美的历程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李泽厚著 著，吴燕 译

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• 美的哲学
• 艺术史
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• 文化史
• 审美
• 艺术批评
• 古典艺术
• 文艺复兴
• 现代艺术

店铺： 哈尔滨市学府书店图书专营店

出版社： 北京三联

ISBN：9787108058744

商品编码：25378660634

包装：平装-胶订

开本：16

出版时间：2017-08-01

内容介绍
   《美的历程》是中国美学的经典之作,凝聚了作者李泽厚先生多年研究.他把中国人古往今来对美的感觉玲珑剔透地展现在大家眼前，如斯感性，如斯亲切。今配以精美的插图，本书就更具体地显现出中国这段波澜壮阔的美的历程。    《美的历程》从宏观鸟瞰角度对中国数千年的艺术、文学作了概括描述和美学把握。其中提出了诸如原始远古艺术的“龙飞凤舞”殷周青铜器艺术的“狞厉的美”，先秦理性精神的“儒道互补”，楚辞、汉赋、汉画像石之“浪漫主义”，“人的觉醒”的魏晋风度，六朝、唐、宋佛像雕塑，宋元山水绘画以及诗、词、曲各具审美三品类，明清时期小说、戏曲由浪漫而感伤而现实之变迁等等重要观念，多发前人之所未发。此书于1981年初版，多次再版重印达几十万册。已有英文、德文、韩文等多种译本问世。此修订插图本，是作者在广西师范大学出版社2000年版的基础上，对全书文字作了*订正。全书插图作了调整，增加了四十余幅重要插图，用以佐证真论述、丰富其内容。

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   《美的历程》是李泽厚在新时期的重要著作，它把数千年的文艺、美学纳入时代精神的框架内，揭示了众多美学现象的历史积淀和心理积淀，具有浑厚的整体感与深刻的历史感。本书夹叙夹议，见解精到，文字简洁，明白晓畅，曾影响了一代青年，正确引导了一批又一批的读者步入美的殿堂。 
目录
一 龙飞凤舞 1 远古图腾 2 原始歌舞 3 “有意味的形式” 二 青铜饕餮 1 狞厉的美 2 线的艺术 3 解体和解放 三 先秦理性精神 1 儒道互补 2 赋比兴原则 3 建筑艺术 四 楚汉浪漫主义 1 屈骚传统

一 龙飞凤舞

1 远古图腾

2 原始歌舞

3 “有意味的形式”

二 青铜饕餮

1 狞厉的美

2 线的艺术

3 解体和解放

三 先秦理性精神

1 儒道互补

2 赋比兴原则

3 建筑艺术

四 楚汉浪漫主义

1 屈骚传统

2 琳琅满目的世界

3 气势与古拙

五 魏晋风度

1 人的主题

2 文的自觉

3 阮籍与陶潜

六 佛陀世容

1 悲惨世界

2 虚幻颂歌

3 走向世俗

七 盛唐之音

1 青春、李白

2 音乐性的美

3 杜诗颜字韩文

八 韵外之致

1 中唐文艺

2 内在矛盾

3 苏轼的意义

九 宋元山水意境

1 缘起

2 “无我之境”

3 细节忠实和诗意追求

4 “有我之境”

