流行与爵士和声学基础(附光盘) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

廖季文 编

图书标签:

• 和声学
• 爵士和声
• 流行和声
• 音乐理论
• 音乐教学
• 和弦
• 乐理
• 音乐分析
• 附光盘
• 音乐

店铺： 土星图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552308266

商品编码：26175214783

开本：16

出版时间：2015-08-01

基本信息

• 商品名称：流行与爵士和声学基础(附光盘)
• 作者：廖季文
• 定价：38
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552308266

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2015-08-01
• 印刷时间：2015-08-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：108

编辑推荐语

《流行与爵士和声学基础》是一本综合了廖季文多年演奏和教学经验，耗费了大量时间和精力整编出来的书籍，以华人的音乐习惯和思考方式来解析美国爵士音乐。《流行与爵士和声学基础》与《流行与爵士和声学进阶》可谓姊妹篇。属于入门级别，综合了作者多年演奏和教学研究经验。

作者简介

廖季文，爵士吉他演奏家、上海音乐学院副教授。1956年生于中国台湾，十四岁开始学习吉他。曾任中国台湾无线电视公司大乐队首席吉他手。十余年里累积了扎实的基础和丰富的演奏经验，曾为许多知名艺人、歌星担任现场及录音室的伴奏。 在没有信息科技、爵士音乐资源贫乏的年代，凭着一股对爵士音乐的热爱与强烈的求知欲，在客观环境极差的情况下，为*上一层楼探求爵士音乐的奥秘，2001年他毅然辞去电视台的工作，只身前往波士顿的伯克里音乐学院(Berklee Music of College)学习有关爵士乐的和声、编曲及演奏等相关课程。经过两年半的寒窗苦读，得到校方给予的“Magna Cum Laude”荣誉(意为以优异成绩毕业)。2003年6月毕业后返回中国台湾，担任台北社教馆艺文餐厅(Franz and Friends)音乐总监。 2006年任教于上海音乐学院现代器乐打击乐系，开设“爵士吉他演奏”“爵士音乐理论与创编”“爵士音乐史”等课程。个人著作《流行与爵士和声学》于2010年出版，并得到上海音乐学院“2011年优良教材奖”。2006年发行个人演奏专辑《TaipeiBlues》，2014年参与东皇爵士编曲制作《从百老汇到百乐门》。

目录

序
第一章 基本乐理
一、音名与音程
二、三和弦
三、七和弦
四、和弦功能
五、终止式与挂留音和弦
六、强弱、律动、轻重
第二章 大调的子音阶
一、伊奥尼亚调式、多利亚调式、混合利底亚调式
二、趋近音
三、弗里吉亚调式、爱奥尼亚调式
四、利底亚调式、洛克利亚调式
第三章 属七和弦
一、属七和弦
二、次级属七和弦
三、次属的和弦音阶
四、处于律动弱位的属七和弦
五、先来音、迟至音
六、虚伪解决、延伸属七和弦
七、根音运动与和声连接
八、替代属七和弦
九、属和弦的关系II
十、蓝调音乐(Blues)
第四章 调式
一、大调小调的II--V--I互换
二、调式互换
三、线性惯用句
四、调式音乐
五、调式音乐和声
第五章 和声运用法则
一、延伸音原理
二、大调顺阶和弦
三、次级属七和弦
四、替代属七和弦
五、小调及调式互换
六、延伸音运用法则
附录一 曲谱分析参考
附录二 释疑解难
附录三 和弦速查
附录四 名词速查

