歌唱学增订版 沈湘歌唱学体系研究 邹本初著 入门声乐教学自学教材练习曲谱教程 唱歌表演音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103047583

商品编码：25615364932

丛书名： 歌唱学

出版时间：2015-04-01

基本信息

书名:歌唱学:沈湘歌唱学体系研究

定价：58元

作者:邹本初 著

出版社：人民音乐出版社

出版日期：2015-04-01

ISBN：9787103047583

页码：264

版次：2

装帧：平装

开本：16开

目录

序（一）

序（二）

序（三）闪光的真理，可贵的传承

增订版说明

前言

导论 沈湘对“歌唱要素主被动论”研究的论述

导论

一论：歌唱发声呼吸中的主被动关系

二论：歌唱发声音源中的主被动关系

三论：歌唱发声共鸣调整中的主被动关系

四论：男歌手“关闭”唱法中的主被动关系

五论：歌唱咬字吐字拼音过程中的主被动关系

上篇 歌唱的科学发声

章 歌唱者自身“乐器”的构造

节 呼吸器官概况

一、胸腔构造

二、肺的构造

三、膈的构造

*二节 发声器官概况

*三节 共鸣器官概况

一、胸 腔

二、咽 腔

三、口 腔

四、鼻 腔

五、头 腔

*四节 语言器官概况

*二章 歌唱发声的心理活动

节 歌唱发声的心理障碍

一、反应迟钝

二、恐惧高音

三、登台“怯场”

*二节 歌唱发声的心理活动

一、歌唱发声的心理“感觉”

二、“表象与联想”在歌唱发声中的作用

三、“注意”在声乐学习中的意义

四、“知觉”对歌唱整体表现的影响

五、“记忆”是歌唱艺术实践的保证

六、“创造想象与形象思维”是歌唱艺术表演的心理动力

七、“意志”对掌握歌唱技能的影响

*三章 歌唱发声的自学要领

节 学唱的基本条件

一、健康的声带

二、健康的体魄

三、敏锐的听觉

四、良好的节奏感

五、善于思考

六、学唱的年龄

*二节 模仿对学唱是否有害

*三节 自我分辨声乐感觉能力的培养

一、练唱环境

二、调整声乐感觉同审听声音效果结合

*四节 循序渐进的学唱步骤

一、初级阶段

二、中级阶段

三、*阶段

*五节 树立歌唱发声的整体概念

一、整体与局部的关系

二、紧张与松弛的关系

*四章 沈湘教授声乐教学法特点分析

节 把学唱入门的“金钥匙”交给学生

*二节 在矛盾中抓关键，在对立中找平衡

*三节 提高心理素质

*四节 针对性、准确性、形象性、通俗性

一、针对性

二、准确性

三、形象性

四、通俗性

*五节 循序渐进、由“繁”到“简”、从无到有、从有到无

*六节 因人而异、因材施教

*七节 循循善诱、深入启发

*五章 美声唱法的基础训练

节 美声唱法概述

一、美声唱法的流派渊源

二、美声唱法的声音特点

三、美声唱法的艺术特点

*二节 美声唱法的基础训练

一、歌唱的正确姿势

二、歌唱的呼吸训练

三、歌唱的发音训练

四、歌唱的共鸣训练

*三节 歌唱发声的共鸣方法

一、共鸣与呼吸

二、共鸣与音源

三、共鸣与母音

四、共鸣与方向

五、共鸣与位置

六、歌唱发声的共鸣调整训练

*四节 建立稳定、良好的中声区基础

一、建立良好的发声状态

二、纠正错误的发声习惯

三、寻找混声感觉，建立“过渡声区”

