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周俊杰 著

图书标签:

• 书法
• 书法艺术
• 美学
• 艺术形式
• 中国书法
• 传统文化
• 艺术史
• 审美
• 书论
• 艺术鉴赏

出版社： 河南美术出版社

ISBN：9787540138059

版次：1

商品编码：12159927

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-06-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　《书法艺术形式的美学描述》主要是以美学的基本原理、主客观关系为基础、审美为轴心，研究书法的艺术性质和规律。它不同于一般艺术理论，侧重从实践的角度阐述书法艺术创作规律、与社会、生活的关系；它所研究的许多问题的高度是哲学问题，但又有别于纯思辩的哲学，可以说是从审美角度具体化了的哲学问题。它从实际出发，从美感入手，对物态化了的一定的时代审美心灵结构、即对审美意识、审美理想、审美趣味、审美感受进行研究。

目录

序
周俊杰与当代书法美学学科建构 ／姜寿田
书法艺术——主体精神手稿
一、书法艺术的表现对象
二、书法艺术与主体精神
三、作为符号的文字与主体精神
四、主体精神源于主体的社会实践
书法艺术形式的美学描述
一、在强烈的个性表现中显示出普遍性
二、非逻辑思维与理性的统一
三、强烈的表现功能
四、抽象的审美形式
五、表现的模糊性
美的追问——论书法欣赏
书法欣赏的意义
书法欣赏的主客体关系
书法欣赏的特点
书法欣赏是多种心理要素的综合运动过程
书法欣赏的方法
书法艺术内容的欣赏
书法艺术形式的欣赏
蔷薇一束

