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方百里 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806929087

版次：1

商品编码：1234909193

丛书名： 全国高等院校音乐教育专业系列教材

开本：16开

出版时间：2014-01-01

页数：380

字数：420000

作  者:方百里 著作 定  价:60 出 版 社:上海音乐学院出版社 出版日期:2014年01月01日 页  数:380 装  帧:平装 ISBN:9787806929087 ●总序／余丹红
●部分教学理念与方法
●篇钢琴教学概论
●一、教师的品质
●二、教师的素质
●三、教师的职责
●四、上海音乐学院的教学特色
●第二篇钢琴启蒙教学的六节课
●一、课
●二、第二节课
●三、第三节课
●四、第四节课
●五、第五节课
●六、第六节课
●第三篇钢琴教学“三字经”
●一、练习前要做到“三好”
●二、练习时要做到“三对”
●三、练习中要做到“三要”
●第四篇钢琴教学的四大板块
●一、钢琴教学的四大板块
●部分目录

内容简介

《高等院校音乐教育专业系列教材:方百里钢琴教学法》由教学理念与方法、教材研究与分析、谱例研究与分析三部分组成。主要内容包括：钢琴教学概论、钢琴启蒙教学很初的六节课、钢琴教学“三字经”、钢琴教学的四大板块、钢琴演奏的基本技术等。 方百里 著作 方百里，上海音乐学院钢琴教学方向硕士生导师：上海师范大学音乐学院硕士生课程客席教授：上海不夜城钢琴学校艺术总监。曾任上海音乐学院音乐教育系副系主任、钢琴教研组组长，在职期间两次获得“上海音乐学院很好教师”的称号：上海音乐家协会钢琴专业委员会2012年钢琴考级教材主编。他在上音开没了十年的“钢琴教学法”选修课成为学院很受学生欢迎的课程。他培养了许多很好的钢琴人才，先后有四十多人次在靠前靠前钢琴比赛中获奖。2010年10月18日他出资创办了公益性的“方百里钢琴教师培训工作室”。三年来，已经有300多名教师分别参加了六期的培训：有42名的教师分别获得了“方百里钢琴教育奖”一、二、三等奖。他于1988等