十 明清文艺思潮

1 市民文艺

2 浪漫洪流．

3 从感伤文学到《红楼梦》

4 绘画与工艺

结语

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在线试读
一龙飞凤舞 　　一远古图腾 　　中国史前文化比过去所知有远为长久和灿烂的历史。七十年代浙江河姆渡、河北磁山、河南新郑、密县等新石器时代遗址的陆续发现，不断证实这一点。将近八千年前，中国文明已初露曙光。 　　上溯到旧石器时代，从南方的元谋人到北方的蓝田人、北京人、山顶洞人，虽然像欧洲洞穴壁画那样的艺术尚待发现，但从石器工具的进步上可以看出对形体性状的初步感受。北京人的石器似尚无定形，丁村人的则略有规范，如尖状、球状、橄榄形……等等。到山顶洞人，不但石器已很均匀，规整，而且还有磨制光滑、钻孔、刻纹的骨器和许多所谓"装饰品"："装饰品中有钻孔的小砾石、钻孔的石珠、穿孑L的狐或獾或鹿的犬齿、刻沟的骨管、穿孔的海蚶壳和钻孔的青鱼眼上骨等。所有的装饰品都相当精致，小砾石的装饰品是用微绿色的火成岩从两面对钻成的。选择的砾石很周正，颇像现代妇女胸前配带的鸡心。小石珠是用白色的小石灰岩块磨成的，中间钻有小孔。穿孔的牙齿是由齿根的两侧对挖穿通齿腔而成的。所有装饰品的穿孔，几乎都是红色，好像是它们的穿带都用赤铁矿染过。"这表明对形体的光滑规整、对色彩的鲜明突出、对事物的同一性（同样大小或同类物件串在一起）……有了Z早的朦胧理解、爱好和运用[图版1]。但要注意的是，对使用工具的合规律性的形体感受和在所谓"装饰品"上的自觉加工，两者不但有着漫长的时间距离（数十万年），而且在性质上也是根本不同的。虽然二者都有其实用功利的内容，但前者的内容是现实的，后者则是幻想（想像）的；劳动工具和劳动过程中的合规律性的形式要求（节律、均匀、光滑等）和主体感受，是物质生产的产物；"装饰"则是精神生产、意识形态的产物。尽管两者似乎都是"自然的人化"和"人的对象化"，但前者是将人作为超生物存在的社会生活外化和凝冻在物质生产工具上，是真正的物化活动；后者则是将人的观念和幻想外化和凝冻在这些所谓"装饰品"的物质对象上，它们只是物态化的活动。前者是现实的"人的对象化"和"自然的人化"，后者是想像中的这种"人化"和"对象化"。前者与种族的繁殖（人身的扩大再生产）一道构成原始人类的基础，后者则是包括宗教、艺术、哲学等胚胎在内的上层建筑。当山顶洞人在尸体旁撒上矿物质的红粉，当他们作出上述种种"装饰品"，这种原始的物态化的活动便正是人类社会意识形态和上层建筑的开始。它的成熟形态便是原始社会的巫术礼仪，亦即远古图腾活动。 　　……

