衣”）。探讨了“金色”在壁画中的应用，不仅是地位的象征，更是对“光明圆满”这一核心教义的视觉转译。分析了唐代“重彩”风格中，如何通过冷暖色调的对比和过渡来塑造神圣空间的深度与威严感。 2. 密宗与净土宗对色彩叙事的影响： 隋唐之际，随着密宗的传入，色彩的象征意义变得更加复杂和精微。例如，对五方佛的五种主色的布局、曼陀罗图案中色彩的层级关系，均体现了系统化的宇宙观。在净土变中，对水、莲花、琉璃地的描绘，则展现了对极乐世界物质性描写的偏爱，色彩趋于明亮、饱和。 3. 世俗化的色彩语境： 随着佛教艺术的“中国化”，色彩开始吸纳本土审美。飞天、供养人画像中的服饰色彩，明显受到了唐代宫廷时尚的影响，如对“石榴裙”的深红、对“石绿”的偏爱等。这种世俗色彩的介入，使得敦煌的宗教叙事在视觉上更具亲和力。 第三部分：千年流变中的审美转向——从北朝的古拙到盛唐的雍容 本书的核心在于梳理敦煌壁画色彩风格随时代更迭而发生的系统性变化。 1. 北朝时期的“线描主导”与色彩的克制： 在十六国和北魏时期，受犍陀罗艺术影响，壁画强调骨法用笔。色彩多以平涂为主，色域相对单一，矿物颜料的原始质感较为突出，整体色调趋于沉稳、厚重，反映出初传佛教的肃穆感。我们关注了“晕染法”在西魏的初步运用，它是色彩从平面化向立体化过渡的早期尝试。 2. 隋代的过渡与色彩的“提炼”： 隋代是承上启下的关键期。色彩技法上，晕染的运用更加成熟，特别是对人物面部和衣褶的处理，开始注重色阶的细微变化，为唐代的繁盛奠定了基础。 3. 盛唐的辉煌与色彩的“饱和与和谐”： 唐代是敦煌艺术的黄金时代。色彩运用达到了前所未有的饱和度与表现力。大量使用富含金属光泽的矿物颜料，如铅丹和石青，使得画面气势磅礴，富丽堂皇。我们重点分析了唐代“三色晕染法”的成熟，即通过多层叠加实现色彩的透明度和光影效果，使得服饰的质感和人物的立体感达到了巅峰。盛唐色彩的审美倾向是“和谐中的对比”——在强烈的对比中追求整体的庄重与华美。 4. 中晚唐至宋元时期的“内敛与程式化”： 安史之乱后，壁画的色彩趋于内敛，浓烈的对比减少，色相转为柔和、灰调增加。到五代、宋西夏时期，部分洞窟出现笔触趋细、色彩过渡趋于程式化、调性偏向“淡雅”的倾向，这与中原地区的院体画风格有一定关联，也反映了敦煌在政治碎片化时期的艺术转向。元代壁画则受到藏传佛教曼荼罗色彩体系的显著影响，色彩的构图逻辑和装饰性增强。 第四部分：色彩的对比与互补——构图美学中的光影构建 本书最后论述了色彩在敦煌壁画整体构图中的作用，超越了单一色彩的意义，探讨其作为结构元素的功能。 1. 冷暖对比在空间营造中的作用： 敦煌匠师通过大面积的冷色调（如天空、背景山石）与局部暖色调（如佛光、人物面部）的强烈对比，成功地在二维平面上创造出景深感和神圣氛围。这种对比并非生硬的并置，而是通过中间调色彩的巧妙过渡来实现。 2. 对比色在叙事张力中的应用： 详细分析了壁画中常用的补色关系（如红与绿、黄与紫），这些强烈的对比色常被用于突出主要神祇或关键情节，以增强视觉冲击力和叙事焦点。 3. 气氛的渲染： 探讨了不同时期“环境色”的运用。例如，早期的壁画中，底色常略偏暖黄，烘托出古朴的氛围；而盛唐时期，则倾向于使用明亮的白色或淡蓝作为基调，以衬托高饱和度的彩绘，营造出一种“光明遍照”的视觉感受。 结语 《丝绸之路上的千年回响》力求通过对敦煌壁画色彩语言的细致剖析，揭示其作为跨文化交流载体的复杂性。敦煌的色彩，是印度佛教的庄严、中原审美的精致、西域异域风情的斑斓，以及河西走廊独特地质条件的共同熔铸。本书旨在为艺术史学、材料科学及敦煌学研究提供一个以色彩为核心的全新观察框架。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术性是毋庸置疑的，但其可读性远超出了我的预期。我最初拿到这本书时，担心它会陷入纯粹的色彩数值的泥潭，毕竟“理论研讨会论文集”这个标题听起来就让人头大。然而，它巧妙地平衡了理论的深度与表达的清晰度。其中几篇关于特定节日或礼仪场合用色的研究，简直像一部微缩的社会史。例如，书中对“青”色在不同朝代礼服中的象征意义演变的梳理，清晰地揭示了政治权力如何渗透和重塑审美标准。我尤其喜欢那些作者尝试“复原”古代色彩工艺的段落，他们不仅仅停留在“什么颜色”的层面，更深入到“如何得到这种颜色”的艰辛过程——从矿石的采集、研磨到与特定媒介的结合，这让读者对色彩的“珍贵性”有了更直观的认识。这使得我对传统服饰、建筑乃至民间艺术的欣赏水平都有了质的提升。现在我看待一块古砖上的斑驳苔绿，不再觉得它只是褪色，而是能联想到其背后可能蕴含的某种时代密码。