音乐理论与创作的基石：一部关于二十世纪音乐发展脉络的深度探究 本书旨在为音乐学习者、演奏家以及对现代音乐发展史感兴趣的读者提供一个全面而深入的视角，聚焦于二十世纪以来，特别是在西方音乐语境下，和声语言是如何经历剧烈变革、并最终塑造成我们今天所听到的复杂音乐景观的。本书的侧重点在于解析这些变革背后的理论基础、技术手段及其文化语境，而非局限于某一特定流派的技巧手册。 本书共分为六个主要部分，每一部分都代表了音乐理论发展史上的一个重要阶段或核心议题。 第一部分：从功能和声的瓦解到调性的边缘地带 本部分将深入探讨十九世纪晚期浪漫主义音乐如何将其自身的功能和声体系推向极限。我们分析了瓦格纳（Wagner）的《特里斯坦与伊索尔德》和德彪西（Debussy）早期作品中，传统主属和弦关系如何被逐渐稀释、模糊，甚至完全悬置。 核心内容包括： 半音体系的泛化与色彩和弦的运用： 研究九和弦、十一和弦、十三和弦等复杂和声结构如何从装饰性元素转变为驱动音乐发展的核心动力。 调式中心感的削弱： 重点分析了基于古代调式和中世纪圣咏的非功能性调性（Modal Tonality）在音乐中的回归与重构。探讨德彪西和拉威尔如何利用这些调式色彩，营造出非传统的功能性张力与释放。 全音阶和十二音体系的前奏： 简要回顾了这一时期作曲家对传统音高组织方式的探索，为后续无调性音乐的出现奠定理论基础。 第二部分：无调性（Atonality）的诞生与结构化尝试 本部分的核心是分析如何彻底摆脱传统调性中心的音乐创作方法，并探讨早期无调性作品的内部逻辑。我们着重分析了阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）在表现主义时期（Expressionist Period）的作品，理解其动机在于捕捉人类内心深处强烈的心理冲突。 关键议题包括： 自由无调性的实践： 考察早期作品中，如何在没有明确调性中心的情况下，依然保持音乐的连贯性和结构完整性。这涉及到对动机发展、音色对比以及节奏的极端强调。 音组理论的萌芽： 详细阐述了“音组”（Tone Row/Set）概念的提出背景，分析其作为一种全新的组织十二个音的系统，如何提供了一种结构性的替代方案，以替代传统调性的功能组织。 第三部分：序列主义（Serialism）的严谨与扩展 序列主义是二十世纪中期最具影响力的音乐理论之一。本部分将深度剖析序列技术的成熟过程及其带来的革命性影响。 内容聚焦于： 十二音技法的规范化： 详细介绍勋伯格十二音技法的基本操作，包括对基本组（Prime Form）、逆行（Retrograde）、反向（Inversion）和逆行反向（Retrograde Inversion）的排列与应用。 韦伯恩（Webern）的精炼与密度： 分析安东·韦伯恩如何将音高序列的思维扩展到其他音乐元素上，如节奏、力度和音色，从而催生了“总体序列主义”（Total Serialism）。 序列主义的局限与批判： 探讨过度依赖预先设定的结构可能导致的僵化问题，并引入早期批评家的观点，讨论听觉感知与结构复杂性之间的平衡点。 第四部分：新的声音景观：机遇与偶然性 随着序列主义的内部矛盾凸显，另一股重要的思潮——偶然音乐（Aleatoric Music）——应运而生。本部分探讨了作曲家如何主动引入不确定性、随机性或听众的选择权，作为对战后音乐过度控制的反拨。 深入解析以下主题： 约翰·凯奇（John Cage）的哲学基础： 探讨凯奇对东方哲学（尤其是禅宗）的吸收，以及“机会操作”（Chance Operations）在作曲中的具体体现，例如利用《易经》或掷硬币来决定音乐参数。 开放性作品（Open Form）： 分析具有可移动部分的乐谱，以及演奏者在特定框架内进行即兴创作的可能性。 声音的本体论转变： 探讨将非传统声音元素（如噪音、环境声）纳入音乐范畴的理论基础，以及如何通过乐谱符号来指示或引导这些声音的出现。 第五部分：极简主义（Minimalism）的回归与节奏的复兴 与前几十年复杂化的趋势形成鲜明对比的是，二十世纪下半叶的极简主义音乐以其简洁、重复和过程性的特点，取得了巨大的听众基础。本部分将分析其背后的数学和感知理论。 探讨内容包括： 过程音乐的机制： 详细分析特里·莱利（Terry Riley）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）在“相位”（Phasing）技术、持续音（Drones）和节奏细胞（Rhythmic Cells）上的创新。 听觉感知与时间感： 解释为何这些看似简单的音乐模式能产生强烈的心理影响，涉及对听觉阈限、模式识别和时间流逝感知的分析。 跨文化影响： 考察极简主义与非西方（特别是非洲鼓乐和印度拉格）音乐节奏模式之间的相互影响。 第六部分：电子音乐与声音合成的理论前沿 本部分将目光投向了技术对音乐理论的深刻影响。电子音乐的兴起不仅是工具的革新，更是对“音高”这一核心概念的重新定义。 核心章节涵盖： 早期电子音乐的实验： 分析磁带音乐（Musique concrète，皮埃尔·舍费尔的“具体音乐”）和电子合成器音乐（Elektronische Musik，科隆学派）的理论差异与交集。 参数合成与模块化： 介绍振荡器、滤波器、调制器等基本合成器的理论功能，以及作曲家如何利用这些工具创建出在传统乐器上无法实现的音色（Timbre）。 频谱分析与声音设计： 探讨傅里叶分析在理解和重构复杂声音波形中的作用，以及声音景观（Soundscape）理论在城市音乐环境中的应用。 本书的撰写风格旨在保持学术的严谨性，同时通过对具体音乐实例的细致分析，确保理论的生动性和可操作性。