西方美学史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

朱光潜著 著

图书标签:

• 美学史
• 西方美学
• 艺术史
• 哲学
• 文化
• 艺术理论
• 西方文化
• 美学
• 艺术
• 历史

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 华东师范大学出版社

ISBN：9787567532168

商品编码：1612712595

出版时间：2015-06-01

作  者:朱光潜 著 定  价:78 出 版 社:华东师范大学出版社 出版日期:2015年06月01日 页  数:756 装  帧:平装 ISBN:9787567532168 ●序论
●部分古希腊罗马时期到文艺复兴
●古希腊文化概况和美学思想的萌芽
●第二章柏拉图
●第三章亚理斯多德
●第四章亚历山大里亚和罗马时代：贺拉斯、朗吉弩斯和普洛丁
●第五章中世纪：奥古斯丁、托马斯·阿奎那和但丁
●第六章文艺复兴时代：薄伽丘、达·芬奇和卡斯特尔维特罗等
●第二部分十七八世纪和启蒙运动
●第七章法国新古典主义：笛卡儿和布瓦洛
●第八章英国经验主义：培根、霍布斯、洛克、夏夫兹博里、哈奇生、休谟和博克
●第九章法国启蒙运动：伏尔泰、卢梭和狄德罗
●第十章德国启蒙运动：戈特舍德、鲍姆嘉通，温克尔曼和莱辛序论
●第十一章意大利历史哲学派：维柯
●第三部分18世纪末到20世纪初
●甲德国古典美学
●第十二章康德
●第十三章歌德
●第十四章席勒
●第十五章黑格尔
●部分目录

内容简介

朱光潜先生是当代有名美学家，是中国现代美学的开拓者和奠基者。《西方美学史》是朱光潜很为重要的著作之一，也是中国学者撰写的靠前部美学史著作，具有开创性的学术价值，代表了当时中国研究西方美学思想的优选水平，直到今天也是一部影响深远的经典著作。
全书以以历目前先后出现的美学大师和美学流派为经，以美的本质、形象思维、典型人物、浪漫主义和现实主义等问题为纬，详细介绍了从古希腊柏拉图、亚里士多德直到20世纪克罗齐等西方美学流派与美学大家的思想，评判其得失，内容丰富，说理透彻，是学习西方美学的很好入门读物。
朱光潜 著 朱光潜（1897―1986），笔名孟实、盟石。安徽桐城人。*国现代苦名的美学家、文艺理论家、教育家、翻译家。曾任北京大学一级教授、*国社会科学院学部委员、第六届**政协常务委员、*国外国文学学会常务理事。著作有《谈美》、《谈美书简》、《给青年的十二封信》、《谈修养》、《诗论》等。