这本书就像一把钥匙，开启了通往一个更丰富、更有层次感的视觉世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本论文集的过程，与其说是学习知识，不如说是一次精神上的“浸润”。我欣赏作者们那种对“本源”的执着探寻，他们似乎总是在试图回到色彩被赋予文化意义的那个初始时刻。书中关于古代文人士大夫对自然色彩的命名艺术的讨论，让我深感震撼。那些富有诗意的名字，如“霁青”、“妃色”、“藕荷色”，本身就蕴含着一种审美情趣和生活哲学，它们远比现代的RGB或CMYK代码更具生命力。这本书的语言风格在学术的严谨性中，偶尔会闪现出一种文人的浪漫情怀，尤其是在描述那些失传或难以复原的古老颜料时，那种惋惜与珍视之情跃然纸上。我尝试着将书中的一些概念应用于现代的家居装饰和视觉传达中，发现那些被传统色彩体系浸润过的设计，总能带给人一种不易察觉的安定感和高级感。总而言之，这本书不是一本工具书，它更像是一本“审美教科书”，它教我们如何用“中国人的眼睛”去看待世界，去理解色彩背后的深层文化逻辑，是一次非常值得的智力与心灵之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的启发，在于它如何处理“变”与“不变”的关系。中国传统色彩理论并非铁板一块，它随着朝代的更迭、地域的差异以及思想的演变而不断地流动和重塑。这本书的优秀之处在于，它没有试图建立一个僵化的“标准色谱”，而是展现了一种动态的、充满生命力的色彩哲学体系。不同作者在不同篇章中，从不同角度切入，有的侧重于哲学思辨，有的则着眼于考古发现，这种多视角的碰撞，使得整体论述更加立体和富有张力。我特别留意了其中对比唐代和明代色彩偏好的几篇文章，唐代的奔放热烈与明代的内敛素雅，仅仅通过色彩的饱和度和对比度就能清晰地勾勒出当时社会思潮的转向。对我个人而言，从事设计工作多年，我们常常被西方的色彩心理学所主导，而这本书就像是一剂清醒剂，让我重新审视东方审美体系中那种含蓄、意境化的色彩处理方式。它教会我，最好的设计往往不是“添加”了多少鲜艳的颜色，而是学会了如何“留白”，如何让颜色在沉默中诉说更深远的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计本身就透露出一种沉静而富有历史感的基调，那种墨绿与朱红的交织，让人立刻联想到古代的典籍和精美的宋代瓷器。我最初接触到这本书，是因为我对中国古代的哲学思想在审美上的投射特别感兴趣。我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术著作，充满了生僻的术语和繁复的论证，但翻开后发现，作者们似乎在努力搭建一座桥梁，试图将那些深藏于古人生活图景中的色彩智慧，重新呈现在现代读者的面前。阅读过程中，我尤其被其中关于“五行相生相克”与特定颜色关联的讨论所吸引。那种将自然现象、人文精神与视觉感知融为一体的思考方式，远超出了单纯的色彩学范畴，它更像是一种对中国传统世界观的深度解码。比如，书中对“玄”色的解析，不再仅仅停留在视觉上的深黑，而是延展到了宇宙的起源和君王仪轨的象征意义，这种跨学科的融合，极大地拓宽了我的认知边界。虽然有些篇章的论证过程略显繁琐，需要反复咀嚼才能完全领会其精髓，但那种探寻古人精神世界的满足感是无与伦比的。它不是一本用来快速翻阅的书，而是需要静下心来，带着敬意去“品读”的文献。我甚至会时不时地合上书本，走到窗前，仔细观察此时此刻光线下万物的颜色，试图在日常生活中捕捉到那些被我们忽略的“传统之光”。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我来说，更像是一份关于“时间味道”的档案，它记录的不是转瞬即逝的时尚潮流，而是沉淀在中华文明肌理深处的视觉记忆。我一直好奇，为何有些特定的颜色组合，仅仅一眼，就能让人产生一种穿越时空的庄重感或愉悦感。这本书恰好提供了深入探究的线索。我特别欣赏其中对宋代文人画色彩运用的分析，那份淡雅、内敛的“宋韵”是如何通过对水墨和矿物颜料的微妙控制来实现的。书中引用了大量历史文献中的描述，将那些难以量化的审美体验，用一种近乎科学的方式进行了梳理和归类，这使得我们这些非专业人士也能窥见其堂奥。我不得不说，这本书的编排逻辑非常严谨，它没有采用线性叙事，而是像一个精妙的园林，每篇文章都是一个独立的景观亭，但当你走完全部路径后，会发现它们共同指向了那个关于“天人合一”的审美核心。阅读过程中，我最大的感受是，我们今天对色彩的理解，往往被工业化生产的标准化色卡所束缚，而这本书则提醒我们，真正的色彩魅力在于其背后的文化语境和手工制作的不可复制性。每读完一个章节，我都会立刻想去查阅相关的文物图片，那种理论与实物相互印证的阅读体验，构成了这本书最迷人的部分。