它不提供一套即学即用的“流行”或“爵士”和声规则，而是引导读者理解二十世纪音乐的内在逻辑是如何从传统崩塌的废墟上重建起来的。读者将通过本书，获得一套解析二十世纪乃至当代复杂音乐作品的强大思维工具。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐理论的学习一直抱有一种敬畏之心，总觉得那是一门非常高深的学问。然而，《流行与爵士和声学基础》彻底改变了我的看法。这本书用一种非常友好的姿态，引领我走进了和声的世界。它没有使用过于专业化的术语，即使是初学者也能轻松理解。书中的图示和表格清晰明了，将复杂的和弦结构和音程关系直观地呈现出来，大大减轻了我的学习负担。 我特别喜欢书中对“听”的强调。它不仅仅是让你去“记”理论，更是鼓励你去“听”音乐，去体会和声带来的听觉感受。通过对比不同和弦进行在歌曲中的效果，我开始能够更敏锐地捕捉到音乐中的细微差别，也更能理解为什么某些旋律会与特定的和声产生共鸣。光盘中的示例音频，不仅仅是理论的验证，更是感性的启发。聆听这些音频，我仿佛能感受到作者在创作过程中所捕捉到的音乐情感，这种身临其境的学习体验，是我以前从未有过的。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我眼前一亮！作为一个对音乐一直怀有浓厚兴趣，但又苦于找不到入门途径的爱好者来说，这本书简直像及时雨。我之前尝试过一些音乐理论的书籍，但往往过于晦涩难懂，充斥着各种抽象的概念，让我望而却步。然而，《流行与爵士和声学基础》却用一种非常平易近人的方式，将复杂的和声理论拆解开来，化繁为简。书中的例子都来源于我们熟悉的流行歌曲和经典爵士乐段落，这让我在学习的过程中能够立刻感受到理论的实际应用，也极大地激发了我的学习热情。 我尤其喜欢书中对和弦进行和转调的讲解。以往我总觉得和弦的转换是件很神秘的事情，感觉音乐家们凭空就能创造出动听的和弦走向。但这本书通过循序渐进的讲解，让我明白了其中蕴含的逻辑和规律。它不仅解释了为什么某个和弦会连接到另一个和弦，还探讨了不同和弦进行所能营造出的不同情感色彩。通过对不同调性之间连接的分析，我开始理解歌曲是如何在多个调性之间进行“旅行”的，这让我对音乐的结构有了更深刻的认识。附带的光盘更是锦上添花，许多例子的演奏和演唱都收录其中，我可以一边看书一边听，将理论和实践完美结合，学习效果事半功倍。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余吉他手，我一直在寻找能够提升我即兴演奏和编曲能力的教材。《流行与爵士和声学基础》可以说是完全契合了我的需求。这本书没有将理论束之高阁，而是非常注重实际操作。它详细地介绍了各种和弦的构成、功能以及在不同音乐风格中的运用，这对我理解歌曲的“骨架”起到了至关重要的作用。更让我惊喜的是，书中深入剖析了许多爵士乐的经典曲目，例如《Autumn Leaves》、《So What》等，并详细讲解了它们的和声走向和即兴演奏的思路。这让我能够从大师的作品中学习，并尝试将这些理念应用到自己的演奏中，感觉自己的音乐视野一下子开阔了很多。 这本书的另一大亮点在于其对“味道”的捕捉。流行音乐的和声往往追求直接的情感表达，而爵士乐的和声则更加丰富和微妙。这本书巧妙地将两者融合，既讲解了流行音乐中常用的和弦功能，也介绍了爵士乐中常见的色彩和弦、替代和弦等。这些“秘密武器”让我的演奏不再单调，能够表达出更细腻的情感变化。光盘中的伴奏音轨也非常实用，我经常用它们来练习即兴，尝试不同的和弦套路和旋律走向，感觉自己的音乐语言正在变得越来越丰富。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对音乐创作充满热情但又缺乏专业知识的独立音乐人。在我的创作过程中，我常常会遇到瓶颈，尤其是当我想为自己的旋律寻找更具表现力的和声时。这本书就像一位经验丰富的导师，为我指明了方向。《流行与爵士和声学基础》非常系统地讲解了流行和爵士音乐中常用到的和弦类型、进行方式以及它们的功能。它不仅教我如何“构建”和弦，更教我如何“运用”和弦来表达特定的情感和意境。 书中关于“色彩和弦”的讲解尤其让我受益匪浅。我之前只知道一些基础的和弦，但这本书让我了解到，通过加入一些特定的音符，比如九度、十一度、十三度，甚至是一些转位，就能为和声增添丰富的色彩和层次。这极大地拓展了我的创作可能性，让我能够写出更具个性和深度的作品。光盘中的伴奏，让我可以在创作时立刻检验我的和弦想法，并根据实际听感进行调整，大大提高了我的创作效率。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院的学生，我一直被要求学习各种复杂的音乐理论。然而，《流行与爵士和声学基础》却以一种独特的视角，将我从繁琐的理论细节中解放出来，让我看到了流行和爵士和声的灵魂所在。这本书将和声理论与实际的音乐创作紧密结合，提供了大量生动的案例分析，让我能够理解为什么在某些情况下，音乐家会选择某种特定的和弦进行，以及这种选择会带来怎样的听觉效果。 我尤其欣赏书中对爵士乐即兴和声的讲解。它不仅仅是列出了一些理论上的可能性，更是深入剖析了爵士乐大师们的演奏思路，让我能够理解他们是如何在复杂的和声框架下进行自由创作的。这本书对“和弦功能”的阐释也非常到位，它让我明白，即使是看似复杂的爵士和弦，其背后也往往有着清晰的功能性和逻辑性。光盘中的音频，让我能够更直观地感受这些理论在实际演奏中的运用，也为我的音乐实践提供了宝贵的参考。