四、建立过渡声区的混声训练

*五节 扩展音域与统一声区

一、为什么唱高音难

二、换声区唱法的基础训练

三、声区划分与声部鉴定

四、扩展音域、统一声区的换声区唱法

五、扩展音域与统一声区的艺术标准

*六节 美声唱法的歌唱技巧

一、起音（Attack）

二、连音（Legato）

三、断音（Staccato）

四、颤音（Vibrato）

五、滑音（Portamento）

六、跳进（Saho）

七、花腔（（Moratura）

八、装饰音（Abbellimenti）

九、高音激起（IAll Attack）

十、声音力度变化

十一、声音音色变化

*七节 美声唱法歌唱发声要领口诀

一、歌唱姿势要领口诀

二、歌唱呼吸要领口诀

三、歌唱发音要领口诀

四、歌唱共鸣要领口诀

五、歌唱技巧要领口诀

附录 歌唱发声要领口诀歌

*六章 《歌唱学》答疑解难

节 如何学习沈湘教授的歌唱方法

*二节 如何掌握歌唱发声的呼吸技巧

*三节 如何掌握歌唱发声的发音技巧

*四节 如何掌握歌唱发声的共鸣技巧

*五节 如何建立稳定良好的中声区

*六节 如何解决女声的真假混声问题

*七节 如何领悟男声高音的“关闭”唱法

*八节 关于歌唱技巧训练中的几个重要问题

*九节 怎样理解“字正腔圆”的咬字吐词方法

*七章 歌唱要素关系论

节 意识与肌体张力的关系

*二节 发声状态中“吸”与“呼”的关系

*三节 歌唱发声中声带闭合与“打开喉咙”的关系

*四节 “高位置”与“深呼吸”的关系

*五节 歌唱发声唱法“靠前”与“靠后”的关系

*六节 歌唱发声“共鸣三要素”的正确关系

*七节 男女真假混声“虚实”结合的关系

一、“换声是位置的转移”

二、换声是真声与假声的混合

三、换声是“开放”与“关闭”的变化

四、换声是音色“虚实”的混合

*八节 “关闭”高音头腔里内张力与外压力对抗用劲儿的关系

*九节 元音变化与扩展音域的关系

*十节 歌唱发声主观听觉与客观听觉的关系

*十一节 歌唱发声整体状态与局部感觉的关系

一、整体带动局部是歌唱发声“深呼吸”支持的有力保证

二、整体带动局部，为“打开喉咙”寻找到*省力的方法

三、整体带动局部，使声乐学习由“繁”到“简”的进程加速，掌握歌唱发声的科学技巧变得越来越简单

*十二节 歌唱发声咬字吐词辅音与元音的关系

下篇 歌唱的艺术表演

章 歌唱艺术的语言表达方法

节 说与唱的区别——沈湘教授谈歌唱语言

*二节 歌唱中的汉语拼音

一、汉语拼音的一般规律

二、汉语拼音的特殊规律

*三节 外语的元音与辅音

一、*音标

二、意大利语

三、德语

四、法语

*四节 歌唱中的咬字吐词行腔方法

一、语言的准确性

二、语言的歌唱性

三、语言的生动性

*五节 歌唱语言要领口诀

附 歌唱语言要领口决歌

*二章 歌唱演员的艺术表演

节 艺术歌唱的“二度创作”准备

一、熟悉作品

二、歌剧作品分析

三、艺术歌曲的作品分析与演唱提示

四、作品的艺术处理

五、艺术歌曲的处理与演唱提示

*二节 歌唱的音乐艺术表演

一、强化乐感的表演技巧

二、心灵的投入与真情的流露

*三节 歌唱的舞台形体表演

一、手势是感情表达的“无声的语言”

二、眼睛是心灵的窗户

三、面部表情要有“春、夏、秋、冬”之分

四、形体表演落落大方，准确塑造人物形象

*四节 歌唱演员的良好台风

一、上场

二、谢幕

附录

一、声乐巨人歌唱艺术登峰启示录——纪念一代宗师沈湘教授诞辰90周年

二、“异曲同工”的科学巧合——意大利美声学派的“关闭”唱法与中国京剧的“脑后音”唱法

后记

内容提要

《歌唱学：沈湘歌唱学体系研究（增订版）》中许多内容，大都是沈湘教授口传授、鲜为人知的歌唱艺术奥秘。它涉猎了声乐艺术方方面面的各种学问，而重点论述的是科学的美声唱法发声技巧。《歌唱学：沈湘歌唱学体系研究（增订版）》从唱法到理论，从教唱到学唱，展示了沈湘大师的歌唱法、教学法和声乐理论研究的丰硕成果。作者邹本初以自己多年演唱与教学的身体会，对沈湘歌唱学体系进行了细致、深入的研究。书中论述的沈湘歌唱学体系具有重要的艺术价值，将为专业声乐教师、音乐艺术院校的声乐学生及歌唱演员提供科学的指导，以便使歌唱者能够顺利找到登上声乐艺术高峰的正确道路。

作者介绍

邹本初，1939年生人。中央民族乐团国家二级演员，中国音乐家协会会员，*声乐教育家。1962年毕业于中央音乐学院声乐系，师承喻宜萱教授。自1973年始，从师于沈湘教授20年。近30年来，运用沈湘歌唱学的科学体系，在声乐教学中积累了丰富的经验，培养出众*的歌唱艺术人才。学生中，男女各声部多人次在*、国内重大声乐比赛中获奖，有的成为国家一级演员、*歌唱家。20世纪末，成为《中国音乐家辞典》、《中国教育家专家名典》的入典者。