《流动的光影：东西方绘画艺术的精神之旅》 一、 引言：凝视的艺术，文明的回响 自古以来，人类便以画笔与颜料，在画布、岩壁、帛书上捕捉瞬息万变的生命，记录跌宕起伏的历史，寄托幽深绵长的情感。绘画，作为一种超越语言的视觉艺术，承载着不同文明最纯粹的精神印记，诉说着跨越时空的独特叙事。本书《流动的光影：东西方绘画艺术的精神之旅》，旨在引领读者踏上一场跨越地域与文化的视觉盛宴，深入探索东方与西方绘画艺术各自发展脉络中的精神内核，理解它们如何在中国、日本、印度，以及古希腊、古罗马、文艺复兴时期的欧洲，乃至近现代的艺术变革中，映照出各自文明的独特哲学、审美观念与人文关怀。我们不求面面俱到的史料罗列，而是着力于挖掘那些构成不同绘画体系灵魂的根本要素，探究它们在各自的时代背景下如何孕育、发展，又如何彼此影响、相互激荡，最终汇聚成人类艺术长河中璀璨的星光。 二、 东方的韵致：墨的写意，神的内蕴 东方绘画，尤其以中国绘画为代表，其精神特质往往深植于道家、儒家、禅宗的哲学思想之中。它追求的不是对物象的精确复制，而是对生命精神、宇宙哲理的“写意”。 中国绘画：气韵生动与神形兼备 山水画的“胸中丘壑”： 从魏晋南北朝的“人物画 dominance”转向唐宋的“山水画至上”，中国山水画的发展，深刻体现了“天人合一”的哲学理念。画家的眼睛不再仅仅盯着眼前的山川，而是观照宇宙的宏大，体悟自然的呼吸，并将个人的精神世界融入山水之中。谢赫“六法”中的“气韵生动”和“骨法用笔”，早已超越了单纯的技法层面，上升到精神气质的表达。山水画不仅仅是对景物的描绘，更是艺术家内心世界的投射，是他们在自然面前，对生命渺小与宏大的体悟，对人生哲理的思考。画家通过笔墨的浓淡干湿、线条的刚柔曲直，营造出空灵、静谧、深邃的意境，让观者在画面中感受到自然的生命力，体会到一种超然物外的精神境界。 花鸟画的“寄情寓兴”： 相较于山水画的宏大叙事，花鸟画则更加细腻地捕捉生命的瞬间之美，并赋予其丰富的象征意义。一草一木、一花一鸟，在中国画家的笔下，不再仅仅是自然的造物，而是承载着人格理想、道德情操的载体。《洛神赋图》等早期人物画，虽以人物为主，但其线条的流动、人物的姿态，也蕴含着对人物精神气质的刻画。而到了宋代，花鸟画的繁荣，特别是宫廷画院与文人画的相互激荡，使得写实与写意相结合，既有对物象的细致观察，更有对生命本质的提炼。《梅兰竹菊》“四君子”的传统，更是将高洁、正直、坚韧等品格寄托于笔墨之中，成为文人精神的象征。 笔墨的哲学： 中国绘画的核心在于“笔墨”。笔不仅仅是描绘物象的工具，更是情感与力量的载体；墨则不仅是色彩，更是意境与深度的营造。水墨的晕染，在纸上留下深浅不一的痕迹，恰似生命中的起伏跌宕。笔墨的运用，体现了艺术家对线条、墨色、构图的精妙掌控，也映射出东方哲学中对“无”与“有”、“虚”与“实”的辩证思考。书法与绘画的融合，更是将文字的意境与绘画的视觉表现相结合，进一步深化了东方绘画的精神内涵。 日本绘画：物哀与侘寂的美学 浮世绘的刹那繁华： 日本浮世绘，描绘了江户时代町人生活的方方面面，从歌舞伎演员、游女到风景名胜。它以其鲜艳的色彩、大胆的构图和细腻的线条，捕捉了都市生活的瞬间之美。然而，在表面的热闹与绚烂之下，浮世绘也流露出对人生短暂、世事无常的“物哀”之情。那些精致描绘的美人，亦带有淡淡的忧伤，仿佛诉说着青春易逝、繁华难驻的感叹。 水墨画的“侘寂”精神： 日本水墨画，虽然深受中国影响，却发展出独特的“侘寂”（Wabi-sabi）美学。这种美学崇尚自然、朴素、不完美，强调事物的变化、衰败以及由此产生的宁静之美。它不追求完美无瑕，而是欣赏事物在时间流逝中留下的痕迹，比如古朴的茶道器具，褪色的壁画，或是未经雕琢的天然石块。这种审美观念，使得日本水墨画往往呈现出一种内敛、宁静、充满禅意的氛围，引导观者去体会事物的本质，感受生命深处的静谧。 印度绘画：神话的色彩，灵魂的颂歌 宗教题材的宏大叙事： 印度绘画，尤其以宗教壁画和细密画为主要表现形式，深刻地受到印度教、佛教等宗教信仰的影响。画面中充斥着神灵、史诗故事、以及对宇宙轮回的描绘。色彩浓烈、造型夸张，人物姿态繁复，这些都旨在传达宗教的庄严与神秘，以及对神性世界的敬畏。 象征主义的运用： 印度绘画大量运用象征手法，每一个形象、每一个色彩都可能蕴含着深层的宗教或哲学含义。例如，特定神祇的颜色、坐骑，以及各种手势，都承载着特定的象征意义。这种象征主义的表达，使得印度绘画成为一种“视觉的语言”，需要观者具备一定的文化背景才能充分理解其内涵。它并非仅仅描绘物质世界，而是试图通过物质世界来揭示精神世界的真理。 三、 西方的光辉：形体的雕塑，理性的凝视 西方绘画，则在漫长的历史发展中，始终与古希腊的理性精神、古罗马的现实主义、以及文艺复兴时期的人文主义思潮紧密相连。它更倾向于对现实世界的观察与模仿，对人体结构的深入研究，以及对科学、透视等技法的运用，以求达到逼真与和谐的美。 古希腊与古罗马：理想的比例与现实的描绘 雕塑的精神遗产： 尽管现存的古希腊绘画作品极为稀少，但我们可以从其雕塑艺术中窥见其绘画的倾向。古希腊人对人体比例的极致追求，对理想化人形的塑造，体现了其对理性、和谐与完美的向往。绘画也继承了这种精神，追求严谨的结构和清晰的轮廓。 古罗马的现实主义： 古罗马艺术则更加务实，强调对现实生活的描绘，包括肖像、建筑、战争场面等。壁画和马赛克作品中，我们看到了对细节的关注，对人物表情和动态的捕捉，以及对空间关系的初步探索。这种对现实世界的兴趣，为后来的西方绘画奠定了写实的基础。 