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店铺： 北京新脚步图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807512844

商品编码：26179127426

丛书名： 电影中的音乐

 

 

 

 

内容推荐 近年来，随着我国文化事业的发展，大量的国外电影作品被引进了我国。同时我国的电影艺术家也走出了国门，并多次在世界各种电影节上为国家赢得荣誉。随即，与这些影片融为一体的电影音乐也引起了人们的兴趣和关注。
电影音乐从它诞生至今虽然已有百余年的历史，但与其他姐妹艺术（如：诗歌、小说、绘画、雕塑等）相比，还是一门年轻的艺术。然而随着电影技术日趋完善和电影放映的普及，电影音乐已迅速打破地域界限，飞向世界各个角落，飞入亿万人民的心中。它比交响乐、大合唱等音乐作品更通俗、更易懂，也更为人们所喜爱，因此也拥有更多的听众。 
如今，电影音乐已成为大众音乐生活中一个不可或缺的重要组成部分，但如何引导人们欣赏电影音乐，以至进一步对电影音乐美学理论展开研究探讨的书籍还是相当稀少。狄其安教授在从事课堂教学的同时，潜心撰写的本书内容翔实，资料丰富，并深入浅出、易于阅览，为广大电影音乐爱好者如何系统地鉴赏电影音乐提供了有益的帮助。

 

音乐之声：一部跨越时代的旋律之旅 导言： 音乐，作为人类情感最直接的表达方式，其魅力在于能够穿越时空的界限，触动我们内心深处最隐秘的角落。本书旨在带领读者进入一个由旋律、和声与节奏构建的奇妙世界，探索音乐艺术的精髓与实践。这不是一本晦涩难懂的理论手册，而是一次充满启发性的探索之旅，它将带领初学者建立坚实的音乐基础，同时为有经验的音乐爱好者提供更深层次的理解和新的视角。我们将聚焦于音乐语言的构建、人类听觉的奥秘，以及如何在创造性实践中运用这些知识，最终目标是让读者不仅能“听”到音乐，更能“理解”和“创造”音乐。 第一部分：音乐的基石——听觉与理论的初探 本部分将专注于打下坚实的音乐理论基础，但我们将采用一种更贴近实际听感的方式来介绍这些概念。 第一章：声音的物理与心理 我们将从物理学角度审视声音的本质——频率、振幅与波形，并探讨这些物理特性如何在人脑中转化为我们所感知的音高、响度和音色。此外，我们将深入研究人类听觉的生物学特性，包括音高的分辨能力、对和声的天然偏好，以及环境声学如何影响我们的音乐体验。理解“我们如何听到”是理解“我们如何创作”的第一步。 第二章：音高与节奏的结构 本章将系统介绍音高系统的构建，从基本的半音阶到大小调的划分，以及十二平均律的历史背景与实际应用。我们不会停留在枯燥的音名记忆上，而是会通过大量的听辨练习，让读者建立起对不同调式之间情感色彩差异的直观感受。节奏部分，我们将解析节拍、小节线和复杂节奏型的构成，着重探讨节奏在构建驱动力与音乐张力中的作用。我们将分析不同文化中节奏处理的差异，例如对非洲复节奏和古典乐中严格节拍的比较。 第三章：和声的语言——关系与功能 和声是音乐的骨架。本章将详细阐述和弦的构建原理，从三和弦到七和弦，以及更复杂的延伸和弦。重点将放在“功能和声”的概念上，即主、属、下属和弦之间的动态关系如何推动音乐的进行和解决。