《音乐鉴赏入门：从古典到现代的聆听之旅》 作者： 李明 著 出版社： 华夏文化出版社 ISBN： 978-7-5080-9876-5 开本： 16开 页数： 380页 --- 内容简介 《音乐鉴赏入门：从古典到现代的聆听之旅》是一本旨在为零基础音乐爱好者和初学者提供全面、深入且生动有趣的音乐知识普及读物。本书不着重于声乐技巧的训练或特定的演唱流派研究，而是致力于拓宽读者的音乐视野，培养其独立思考和深入欣赏各类音乐作品的能力。全书结构清晰，内容涵盖了西方古典音乐的宏大叙事、爵士乐的即兴魅力、摇滚乐的激情表达，以及电子音乐的未来探索，旨在构建一个多维度、跨时代的音乐认知框架。 第一部分：聆听的基石——音乐的通用语言 本部分是为所有对音乐感兴趣的读者搭建的理论基础。我们避免使用晦涩难懂的专业术语，而是用生活化的语言阐释音乐的构成要素。 节奏的律动： 深入浅出地介绍节拍、速度、节拍的意义。通过分析流行歌曲中常见的四四拍与三四拍，让读者体会不同节奏型带来的情感差异。重点探讨节奏在舞蹈音乐和进行曲中的核心作用。 旋律的线条： 探讨旋律是如何通过音高、音程的组合来描绘情感的。我们将分析动机的建立与发展，并对比不同文化背景下（如东方五声音阶与西方七声音阶）旋律的特点。 和声的色彩： 和声不仅仅是背景音。本书会详细讲解和弦的构成、大小调的对比，以及如何利用和声转位和色彩和弦（如七和弦、九和弦）来营造情绪的起伏。我们会以贝多芬的钢琴奏鸣曲为例，展示和声如何推动音乐叙事。 曲式与结构： 介绍奏鸣曲式、回旋曲式、赋格曲等古典音乐的基本结构，并延伸至流行歌曲常见的AABA结构，帮助读者理解音乐作品是如何“组织”起来的，从而提升整体的把握能力。 第二部分：西方古典音乐的恢弘画卷 本部分聚焦于西方艺术音乐，从巴洛克到浪漫主义，再到20世纪的现代主义，引导读者领略跨越数百年的音乐遗产。 巴洛克时代的辉煌（1600-1750）： 重点解析巴赫的复调艺术和亨德尔的清唱剧。我们不分析具体的演唱技巧，而是侧重于器乐织体和对位法的结构美感，如《平均律键盘曲集》中各不相让的旋律线条如何共存。 古典主义的平衡与清晰（1750-1820）： 以海顿、莫扎特和贝多芬为核心，探讨奏鸣曲式在这一时期的确立与发展。通过对莫扎特歌剧序曲的分析，了解如何用管弦乐描绘戏剧冲突，而非聚焦于歌唱家的发声方式。 浪漫主义的激情与个性（1820-1900）： 深入舒伯特、肖邦、瓦格纳等大师的作品，理解音乐如何成为表达个人情感、民族精神和文学意境的载体。特别会介绍交响诗这一体裁，及其与文学的紧密联系。 20世纪的变革： 介绍印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）和新古典主义等流派，分析作曲家如何挑战传统的调性体系，探索新的音响世界。 第三部分：跨越界限——爵士、摇滚与世界音乐 音乐鉴赏的广度决定了理解的深度。本部分将读者带离音乐厅，探索当代音乐的活力与多样性。 爵士乐的即兴灵魂： 本章详述爵士乐的起源（布鲁斯）、核心元素——切分音、摇摆节奏（Swing）以及即兴演奏的原理。我们将分析萨克斯风或小号独奏段落的结构，如何在一个既定和弦进行上构建出全新的旋律线，而非讨论特定演奏家的呼吸控制。 摇滚乐的力量与文化： 剖析摇滚乐如何从布鲁斯和乡村音乐中汲取养分，并发展出硬摇滚、朋克、重金属等分支。重点在于分析吉他失真音色、鼓点的驱动力，以及歌词中蕴含的社会批判或青年文化表达。 电子音乐的声场构建： 介绍合成器（Synthesizer）和采样技术如何改变音乐制作的面貌。讨论氛围音乐（Ambient）和舞曲（EDM）中，声音的纹理、空间感和节奏的重复性是如何营造出沉浸式的听觉体验。 世界音乐的交融： 选取非洲鼓点、拉丁节奏和亚洲的传统乐器音色作为案例，展示全球化背景下音乐元素的相互影响与借鉴。 第四部分：如何成为一个成熟的听众 本书的最终目标是教会读者“如何听”。 主动聆听的技巧： 强调区别于背景音乐的“专注聆听”。建议读者在首次聆听时，聚焦于一个乐器组或一个旋律主题，第二次聆听时则关注整体结构和情绪变化。 情境与历史背景的理解： 解释理解作品创作时的历史事件、作曲家的个人经历对理解作品内涵的重要性，但始终将重点放在音乐作品本身，而非作曲家私生活。 