文艺复兴：人性的觉醒与科学的眼睛 透视法与解剖学： 文艺复兴时期是西方绘画的黄金时代。艺术家们将目光从神灵转向人类自身，对人体的结构、比例进行了科学的研究，如达芬奇对人体解剖学的深入探索。透视法的发明和运用，使得画面能够呈现出逼真的三维空间感，极大地增强了绘画的写实能力。 人文主义的理想： 文艺复兴不仅仅是一场艺术革命，更是一场思想革命。人文主义思潮强调人的价值与尊严，鼓励对古典文化的重新发掘与学习。艺术家们在描绘宗教题材时，赋予了人物更多的人性化特质，他们的情感更加丰富，形象更加生动。同时，对神话传说和历史故事的描绘也成为重要题材，展现了人类的智慧与力量。 色彩与光影的运用： 意大利的“湿壁画”传统，以及油画技法的成熟，使得色彩的表现力大大增强。艺术家们对光影的运用日益精湛，如卡拉瓦乔的“明暗对照法”，通过强烈的明暗对比，营造出戏剧性的氛围，突显人物的立体感与情感张力。 巴洛克与古典主义：情感的奔放与秩序的回归 巴洛克的戏剧性： 巴洛克艺术以其宏伟、动感、戏剧性的特质，将情感的表达推向极致。复杂的构图、强烈的色彩、动态的线条，以及夸张的人物姿态，都旨在震撼观者的心灵，唤起强烈的情感共鸣。 古典主义的理性与崇高： 与巴洛克的奔放不同，古典主义则强调理性、秩序、节制与崇高。画面构图严谨，线条清晰，色彩相对沉静，人物姿态庄重，旨在传达一种永恒的美感与道德训诫。 近现代的变革：观念的解构与主观的表达 印象派的视觉革命： 印象派艺术家摆脱了工作室的束缚，将目光投向户外，捕捉光线在不同时间和天气下的变化，以及色彩在视觉上的瞬间感受。他们强调“所见”而非“所知”，笔触变得粗犷、自由，色彩斑斓，打破了传统写实绘画的藩篱。 后印象派的深化与转向： 后印象派艺术家在印象派的基础上，试图赋予画面更多的结构、情感或象征意义。梵高以其炽热的情感和扭曲的笔触，表达内心的激荡；高更运用大胆的色彩和装饰性的线条，追求原始的神秘感；塞尚则致力于通过几何形体来解析自然，为后来的立体主义奠定了基础。 现代主义的多元探索： 20世纪以来，西方绘画进入了一个多元化的时代。立体主义、野兽派、表现主义、抽象表现主义、超现实主义等各种艺术流派层出不穷，艺术家们不断挑战既有的艺术观念，探索新的表现形式和语言。他们或解构物质世界的形体，或释放潜意识的想象，或追求纯粹的视觉形式，使绘画的内涵变得更加丰富和复杂，也更加关注艺术家个人的主观体验和哲学思考。 四、 东西方对话：借鉴与融合，文明的共鸣 在人类文明的交流史上，东西方绘画艺术并非孤立发展，而是存在着长期的互动与借鉴。从早期中国绘画对日本水墨画的深远影响，到19世纪末20世纪初，日本浮世绘对西方印象派和后印象派艺术家的启发（如德加、梵高等），再到20世纪以来，西方抽象艺术对东方哲学思想的某些借鉴，这种跨文化的交流，不断丰富着各自的艺术语汇，催生出新的艺术风貌。 浮世绘的“东风”： 19世纪欧洲对日本艺术的“发现”，特别是浮世绘作品的传入，如同“东风”吹入了西方艺术界。其大胆的构图、平面的色彩运用、对日常生活的关注，为厌倦了传统学院派束缚的西方艺术家提供了全新的视角和灵感。 中国哲学在现代艺术中的回响： 许多现代艺术家，特别是抽象艺术家，对中国的道家哲学、禅宗思想产生了浓厚的兴趣。他们从“留白”的意境、笔墨的自由度、以及对生命本质的追求中，汲取了创作的养分，试图在自己的作品中融入东方哲学所倡导的“顺其自然”、“大道至简”的理念。 五、 结语：在流动的光影中，看见人性的辽阔 《流动的光影：东西方绘画艺术的精神之旅》，不仅仅是对两种艺术体系的简单梳理，更是希望通过对它们精神内核的深入挖掘，引导读者去理解不同文化背景下，人类是如何观察世界、理解生命、表达情感的。东方绘画的写意与内敛，西方绘画的写实与理性，它们各自发展出独特的魅力，又在历史的长河中相互辉映，彼此启迪。 当我们凝视一幅中国山水画，感受其中“天人合一”的哲学韵味；当我们沉浸于一幅文艺复兴时期的人体描绘，惊叹于对生命之美的极致赞颂；当我们被一幅日本水墨画的“侘寂”之美所触动，体会到对自然朴素的敬畏；当我们为巴洛克油画的戏剧张力所震撼，感受到人类情感的澎湃……我们所看到的，不仅仅是笔墨与色彩的组合，更是不同文明的精神回响，是人类在不同时空中，对宇宙、对生命、对自我的不懈探索与深刻体悟。 这趟旅程，期望能够启发我们，以更加开放与包容的心态，去欣赏和理解不同文化下的艺术表达，在流动的光影之间，看见人性的辽阔与多样，感受跨越时空的文明共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的色调，纸张的质感也拿捏得恰到好处，即便是初次接触，也能感受到它背后所蕴含的厚重感。我尤其喜欢封面上的那枚抽象的纹饰，它像是一把开启智慧之门的钥匙，虽然内容深奥，但外在的呈现却做到了极致的亲和力。翻开书页，那种油墨散发出的淡淡清香，简直是老派阅读体验的完美复刻。说实话，现在很多学术著作在设计上都显得过于功利和单薄，而这本却像对待一件艺术品一样去雕琢，让人在还未深入文本之前，就已经对它产生了敬畏和期待。内页的排版疏密有致，字体选择也十分考究，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。从书籍的物理形态来看，它已经成功地把自己定位成了一种值得收藏的载体，而非仅仅是信息传递的工具。这种对物质形态的重视，在当代出版界实属难得，体现了出版方对知识本身的尊重和对读者体验的深度关怀。