音乐之旅：跨越世纪的键盘艺术 第一章：古典主义的辉煌与革新 1.1 早期键盘乐器的演变与巴洛克的回响 本卷聚焦于键盘音乐自文艺复兴晚期至巴洛克盛期的发展脉络。我们将深入探讨羽管键琴（Harpsichord）和维吉纳琴（Virginal）在这一时期的技术特性及其对音乐创作的影响。 羽管键琴的机械原理与音色塑造： 详细分析拨弦机制的工作原理，以及这种独特的发声方式如何塑造了巴赫时代精确、清晰的复调音乐风格。通过对音栓、音栓切换的讨论，揭示演奏者如何通过细微的机械调整来影响乐曲的情感表达。 巴赫的赋格艺术与键盘的对话： 聚焦于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《平均律键盘曲集》和《哥德堡变奏曲》。分析其对位法的严谨结构，探讨巴赫如何利用键盘的复调特性，构建宏大而精密的音乐建筑。本章将着重于解析《平均律》中不同调性之间的内在联系，以及它们在键盘上所呈现的数学美感。 1.2 古钢琴的诞生与奏鸣曲式的确立 随着音乐审美的转变，对力度变化（渐强与渐弱）的需求日益增长，直接催生了古钢琴（Fortepiano）的出现。 从拨弦到击弦的革命： 阐述克里斯托弗·施密特（Christoph Schmöller）等人对敲击机制的早期探索。对比羽管键琴与古钢琴在触键响应上的本质区别，以及这种区别如何为音乐带来全新的表现力维度。 海顿与莫扎特的键盘语言： 深入剖析海顿和莫扎特如何将奏鸣曲式（Sonata Form）发展至成熟阶段。分析其键盘作品中对古钢琴动态范围的充分利用，特别是莫扎特在钢琴协奏曲中展现的细腻情感起伏和歌唱性旋律线条。本章将通过对具体乐章结构（呈示部、展开部、再现部）的细致分析，展示古典主义如何将音乐结构与情感叙事完美结合。 第二章：浪漫主义的激情与钢琴的成熟 2.1 贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬的键盘作品标志着钢琴艺术进入了一个全新的纪元。他不仅拓展了钢琴的技巧极限，更将其提升为表达个体精神挣扎与胜利的载体。 钢琴工业的进步与贝多芬的创作： 探讨奥地利和英国制琴商在改进钢琴框架、弦轴和音板方面的努力，这些改进使得钢琴能够承受更大的张力，发出更饱满、持久的声音。分析贝多芬如何利用这些新特性，尤其是在晚期奏鸣曲（如《热情》、《奏鸣曲Op. 111》）中，展现出前所未有的戏剧张力和音响密度。 即兴的魅力与结构的重塑： 考察贝多芬对即兴演奏传统的继承与超越。分析其奏鸣曲中打破传统平衡的结构处理，例如突然的力度变化、主题的极端发展，以及对速度标记的独到运用，如何引导演奏者进入一种近乎个人独白的状态。 2.2 肖邦与李斯特：钢琴诗学与炫技的巅峰 19世纪中叶，钢琴演奏艺术迎来了浪漫主义的高峰期，肖邦和李斯特以各自独特的方式定义了现代钢琴的表达范畴。 肖邦的“钢琴的语言”： 专注于肖邦如何将波兰民族音乐元素（如玛祖卡和波兰舞曲）融入高度精致的艺术形式。详细分析其夜曲（Nocturnes）中对踏板的精妙运用，如何营造出如梦似幻的音响织体。本节着重解析波兰舞曲的宏大叙事结构，以及练习曲（Études）如何将技术训练提升到纯粹的艺术高度。 李斯特的“钢琴上的管弦乐队”： 探讨弗朗茨·李斯特如何通过其作品，尤其是《炫技练习曲》和《匈牙利狂想曲》，将钢琴的音响潜力推向极限。分析其对八度、和弦密集度以及跨越琴键的技巧要求，揭示他是如何将管弦乐配器法引入独奏钢琴作品中，使听众感受到前所未有的宏大音响。 第三章：印象派的色彩与现代主义的探索 3.1 德彪西与拉威尔：光影之下的听觉描绘 进入20世纪，键盘音乐的焦点从结构逻辑转向了对氛围、色彩和瞬间感受的捕捉。 德彪西的“水之音”： 分析克劳德·德彪西如何摒弃传统的功能和声体系，转而使用全音音阶、五声音阶和非传统的和弦排列来营造朦胧的音响效果。重点研究《前奏曲》系列，探讨他如何通过特定的指法和力度要求，模拟自然界的光影和流动感。 拉威尔的精确与异域风情： 对比莫里斯·拉威尔作品的清晰结构和德彪西的模糊意境。研究拉威尔对西班牙民间音乐和古老曲式的借鉴，特别是《水之游》（Miroirs）中对不同光照条件的细腻描摹，以及他如何利用现代钢琴的清晰度来展现复杂的节奏和对比鲜明的音色块。 3.2 20世纪的变革：新古典主义与序列主义 20世纪的键盘音乐经历了深刻的结构性反思，演奏者开始面对更为复杂的节奏和和声挑战。 斯特拉文斯基与新古典主义的回归： 考察伊戈尔·斯特拉文斯基如何从巴洛克和古典的结构中汲取灵感，并以现代和声语言进行重构。分析其对位法和节奏的冲击力，以及对传统键盘体裁（如奏鸣曲）的颠覆性诠释。 序列技术与无调性探索： 简要介绍阿诺德·勋伯格、安东·韦伯恩等人发展的十二音体系（Dodecaphony）及其在键盘作品中的应用。