翰墨丹青：中国传统绘画的意境与技法 本书聚焦于中国传统绘画的深邃历史脉络、独特的哲学思想基础及其精湛的艺术表现手法，旨在为读者构建一个全面而立体的认知框架。 --- 第一部分：溯源与哲思——笔墨的文化基因 第一章：远古的图腾与先秦的萌芽 中国绘画的历史如同黄河之水，源远流长。本章将追溯至新石器时代的岩画与陶器纹饰，探讨早期人类对自然万物的朴素描摹如何孕育了东方审美的雏形。重点解析良渚文化玉器上的神人兽面纹，及其所蕴含的原始宗教观与宇宙观。随后，我们将深入春秋战国时期，通过对帛画和漆器图案的研究，阐述“物象”如何逐渐向“意象”转化的早期探索，特别是道家思想（如“道法自然”、“无为而治”）如何在潜移默化中，为后世的写意精神奠定了哲学基石。 第二章：魏晋风度的精神肖像 魏晋南北朝是中国文化史上一次剧烈的思想碰撞与艺术觉醒的时期。本章将详细论述玄学（特别是老庄思想的复兴）如何催生了士人阶层对个体精神自由的追求，并将其投射到绘画领域。我们将重点剖析顾恺之“传神写照”的核心理论——“以形写神”，分析其在人物画领域的革命性意义。通过对《洛神赋图》等存世作品（或摹本）的细致解读，探讨线条的力度、韵律与人物内在气质的契合，揭示“气韵生动”作为早期美学范畴的初步建构过程。 第三章：盛唐气象与宇宙情怀 唐代国力强盛，文化兼容并蓄，绘画艺术达到了一个辉煌的阶段。本章将探讨佛教艺术（如敦煌壁画）对中国绘画的影响，特别是密宗曼荼罗所体现的空间观念与装饰性图案如何丰富了绘画的语言。随后，重点聚焦山水画的早期发展。李思训父子的“青绿山水”代表了对理想化、规范化自然景观的描绘，体现了唐人开阔的胸襟和对宏大叙事的偏爱。本章还会分析吴道子“吴带当风”的线条表现力，及其对后世用笔规范的影响。 第四章：五代两宋：山水画的成熟与范式确立 宋代是中国文人精神与世俗生活高度融合的时代，绘画迎来了技术与理论的巅峰。本章将系统梳理五代十国时期荆浩、关仝对北方山水的雄浑开创，以及董源、巨然对江南“平远”景致的温润描绘。随后，我们将深入探讨宋代山水画的理论高峰——“可行、可望、可游、可居”。重点分析范宽《溪山行旅图》所展现的“高远法”的极致，以及郭熙《早春图》中对光影、气候和生命力的捕捉，揭示山水画如何从纯粹的纪实转向成为画家寄托人生哲思的载体。 --- 第二部分：笔墨技法与流派分野 第五章：用笔的哲学：线条的“骨法用笔”与墨法的演变 本章着重探讨中国画最核心的物质基础——笔墨的运用。我们将从“六法”中的“骨法用笔”入手，阐述线条在勾勒形体、表现质感、传递情绪方面的多重功能。内容涵盖中锋、侧锋、渴笔、润笔等基本技法的规范与变化。同时，本章将梳理墨法的发展史，从唐代较为单一的墨色，过渡到宋代对“焦、浓、重、淡、清”五墨的精妙运用，特别是文同对墨竹的创新，如何将墨的晕化层次提升到表现物象内在生命力的层面。 第六章：写意与工笔：两种视角的对立统一 中国画的两大基本画科——工笔与写意，构成了其艺术表现的张力。本章将详细对比分析这两种技法的特点。工笔画（如白描、界画）强调对客观对象的精确还原、细致入微的刻画和装饰性的色彩运用，以唐代周昉、宋代赵佶为代表。而写意画则以宋代文同、苏轼为发端，强调“不求形似，但求神似”，注重笔墨的即时性和情感的直接抒发。本章旨在阐明，写意并非不讲究技巧，而是将技巧内化为表现“意境”的工具，两者在宋元之后逐渐走向相互渗透、取长补短的融合之路。 第七章：文人画的兴起与士人精神的抒发 元代是文人画彻底独立并占据主导地位的关键时期。本章将深入分析赵孟頫“书画同源”理论的实践意义，如何通过将书法用笔的笔法、结字融入绘画，极大地提升了线条的表现力和抽象性。重点剖析“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的山水画风格，揭示他们如何通过程式化的笔墨语言，表达对元朝统治者及世俗画派的疏离与批判，使山水画成为一种纯粹的“胸中丘壑”的表达方式。 第八章：清代的演变与“四王”的集大成 清代前期，以王时敏、王鉴、王คองโก、王原祁为代表的“四王”，将元明以来的文人画传统进行了系统性的总结与规范化。本章将分析“四王”如何建立了一套以“集古”为主导的创作模式，他们对董源、巨然、元四家笔墨的消化吸收，虽然在一定程度上趋于程式化，但也使得中国传统笔墨语言的技法细节达到了精细入微的程度。同时，本章也将简要介绍“四僧”（如石涛、八大山人）如何以强烈的个性化笔触，对僵化的程式化倾向进行反叛与突破，为近代绘画注入了新的活力。 --- 第三部分：品鉴与意境的传达 第九章：看画的门径：构图、留白与视线的引导 中国画的构图方式与西方透视法截然不同。本章将重点讲解中国画的空间处理技巧，包括“三远法”（高远、深远、平远）在构建画面层次感中的作用。特别深入解析“留白”的艺术——空白不仅是画面的休息区，更是意境的延伸和想象力的载体。通过对留白处“计白当黑”的分析，阐释中国画如何通过有限的实体描绘，暗示无限的自然与哲思。 第十章：题跋的意义：文字与图像的互文关系 在中国画的完整形态中，题跋是不可或缺的一部分。本章将阐述题跋不仅仅是对画作内容的注释或画家心境的记录，更是对画面意境的补充和升华。我们将分析不同朝代的题跋风格（如宋代的简短题咏、元代的抒情赋文），探讨书法艺术如何通过其自身的节奏和结构，与图画的主题形成互文的张力，共同完成一件艺术作品的叙事。 结语：传统之魂，时代之音 本书的最后部分将总结中国绘画数千年来的核心价值——对“气韵”与“意境”的永恒追求。强调中国画的魅力在于其内敛的哲学深度和对线条的极致运用，而非仅仅是视觉的模仿，它是中国文人心灵世界的视觉化表达。 --- 本书特色： 注重哲学基础： 将艺术技巧置于中国传统哲学（儒、释、道）的宏大背景下进行阐释。 技法细致入微： 对用笔、用墨、设色等核心技法进行系统梳理，提供清晰的技法脉络。 流派纵向梳理： 完整呈现从唐代萌芽到清代集成的关键历史节点和核心人物。 鉴赏视角独特： 强调留白、题跋等中国画特有元素的解读方法。