我们将通过分析巴赫的对位练习和浪漫主义时期的管弦乐段落，展示功能和声如何在不同历史时期被灵活运用。同时，我们会引入调式和声的概念，拓宽读者对和声色彩的认知。 第四章：旋律的构建与线条 旋律是音乐的灵魂。本章探讨如何创作出既令人难忘又逻辑清晰的旋律线。我们将分析模进、动机发展、轮廓设计和音程选择的技巧。我们将剖析优秀旋律的特征，例如节奏的对比、乐句的呼吸感，以及如何利用对比元素（如大跳与级进）来增强旋律的戏剧性。 第二部分：音乐的织体与形式——构建宏伟的蓝图 掌握了基本元素后，我们需要学习如何将它们编织成完整的作品。 第五章：织体的多样性 本章着重探讨音乐织体（Texture）的运用。我们将区分主调音乐、复调音乐和单音音乐，并通过具体的范例，如赋格曲中的对位、奏鸣曲中的主导旋律与伴奏的层次感，来展示织体变化如何服务于音乐的表达。我们会讨论如何通过增加或减少声部、改变音域配置来瞬间改变听觉的焦点和深度。 第六章：音乐的骨架——形式分析 音乐需要结构才能完整。本章将系统介绍西方古典音乐中常见的主要形式，包括二部曲式、三部曲式、回旋曲式和奏鸣曲式。我们会详尽拆解奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部是如何通过主题的引入、冲突、发展与回归来构建一个完整的叙事弧线。理解这些形式，能让读者洞察作曲家如何巧妙地控制听众的预期和满足感。 第七章：管弦乐配器基础 配器是将书面乐谱转化为立体声响的关键。本章提供对管弦乐团各声部（弦乐、木管、铜管、打击乐）音色特性、音域特点和演奏技巧的概览。我们将学习如何根据音乐情感需求选择合适的乐器组合，理解不同乐器之间的平衡问题，以及如何利用乐器的独特音色来强调或柔化特定的音乐动机。 第三部分：风格的演变与跨界视野 音乐并非静止的教条，它随时代而变。本部分将引导读者跳出单一音乐范畴的限制。 第八章：从文艺复兴到浪漫主义的色彩变迁 本章将以时间轴为线索，概述西方音乐风格的重大转折点。我们将讨论巴洛克时期的装饰艺术与固定低音概念；古典主义时期的清晰、平衡与结构美；以及浪漫主义时期对个人情感的极致表达、和声的拓展和管弦乐队规模的急剧膨胀。通过关键作品的片段分析，读者将能捕捉到不同时代音乐语汇的细微差别。 第九章：二十世纪的革命与多元化 二十世纪的音乐打破了所有既有规则。我们将探讨印象主义、表现主义、序列音乐、无调性音乐以及极简主义等重要的现代音乐思潮。本章的重点在于理解作曲家们如何挑战传统听觉习惯，探索新的音高组织系统（如十二音体系）和节奏的自由化。 第十章：爵士乐、布鲁斯与世界音乐的融合 为了拓宽视野，本章将转向非传统西方古典体系。我们将分析爵士乐的即兴创作原理，如和弦替代、琶音与音阶的使用；布鲁斯音阶的独特情感张力；以及世界音乐（如印度拉格、印尼甘美兰）中独特的调式结构和节奏思维。理解这些体系如何与西方体系进行对话和融合，能为创作者提供无限的灵感源泉。 结语：创造的起点 本书的最终目的，是激发读者的创造潜能。通过对理论的理解、对历史的认知和对不同风格的接触，我们希望读者能够自信地拿起工具，将脑海中尚未成形的听觉意象，转化为实际的音乐作品。音乐创作是一场永无止境的探索，愿本书成为你旅程中可靠的向导。