探讨这种高度系统化的创作方法如何挑战演奏者对传统音高和旋律思维的习惯，要求一种全新的、去情感化的演奏态度。 第四章：当代钢琴演奏的挑战与视野 4.1 拓展声音的边界：非常规技法 当代作曲家不断寻求拓宽钢琴的表现力，这要求演奏者掌握一系列超越传统键盘技巧的“非常规”演奏法。 触键之外的探索： 详细介绍在琴弦上直接演奏、使用物体敲击琴弦、以及对琴键施加特殊压力等技法。分析约翰·凯奇（John Cage）对“寂静”的运用，以及如何利用钢琴的共鸣箱作为一种声学乐器进行处理。 4.2 跨文化融合与音乐教育的未来 本章探讨全球化背景下，键盘音乐如何吸收非西方音乐元素，以及数字技术对传统钢琴学习可能带来的辅助与挑战。 东方音乐元素在键盘作品中的体现： 分析一些将印度拉格、中东音调或中国传统音乐概念融入西方键盘作品的实例，探讨这些融合如何丰富了和声色彩和节奏模式。 技术辅助与演奏本体： 讨论录音技术、MIDI与声学钢琴的结合趋势，以及这些新工具如何影响演奏者对音色、力度和实时互动的理解。强调在技术辅助下，核心的、人与乐器之间的“触感连接”依然是不可替代的艺术基础。 结语：永恒的键盘艺术 键盘乐器，从最初的羽管键琴到今日的三角钢琴，经历了数百年技术迭代与风格变迁。它既是巴赫精密逻辑的载体，也是肖邦深沉私语的画布，更是当代音乐家表达复杂思辨的工具。本卷旨在提供一个宏观的视角，审视键盘艺术跨越不同时代、不同思潮的丰富面貌，而非局限于某一特定教学体系的实践细节。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本关于钢琴教学方法的书籍时，我其实带着一种略微怀疑的态度，因为市面上同类书籍汗牛充栋，大多雷同。然而，《方百里钢琴教学法》很快就展现出了它独树一帜的魅力。它最让我眼前一亮的是对“整体性思维”的强调。作者似乎在试图打破传统教学中那种将技巧、视奏、乐理分割开来的模式，而是主张将它们编织成一张密不可分的网。书中关于如何通过分析曲式结构来指导手指跑动效率的章节，简直是醍醐灌顶。我过去总是机械地记忆指法，而现在，当我理解了巴赫赋格曲中声部进行与和声走向之间的内在逻辑时，手指的移动自然而然地变得流畅而富有目的性。这种从宏观结构指导微观操作的思路，极大地拓宽了我的教学视野。更值得称赞的是，作者对不同年龄和不同程度学习者采用的个性化教学策略的讨论，非常务实。他没有提供一套放之四海而皆准的公式，而是提供了一套评估工具和调整思路，教导教师如何像一位优秀的工程师那样，诊断学生的“系统故障”并进行精准修复。这使得这本书不仅适合资深的教育工作者，对于那些刚踏入钢琴教育领域的年轻老师，也是一份不可多得的实战指南。书中的案例分析详实且贴近真实课堂场景，增强了理论的可操作性。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来概括《方百里钢琴教学法》给我的印象，那就是“精细化管理”。这本书的每一个章节都像是在对钢琴教学的某个环节进行显微镜下的观察和解剖。其中关于节奏训练的部分，尤其值得称赞。作者没有停留在数拍子上，而是深入探讨了“内在时间感”的培养，他甚至引入了一些非音乐领域的概念，比如心理学上的“流程感”，来解释为什么有些复杂的复节奏对某些人来说就是难以掌握。他提供的练习方法，例如使用节拍器配合身体的轻微律动（微观律动法），有效地将抽象的节拍概念转化为身体可以感知的体验，极大地改善了我一些学生在处理三对二或复杂的附点节奏时的犹豫和混乱。此外，书中对“舞台焦虑”的应对策略也极其实用和人性化。作者并没有鼓吹要完全消除紧张，而是教导学生如何将这种生理反应转化为表演的能量，通过特定的呼吸控制和心理预演技术，帮助学生在关键时刻保持镇定。这种关注学生整体状态而非仅仅局限于指尖的教学理念，体现了作者极高的专业素养和人文关怀，让这本书显得厚重而立体。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，起初我对这种厚重的理论著作抱有一丝畏惧，担心它会变得晦涩难懂，但《方百里钢琴教学法》成功地在学术深度和可读性之间找到了一个绝妙的平衡点。这本书最让我感到震撼的，是对“技术背后的美学追求”的阐述。它清晰地说明了技术动作的每一个微小调整，最终都服务于音乐的表达意图。书中对于如何通过调整重量转移和手腕的弹性来获取不同音色的对比，提供了非常详尽的物理学基础解释，这使得那些以往只能靠“感觉”去做的动作，现在有了科学的依据支撑。例如，对于如何弹奏出具有“歌唱性”的旋律声部，作者详细分析了手指离键和触键时机对相邻声部的影响，这使得即便是对位复杂的段落，也能清晰地区分主次。这本书的价值在于，它不仅仅教授“如何教”，更重要的是引导我们思考“为何而教”。它激励着每一个阅读者，去追求一种更高层次的、能让学生从模仿者成长为创新者的教育境界。这本书绝对是钢琴教育领域里的一部里程碑式的作品，值得反复研读和实践。