评分☆☆☆☆☆

我个人认为，这本书的价值远超出了“书法理论”的范畴。它更像是一部关于东方美学精神的百科全书。书中在阐述书法用笔的同时，会自然而然地穿插对诗词意境的理解，对园林造景中“曲径通幽”的布局哲学的借鉴，甚至会触及到古琴演奏中关于“慢”与“停顿”的审美原则。这种跨学科的融会贯通，让读者在学习书法语言的同时，也构建了一个更为广阔的文化坐标系。它展示了中国传统艺术是如何共享一套核心的审美DNA的。读到最后，我发现自己看山水画时，会下意识地去寻找那种“行草”的动势；听古典音乐时，也能体会到不同声部之间微妙的“笔势”变化。这本书真正做到了，打开了一扇通往东方神韵的大门，让人在领略书法之美的同时，也重新审视了我们自身所处的文化土壤。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格真是太“对”我的胃口了。它不是那种学院派的冷冰冰的理论堆砌，读起来更像是一场与一位博学多识的旅伴在古迹中漫步的对话。语言流畅，富有画面感，充满了对中国传统文化那种由衷的热爱和敬意。我最欣赏的是，作者在介绍那些已经“封神”的书法大家时，从不神化他们，而是非常人性化地去描绘他们的创作心路历程。比如，书中提到颜真卿在特定历史时期书风的转变，不是一句简单的风格成熟可以带过的，而是结合了他的人生境遇、政治抱负，以及他对儒家思想的深刻体悟来阐释的。这使得我们理解书法，不再只是理解一种技能，而是理解一种生命状态的投射。读到精彩之处，我常常会放下书，对着窗外沉思许久，思考如何将这种“内化于心”的修养，应用到我自己的日常生活中去。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是我最近在书店里淘到的宝藏！我本来对书法这块儿了解得比较零散，都是些皮毛的东西，总觉得书法嘛，不外乎就是毛笔、墨水、宣纸，写得好看就行了。但这本书一翻开，我的世界观就被颠覆了。它不是那种枯燥的技法指导手册，而是像一位老先生，耐心地领着你走进了一个光怪陆离的艺术殿堂。我特别喜欢它对“气韵生动”的解读，以前觉得这词儿玄乎，但作者用了很多非常具体的例子，比如某位大家运笔时，如何通过对重心的瞬间调整，来表达内心的激荡，那种笔触的起伏变化，简直就像在看一场精心编排的舞蹈。而且，书中对不同书体——篆、隶、楷、行、草——的演变脉络梳理得极其清晰，它不是简单地罗列，而是告诉你，为什么隶书会从篆书中脱胎换骨，又是如何受到时代精神的熏陶，才最终促成了楷书的定型。读完以后，我再去看那些碑帖，眼神完全不一样了，能感觉到线条背后隐藏的千年风骨和创作者的勃勃生机。这本书对于提升审美层次，绝对是功德无量。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我本来对书法理论书有“畏难情绪”，总担心会遇到太多晦涩难懂的术语，读几页就得查好几遍字典。但这本书的叙事逻辑和术语解释处理得非常高明。每当引入一个关键概念，比如“中锋用笔”、“侧锋取妍”或者“飞白”的韵味时，作者总会立刻配上清晰的图例，并且用非常生活化的比喻来加以解释，避免了生硬的理论灌输。最让我印象深刻的是，它对“笔墨趣味”的探讨。它不是简单地说“这个笔触很妙”，而是会去拆解那个“妙”是如何通过笔尖的提按、墨量的控制，乃至书写者呼吸的节奏来实现的。这让原本高高在上的艺术技巧，变得可感知、可触摸，仿佛真的能从纸面上感受到那股力量的流动。对于想入门但又怕被学术门槛劝退的朋友来说，这本书绝对是极佳的引路人。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的装帧和排版设计，就已经是艺术品了。我很少看到一本艺术类书籍能做到如此雅致而不失现代感的。内页的纸张选择很有讲究，既能很好地承载墨色的浓淡变化，又保证了阅读的舒适度。内容上，我尤其被作者对“章法布局”的论述所吸引。在我的传统认知里，书法创作似乎就是个体字的完美呈现，但这本书却深入探讨了群体之间的关系——一行字、一幅作品，如何通过疏密得当、欹侧平衡来构建一个完整的视觉场域。它里面分析了好几张宋代大家的作品，细致到每一个字之间的留白处理，简直是微观世界的哲学探讨。作者没有止步于描述“好看”，而是深入挖掘了这种布局背后的心理学和结构力学原理。读完这部分的章节，我感觉自己对任何平面设计乃至建筑空间都有了更深一层的理解，它教会我如何“呼吸”空间，如何在有限的范围内容纳无限的意境。