《光影织梦：浮世绘的视觉叙事》 一、 引言：纸上的刹那永恒 在历史的长河中，人类对美的追求从未停歇。不同的时代、不同的文化，孕育出千姿百态的艺术形式，它们如同璀璨的星辰，点亮我们对世界的认知与想象。《光影织梦：浮世绘的视觉叙事》并非讲述宏大的艺术史宏图，也非探究抽象的审美理论。它聚焦于一种独特的、深深植根于日本江户时代市民生活中的艺术形式——浮世绘。浮世绘，字面意思是“虚浮世界的绘画”，其名称本身就带着一种飘渺而真实的意味。它捕捉的，正是那个时代市井小民的日常百态，是转瞬即逝的瞬间，是承载着无数悲欢离合的“活色生香”。本书将带你走进一个由木版画构成的视觉世界，去感受那个时代人们的生活气息、审美情趣，以及浮世绘如何以其独特的叙事方式，将刹那的光影定格为永恒。 二、 江户时代的画卷：浮世绘的诞生与土壤 浮世绘的兴盛，离不开其诞生的历史土壤——日本的江户时代（1603-1868）。这是一个相对和平、稳定的时期，经济繁荣，城市化进程加快，涌现出强大的市民阶层。这个阶层拥有了前所未有的经济实力和文化追求，他们渴望看到与自己生活息息相关的画面，于是，浮世绘应运而生，并迅速成为一种大众化的艺术形式。 本书将首先细致描绘江户时代的生活图景：繁华的街市、喧嚣的戏院、雅致的茶馆、热闹的花街柳巷，以及山川湖海间的风光。我们将通过对当时社会结构、经济发展、人们的日常习惯、娱乐方式以及审美观念的梳理，来理解浮世绘为何会以这种形式出现在世人面前。它不是为王公贵族定制的典雅之作，而是属于町人（市民）的艺术，反映了他们对世俗生活的热爱，对感官享受的追求，以及对短暂人生的独特体悟。 我们将深入探讨浮世绘的创作过程，从画师最初的构思，到雕师精湛的刻版技艺，再到刷师将色彩赋予生命的印染过程。这三者分工协作，共同完成了每一幅精美的浮世绘作品。本书将用生动的笔触，描绘出这些匠人们在各自领域的辛勤付出与智慧闪光，让读者体会到这种集体创作的魅力，以及木版印刷技术如何为艺术的普及奠定基础。 三、 视觉的语言：浮世绘的艺术特色与表现手法 浮世绘的魅力，很大程度上在于其独特的视觉语言。它在继承中国传统绘画技法的基础上，又融入了日本本土的审美情趣，形成了鲜明的个人风格。本书将深入剖析浮世绘的艺术特色，从构图、色彩、线条、题材等多个维度进行解读。 构图的创新与突破： 浮世绘在构图上常常展现出令人耳目一新的特点。例如，大胆的斜角构图、前景的遮挡、以及对画面空间的分割与留白，都营造出强烈的视觉冲击力。我们将通过分析葛饰北斋的《神奈川冲浪里》中那巨浪的倾泻感，或是歌川广重的《东海道五十三次》系列中对旅途风景的独特视角，来体会这种构图的精妙之处。 色彩的碰撞与张力： 浮世绘的色彩运用大胆而富有张力。强烈的对比色，如鲜艳的红色与深邃的蓝色，常常被用来突出画面主体，营造出强烈的视觉效果。我们将探究这些色彩是如何被选择和组合的，它们又如何服务于画面的情感表达和氛围营造。 线条的韵律与生命力： 浮世绘的线条勾勒精准而富有韵律感。无论是人物的服饰纹样，还是山水的轮廓，都通过流畅而有力的线条得以展现。我们将关注这些线条是如何塑造人物的姿态、表情，以及描绘出景物的质感，让画面充满动感与生命力。 题材的多样性与深度： 浮世绘的题材极为广泛，几乎囊括了江户时代市民生活的方方面面。本书将重点介绍几个核心的题材领域： 美人画： 浮世绘中最具代表性的题材之一。我们不只关注画中的美女如何赏心悦目，更会深入探究不同时期、不同画师对“美”的定义和理解。从喜多川歌麿笔下温婉端庄的艺伎，到鸟川国贞笔下充满个性的歌舞伎，她们的妆容、服饰、神态，都折射出当时社会的审美风尚和女性的社会地位。 役者绘（歌舞伎演员画）： 歌舞伎是江户时代最重要的娱乐形式之一，役者绘则记录下了舞台上无数精彩的瞬间。