评分☆☆☆☆☆

读完《方百里钢琴教学法》后，我发现它远超出了我原本预期的“技术手册”范畴，更像是一部关于音乐教育哲学的深度探讨。作者在开篇就提出了一个颇具挑战性的观点：钢琴学习的终极目标是让学生能够“摆脱对教师的依赖”，实现真正的自主学习和自我修正。这一点深刻地触动了我。书中花了大量篇幅阐述如何构建一个自我反馈机制，通过精妙的提问引导学生自己发现问题所在，而不是仅仅依赖教师的外部纠正。我特别喜欢其中关于“听觉反馈训练”的章节，它引导学习者如何分辨自己弹奏出的声音与心中理想声音之间的细微差别，这是一种对听觉敏感度的系统性训练。这种对内部听觉标准的培养，是真正区分“会弹琴的人”和“能深入理解音乐的人”的关键。另外，书中对不同时期音乐风格的演奏处理的细致区分，也让我受益匪浅。例如，对于古典主义作品中强调的线条清晰度和浪漫主义作品中对踏板的自由运用，作者给出的指导意见非常具有鉴赏性和操作性，避免了许多人将所有钢琴曲目一概而论的误区。这本书的行文风格沉稳而富有张力，阅读过程是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

这本《方百里钢琴教学法》的书籍，坦白说，我从头到尾读完，最大的感受就是它提供了一种非常系统且富有洞察力的视角来看待钢琴教学这件事。书中对基础乐理的讲解，绝不是那种枯燥的教科书式的堆砌，而是巧妙地将其融入到实际的演奏技巧训练中去。我尤其欣赏作者在处理初学者易犯错误这一部分时所展现出的耐心和深度。他没有简单地指出“这里弹错了”，而是深入剖析了造成这种错误背后的生理和心理原因。比如，对于手指独立性训练，书中提供了一套结合了视奏练习和特定和弦分解练习的组合方案，这一点对于我这种已经学了几年琴但技术上总感觉停滞不前的学习者来说，无疑是一剂强心针。我试着按照书中的建议调整了日常练习的侧重点，比如增加了对手指触键深度的冥想式练习，效果立竿见影，原本僵硬的音色变得圆润了许多。此外，作者对于如何培养学生的乐感和音乐表现力的论述，更是充满了艺术家的智慧。他强调音乐不仅仅是按对音符，更是一种情感的传递和叙事，这种理念的引导，让我在重新审视那些耳熟能详的练习曲时，都能发现新的层次和美感。这本书的排版和图示也做得非常清晰，即便是复杂的指法变化和踏板运用，在图示的辅助下也变得一目了然，极大地提升了阅读体验和实践的效率。

评分☆☆☆☆☆

凑合

评分☆☆☆☆☆

书不错 太受益了

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评分☆☆☆☆☆

他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管波动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯托福里的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多地是为演奏特定作品而使用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。1709年后，克里斯托福里又进一步改革了原来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完全一致的起动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且可以快速连续弹奏；音域也增加为4组；可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。但遗憾的是，克里斯托福里的发明并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。

评分☆☆☆☆☆

凑合

评分☆☆☆☆☆

他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管波动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯托福里的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多地是为演奏特定作品而使用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。1709年后，克里斯托福里又进一步改革了原来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完全一致的起动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且可以快速连续弹奏；音域也增加为4组；可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。但遗憾的是，克里斯托福里的发明并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。

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他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管波动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯托福里的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多地是为演奏特定作品而使用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。1709年后，克里斯托福里又进一步改革了原来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完全一致的起动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且可以快速连续弹奏；音域也增加为4组；可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。但遗憾的是，克里斯托福里的发明并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。