评分☆☆☆☆☆

之前我一直对电影中的配乐感到好奇，总觉得它们能精准地抓住观众的情绪，但又不知道是怎么做到的。这本书就像一盏明灯，照亮了我对电影音乐的求知之路。虽然它没有直接教你如何写出一首电影配乐，但它深入浅出地讲解了音乐理论在电影中的应用。我最喜欢的是关于“情感色彩”的章节，作者详细阐述了如何通过不同的音程、和弦进行、节奏模式来营造喜悦、悲伤、愤怒、恐惧等各种情绪。他用《泰坦尼克号》主题曲的旋律分析，说明了主歌部分的抒情与副歌部分的激昂是如何层层递进，最终点燃观众的情感的。书中还涉及了“音乐叙事”的概念，讲解了如何通过音乐来推进剧情，暗示角色的心理变化，甚至引导观众的注意力。我还学到了一些关于“音响设计”和“音效”与音乐的融合技巧，比如如何在紧张的动作场面中，用强烈的鼓点和失真的音效来制造压迫感。这本书让我明白，电影中的音乐并非简单的背景音，而是与画面、剧情同等重要的叙事元素。每次看电影，我都会忍不住去回想书里讲过的理论，然后更加深刻地体会到音乐的力量。

评分☆☆☆☆☆

这本书绝对颠覆了我对电影音乐的固有认知！之前总觉得电影配乐就是凭感觉、堆砌音效，没想到它背后竟然蕴含着如此严谨的音乐理论体系。作者从最基础的和弦进行、调性分析讲起，一步步深入到不同类型电影（比如科幻、惊悚、浪漫喜剧）中常用的音乐手法和情感表达方式。我印象最深刻的是关于“动机发展”那一章，作者通过分析《星球大战》和《007》的经典主题旋律，详细阐述了如何通过简单的音乐动机，在不同场景下进行变奏、变形，从而构建起庞大的音乐叙事。这让我意识到，原来那些让我们为之动容的旋律，并非偶然，而是经过精心设计的艺术品。书中还穿插了大量不同时期、不同风格的电影片段赏析，从巴洛克时期的宫廷音乐在历史片中的运用，到现代电子乐在动作片中的爆发力，都讲解得鞭辟入里。我最喜欢的是作者分析《辛德勒的名单》主题曲的部分，那种极简的旋律如何传递出深沉的悲痛和人性的光辉，让我反复聆听，久久不能平静。这本书真的不是简单的“如何作曲”，而是“如何理解和运用音乐来讲述电影故事”，对于任何一个热爱电影、对音乐有兴趣的人来说，都是一场视听与思想的双重盛宴。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书的初衷是想了解一些关于电影音乐的“冷知识”或者幕后故事，但它带给我的却是系统性的音乐理论知识。书中虽然没有直接写“电影配乐是如何制作的”，但它通过讲解大量的音乐理论，例如“调式与色彩”、“对位法在电影音乐中的运用”，以及“不同乐器组合的情感暗示”等内容，让我对音乐本身有了更深的理解。作者非常巧妙地将这些抽象的理论概念，通过分析经典电影的配乐片段进行具象化。比如，在讲“对位法”时，他分析了《教父》中马龙·白兰度出场时的音乐，如何用两条独立的旋律线并行，既烘托了人物的威严，又暗示了其内心的复杂。我还学会了如何辨别和欣赏不同“音色”在电影中的作用，比如长笛的空灵、大提琴的低沉、小号的嘹亮，在不同的情境下分别能够带来怎样的心理感受。书中关于“动机的重复与发展”这一部分，让我对很多经典电影主题曲的记忆点有了更清晰的认识，原来那些耳熟能详的旋律，背后是如此精妙的音乐逻辑。这本书让我感觉像是打开了一个新的世界，让我能够用一种全新的视角去欣赏和理解电影中的音乐。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为电影配乐是那些大作曲家凭空想象出来的，直到读了这本书，才发现原来背后有如此扎实的理论功底。这本书并没有直接教你如何“作曲”，但它通过分析大量经典的电影音乐，让你深刻理解音乐理论的精髓。比如，书中关于“主导动机”的讲解，通过《007》系列电影的主题旋律，让我明白一个简单的音乐动机是如何贯穿整部影片，并随着剧情的发展而演变，成为影片的标志性符号。我还学到了关于“和声的色彩”这一概念，作者用《肖申克的救赎》中那些充满希望的段落为例，解释了如何运用大调和弦、开放的音程来营造出轻松、自由的氛围。书中关于“节奏与情感的关联”的讨论也让我印象深刻，作者分析了《黑客帝国》中那些充满科技感的电子音乐，是如何通过快速、重复的节奏来营造出紧张、未来感十足的氛围。这本书让我明白，电影配乐的魅力不仅仅在于旋律本身，更在于它如何巧妙地运用音乐理论，与电影的视觉语言相互作用，最终构建出完整的艺术体验。它让我对电影音乐有了全新的认识，也让我更加欣赏那些幕后辛勤付出的音乐家们。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书完全是冲着“作曲教程”这个标题来的，想着能学点实操技巧，结果它给我的惊喜远超预期！虽然书里确实有关于旋律、和声、配器等基础作曲技法的讲解，但更让我兴奋的是作者如何将这些理论与电影语言相结合。比如，关于“节奏与剪辑的匹配”，作者举了很多例子，讲解了如何通过音乐的节奏变化来呼应画面的切换、人物的动作，甚至营造出紧张、舒缓、错乱等不同的情绪。我还学到了很多关于“情绪调动”的技巧，比如如何利用小调和弦来表达悲伤，如何用渐强的鼓点来增加紧迫感，甚至是如何通过音程的跳跃来暗示人物内心的不安。书中还有一个章节专门讲“莱特曼-斯科特风格”（Lietman-Scott Style）在悬疑片中的应用，虽然我之前没听过这个说法，但看完作者的分析，再回顾一些经典悬疑片，顿时豁然开朗，原来那些让人毛骨悚然的音效和突然出现的刺耳和弦，都有其特定的音乐学原理。我特别喜欢作者对《盗梦空间》多层梦境的音乐设计分析，如何用不同的音乐主题和配器来区分不同的梦境层级，真是太巧妙了！这本书真的让我从一个“听众”变成了一个“解构者”，看电影时也开始主动分析其中的音乐成分了。