本书将分析役者绘如何通过夸张的表情、戏剧性的动作、以及华丽的服装，来表现角色性格和故事情节，展现出强大的戏剧张力。 风景画： 以葛饰北斋和歌川广重为代表的风景画，将日本的山川河流、名胜古迹呈现在世人面前。这些作品不仅仅是写实的描绘，更融入了画师对自然的敬畏与热爱，以及对旅途的浪漫想象。我们将追随他们的脚步，领略日本自然风光的壮丽与秀美。 花鸟画与风俗画： 此外，浮世绘也描绘了许多日常生活的场景，如市井小贩、孩童玩乐、节日庆典等，以及生动有趣的花鸟写意，这些作品为我们提供了了解当时社会风情和民间生活的宝贵窗口。 四、 叙事的魔力：浮世绘中的故事与情感 浮世绘不仅仅是静态的画面，它更是一种视觉叙事。每一幅作品，都蕴含着一个故事，传递着一份情感。本书将着重探讨浮世绘是如何通过图像来讲述故事，并唤起观者的共鸣。 瞬间的戏剧性： 许多浮世绘作品捕捉的都是一个极具戏剧性的瞬间。一个眼神的交流，一个肢体的动作，一个场景的安排，都能够暗示出背后更复杂的情感和情节。我们将分析这些“定格”的画面是如何激发观者的想象，让他们去补充和解读故事的全貌。 情感的传达与留白： 浮世绘并非总是直白的叙事，它常常留有想象的空间。画师通过对人物表情、动作、以及环境氛围的刻画，来 subtly 地传达情感。有时，画面的留白之处，更能引发观者的联想，让他们将自己的情感投射其中。 时代的烙印与人类的共通： 浮世绘描绘的是江户时代特有的生活场景和人物，但其中蕴含的情感，如喜悦、悲伤、思念、憧憬，却是人类共通的。我们将探讨浮世绘如何通过具体的描绘，触及人类普遍的情感体验，从而跨越时空的界限，引起不同时代观众的共鸣。 从“虚浮”到“真实”的审视： 浮世绘以“虚浮世界”命名，但它所描绘的，却是一种鲜活而真实的生命力。这种“虚浮”并非虚无缥缈，而是指尘世间的名利、情欲、享乐，这些构成了人们生存的真实土壤。本书将引导读者思考，艺术家如何在描绘这些“虚浮”的同时，又捕捉到生命中最真实、最动人的瞬间。 五、 浮世绘的遗产：超越时代的魅力 浮世绘作为一种艺术形式，其影响力早已超越了日本本土，对西方艺术产生了深远的影响，尤其是在印象派画家群体中，刮起了一股“日本风”。梵高、莫奈、德加等艺术家都曾从浮世绘中汲取灵感，学习其构图、色彩和线条的处理方式。 本书将在结尾部分，简要探讨浮世绘的海外传播及其对西方艺术的影响，以及现代社会中，浮世绘艺术在漫画、设计、时尚等领域的延续与创新。这并非本书的重点，但旨在说明，那些看似古老而遥远的艺术，却能以意想不到的方式，持续地滋养着我们的当下，为我们理解美的形式与内涵，提供新的视角和灵感。 《光影织梦：浮世绘的视觉叙事》，将是一次深入的视觉体验，一次对逝去时光的深情回望。它邀请您一同走进那个充满活力与想象力的江户时代，用眼睛去感受，用心灵去聆听，那些在木版画上，由光影织就的，永恒的叙事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，坦率地说，初读时会让人感到一丝挑战，但一旦适应了它的内在韵律，便会发现其中蕴含着惊人的力量。它用词考究，句式复杂，但绝非故作高深，那些看似迂回的表达，实则是为了精确捕捉那些难以言喻的感觉和哲思。它避免了那种浮夸的赞美，而是用一种近乎科学的冷静和艺术家的敏感，去剖析现象背后的本质。例如，在描述某种建筑风格时，它不会简单地用“宏伟”或“精巧”来概括，而是会拆解光线如何被结构捕捉、材料的纹理如何影响观者的情绪，以及空间关系如何重新定义了人的尺度。这种抽丝剥茧式的分析，迫使我的思维也必须同步提升到更高的层次，去应对文字带来的结构性挑战。