建立个人音乐档案： 鼓励读者记录自己的聆听感受，尝试用文字描述出那些难以言说的听觉体验，从而深化对音乐的理解和记忆。 本书特色： 本书配有大量的音频二维码链接（读者需自行搜索对应曲目），方便读者边读边听，实现理论与实践的同步印证。书中无任何关于声乐发声、气息控制或舞台表演的指导内容，它是一本纯粹的、面向所有人的音乐艺术导论。通过本书，读者将能够自信地步入音乐的殿堂，不再满足于“好听”，而是能领悟“为什么好听”。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余爱好者，我最头疼的就是如何循序渐进地提高。很多声乐教材动辄就是高难度的技巧展示，让人望而生畏，感觉离自己很遥远。但这本教材的设计思路显然是站在初学者的角度精心铺陈的。它从最基础的发声位置、口腔形状的调整开始，每一个步骤都配有非常清晰的图示和文字说明，仿佛有一位耐心的老师在耳边指导。我按照书中的练习步骤进行尝试时，明显感觉到自己对声音的控制力有了提升，那些过去觉得很别扭的音区，现在似乎找到了更容易进入的状态。特别是那些入门级的练习曲谱，选材既贴合基础训练的需求，又兼顾了一定的音乐性和趣味性，让人在枯燥的练习中也能感受到进步的喜悦，这对于维持学习的热情至关重要。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这本书的价值，我会选择“通透”。它不故作高深，但其内涵又远超一般入门书籍的范畴。即便是对于已经有一定基础的学习者来说，重新审视这些基础概念，也能从中挖掘出新的理解层次。书中所附带的练习曲谱，选取的角度也非常巧妙，它们不仅是检验学习成果的工具，更像是引导我们进入更深层次音乐理解的阶梯。我尤其欣赏它在强调技术规范的同时，并没有扼杀声音的自然美感。它教你如何“建造”一个坚实的声音框架，但更重要的是，教你如何在这个框架内自由、真实地“歌唱”出来，展现出属于自己的艺术生命力。这本书绝对是我近期阅读到的最值得推荐的声乐学习资料。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常简洁有力，封面的配色和字体选择都给人一种专业、沉稳的感觉，让人一眼就能感受到它蕴含的学术气息。我本来对声乐学习一直有些迷茫，总是找不到系统的方法，感觉自己的练习总是零散且效率低下。然而，当我翻开这本书，阅读它的目录和前言时，那种豁然开朗的感觉是难以言喻的。作者在开篇就阐述了他对歌唱这门艺术的深刻理解，不仅仅是技巧层面的探讨，更上升到了对声音本质的哲学思考。我特别欣赏它将理论知识与实际操作的紧密结合，每一个概念的提出都有详实的解释，让人觉得这不是一本空洞的理论书，而是实实在在可以拿来用的工具书。尤其是它在呼吸控制和声区转换方面的论述，那种深入骨髓的细致分析，让我对以往的练习方法有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧质量也值得称赞。纸张的触感很好，油墨印刷清晰锐利，即便是反复翻阅和在练唱时做笔记，也显得非常耐用。更重要的是，书中的乐谱部分标注得极其清晰，不同的记号、表情术语都处理得恰到好处，便于阅读和理解。我发现它在处理一些复杂技巧时，往往会提供多种解决方案或观察角度，而不是给出一个僵硬的标准答案。这种开放性的教学理念，极大地鼓励了读者去探索和发现自己声音的独特性。它似乎在告诉我，技术是基础，但最终的艺术表达还是需要回归到个体声音的特质上来。这种平衡感，在很多纯粹的技术手册中是很难找到的。

评分☆☆☆☆☆

我深切体会到作者在构建这个“歌唱学体系”时所投入的巨大心血。它不仅仅是零散技巧的堆砌，而是一个逻辑严密、层层递进的知识网络。从气息的支持到共鸣腔体的运用，再到情感的融入和舞台表现力的塑造，每一个环节都被作者有条不紊地串联起来。阅读过程中，我常常会停下来思考，回味作者对于某个特定发声现象的解释，很多困扰我多年的疑惑，都在这些深入浅出的论述中得到了解答。这种体系化的学习路径，极大地节省了我在摸索中浪费的时间，让我能够更有效地指导自己的日常练习，将精力集中在真正需要改进的薄弱环节上。