评分☆☆☆☆☆

在读完全书后，我发现这本书最大的价值，或许在于它提供了一种反思自身审美品味的能力。它不只是告诉我们“过去的人们如何思考美”，更重要的是，它在潜移默化中训练了我们如何去“质疑我们此刻的感受”。通过对康德、黑格尔乃至更早期思想的系统性考察，我开始意识到，我们习以为常的“美感”并非是与生俱来的普世真理，而是特定历史阶段社会共识的投射。这种“去中心化”的视角，让我看待当下的流行文化、艺术展览乃至日常生活中的一切审美选择时，都能多了一层审慎的滤镜。它成功地将一个学院派的主题，转化成了一套可以应用于生活实践的批判性思维工具，这种启发性的力量，远超了一本单纯的历史回顾录所能达到的深度。

评分☆☆☆☆☆

初读之下，我立刻被作者那极具个人色彩的叙事笔触所吸引。这绝不是那种堆砌着枯燥术语和僵硬时间线的教科书式写作，它更像是一位博学的友人，带着你穿越时空，在你耳边娓娓道来那些伟大思想家们的心路历程。行文中穿插的那些充满洞察力的个人见解和精妙的比喻，让原本晦涩难懂的理论变得鲜活起来，仿佛那些沉睡在历史尘埃中的哲学观点，都被作者用现代的语言重新激活了。我特别欣赏作者在阐述不同流派冲突时所展现出的那种近乎戏剧化的张力，他没有简单地做出好坏评判，而是细致入微地剖析了每一种思想诞生的时代背景和社会需求，这种历史的纵深感，极大地拓展了我对“美”这一概念的理解边界。读到一些关键转折点时，我甚至会停下来，反复咀嚼作者的措辞，那种智力上的共鸣感，是其他同类读物难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

真正让我感到震撼的，是作者在构建整体逻辑框架时所展现出的那种宏大叙事能力。他没有让浩瀚的史料淹没主题，而是像一位技艺高超的建筑师，将散落的砖石巧妙地砌合成一座坚固而优美的知识殿堂。整本书的脉络清晰得如同精心绘制的地图，从古希腊的开端，到中世纪的沉寂，再到近代哲学的爆发，每一个阶段的衔接都过渡得自然而然，没有丝毫的生硬断裂感。这种流畅性，使得即便是初次接触该领域的读者，也能建立起一个相对完整的知识骨架，从而更容易地将后续的细枝末节填充进去。这种结构上的严谨性，保证了阅读体验的连贯性，使人能一口气读下去，不断地追寻“下一个是什么”的求知欲，实属难得的阅读享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书的史料梳理工作做得令人叹为观止，其广度和深度都远超我的想象。作者似乎倾尽毕生心血去搜罗、比对和整合了海量的原始文献和次生研究，尤其是在处理那些跨越文化边界的理论交融部分时，展现出了惊人的学术功底。我关注的那个特定时期（那个涉及文艺复兴晚期到启蒙初期美学思潮的过渡段落），作者不仅清晰地勾勒出了核心人物的观点演变，还巧妙地揭示了隐藏在这些显性理论背后的经济基础和社会结构变迁的影子。这使得我对那个时代艺术与哲学互动的理解，从二维平面上升到了三维立体。阅读过程中，我多次惊叹于作者对细节的精确把握，许多我过去认为已是定论的知识点，都在书中被更精微、更具辩证性的视角所重新审视，这无疑为我后续的研究打开了新的思路。