读完一个段落，我常常需要后退一步，不是因为我没听懂，而是因为我被文字中蕴含的密度和精确性所震撼，需要时间去消化那种纯粹的智力满足感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就充满了引人入胜的魔力，那种触感，那种油墨散发出的微微的陈旧感，一下子就能把你从日常的喧嚣中抽离出来，带入一个需要沉静心神才能步入的境地。初翻阅时，我并没有急着去捕捉那些宏大的叙事或者复杂的理论，而是沉浸在那些精心挑选的插图和版式的编排之中。每一次翻页，都像是在精心维护的花园中漫步，每一处细节都透露出制作者对“美”这个主题近乎偏执的敬畏。比如，在某一章节关于早期文明符号的探讨中，作者似乎有意地留白，让那些古老的线条在纯净的纸张上呼吸，而不是用密密麻麻的文字去扼杀它们本应有的神秘感。这不仅仅是一本书，它更像是一件艺术品，摆在书架上，它本身就构成了一种视觉的享受，提醒着我，思考美本身就是一种审美体验。我尤其欣赏它对排版间距的拿捏，那份恰到好处的疏朗，使得阅读的过程不再是信息的堆砌，而是一种呼吸的节奏，让人在文字与留白之间找到了精神的栖所。这种对物质形式的尊重，已经为接下来的精神之旅奠定了坚实而又优雅的基调。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的体验，更像是一场漫长而又细致入微的对话，它不像是教科书那样咄咄逼人地灌输知识，反而更像是一位博学的老友，带着他多年沉淀下来的阅历，在你耳边娓娓道来。它的叙事节奏是极其舒缓的，即便是面对那些在艺术史上看似枯燥的流派更迭和技术革新，作者也总能找到一个充满人文关怀的切入点。我记得其中一段关于色彩在不同文化中象征意义的论述，它并没有停留在表面的对比上，而是深入挖掘了色彩背后的社会结构和集体潜意识。那种挖掘深度，让我不得不放慢速度，时常需要合上书本，走到窗边，去重新审视窗外世界的色彩构成，将书中的理论与我眼前的真实体验进行对照。这种主动的、自我驱动的思考，是优秀书籍的标志之一。它提供的不仅仅是答案，更是提出问题的绝妙视角。它引导你质疑那些被视为天经地义的“美”的标准，让你意识到，我们所习以为常的审美框架，不过是历史长河中一个暂时的落脚点而已。这种对既有认知的温和冲击，令人回味无穷。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是，它像一位极其耐心的向导，带领你穿过一片迷雾重重的思想丛林，但这位向导从不拉着你的手，他只是在你迷失方向时，轻轻地在你身侧点亮一盏微弱却恒定的灯火。我欣赏它在跨文化比较上的克制与智慧。它清楚地知道，将不同时空的美学体系进行简单对等比较的陷阱在哪里，因此，它更多地是在探寻人类共通的审美倾向——比如对秩序与打破秩序的永恒张力——而非武断地建立一个优劣等级。它允许矛盾并存，允许模糊地带的存在，这在我读过的许多同类书籍中是极其罕见的。那种承认复杂性、拥抱不确定性的态度，使整本书的基调显得既深刻又宽容。最终，我合上书本时，内心感到的是一种宁静的充实，仿佛完成了一次漫长而富有启迪的修行，而非仅仅是读完了一本关于“美”的书。

评分☆☆☆☆☆

对我个人而言，这本书最大的价值在于它提供了一种看待日常世界的“滤镜”。在读完之后，我发现自己对周围环境的观察变得异常敏锐和挑剔，不是变得苛刻，而是变得更加珍惜。比如，走在城市街道上，我开始留意到那些被现代匆忙所忽略的细节：一块老旧墙壁上剥落的油漆所形成的自然纹理，两栋建筑在特定时间点投射出的几何阴影，甚至是一件日常用品的设计中隐藏的效率与形式的博弈。这本书没有直接教我如何去“欣赏”这些，但它通过拆解历史上的大师作品，赋予了我一套分析和解读“形式语言”的能力。这种能力是普适的，它将我从一个被动的接受者，变成了一个主动的阐释者。它让我明白，美无处不在，但只有具备了合适的工具，才能真正“看见”它们，而不是仅仅“路过”它们。这种思维方式的重塑，远比记住书中的任何一个艺术史名词更有意义。