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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552306828

商品编码：28494727865

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音乐剧术语词典 音乐 书籍
作者：	张小群
定价：	20.0
出版社：	上海音乐
出版日期：	2014-12-01
ISBN：	9787552306828
印次：
版次：	1
装帧：	平装-胶订
开本：	32开

内容简介

本书尽可能全面囊括相关音乐剧的各门类词条，力图从各不同的角度来满足读者，并通过术语间内在的关联与链接进行类别分配。

目录

总序 前言 一、音乐剧专业术语 　1.音乐剧类型 　2.音乐剧舞台观演 　3.音乐剧制作团队结构名称 　4.音乐剧相关学会名称 　5.音乐剧奖项名称 二、音乐剧戏剧术语 　1.戏剧类型 　2.戏剧表演 三、音乐剧音乐术语 　1.音／节奏 　2.速度／力度 　3.和声／曲式 　4.调式／律／谱 　5.表情术语 　6.声乐 　7.器乐（乐队） 　8.音乐体裁，时期，流派 　9.爵士乐 　（1）爵士乐种类 　（2）爵士乐常用乐器 　（3）爵士乐常用术语 　（4）摇滚乐类型 四、音乐剧舞蹈术语 　1.音乐剧舞蹈的特点 　2.音乐剧风格舞蹈 　3.音乐剧的编舞家及导演 　4.Bob Fosse鲍勃·福斯 　鲍勃·福斯经典动作解析 　（1）手部 　（2）手臂 　（3）臀部 　（4）腿部与脚 　（5）步伐 　（6）身体位置 　（7）跳跃脚步 　5.音乐剧舞蹈表现形式的类型 附录 　1.音乐剧剧目列表 　西方音乐剧 　中国音乐剧 　2.音乐剧作曲家 　3.音乐剧演员 参考书目 　中文参考书目 　英文参考书目 后记

编辑

张小群编著的《音乐剧术语词典/北京舞蹈学院纪念建校60周年系列丛书》是北京舞蹈学院60周年院庆系列图书之一。 《音乐剧术语词典/北京舞蹈学院纪念建校60周年系列丛书》对音乐剧中的专业名词等多个方面进行归纳与解释。对于音乐剧初学者、爱好者具有一定参考价值。＂

古典音乐的奥秘与辉煌：一部深度导览 书籍名称： 鸿蒙之声：古典音乐史论与鉴赏指南 作者： 艾米莉亚·范德比尔特 出版社： 皇家音乐学院出版社 装帧： 精装，附赠高保真音频样本二维码 --- 内容简介 《鸿蒙之声：古典音乐史论与鉴赏指南》并非仅仅是一本关于“古典音乐是什么”的教科书，它是一部跨越千年、深入解析西方音乐思想演变、结构精髓与文化影响力的百科全书式著作。本书旨在引导读者——无论您是初涉音乐殿堂的新手，还是寻求更深层次理解的专业人士——穿越巴洛克的光影、古典主义的严谨、浪漫主义的激情，直至二十世纪的颠覆与后现代的探索。 本书结构宏大而缜密，共分为五大部分，辅以详尽的索引和术语对照表，确保内容的连贯性与学术的严谨性。 --- 第一部分：源起与奠基——中世纪至巴洛克时代的和声探索 (约占全书25%) 本部分着重探讨西方音乐如何从单一的圣咏（Gregorian Chant）发展出复调（Polyphony）的复杂结构，为后世的音乐语言打下坚实的基础。 1.1 中世纪的聆听：格里高利圣咏与早期记谱法 详细剖析了九世纪至十四世纪的音乐实践，重点介绍“纽姆记谱法”（Neumes）的出现如何标志着音乐从口头传统向精确记录的飞跃。讨论了早期乐派，如巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）中佩罗坦（Pérotin）等大师如何拓展了节奏的维度。 1.2 文艺复兴的平衡：人声的黄金时代 聚焦于十五至十六世纪，探究复调艺术如何达到其顶峰。我们深入分析了若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）和帕莱斯特里那（Palestrina）的作品，阐释“模仿对位法”（Imitative Counterpoint）的精妙结构，以及音乐如何服务于宗教仪式与世俗庆典的和谐统一。本节尤其关注了“牧歌”（Madrigal）这一体裁在表达细腻情感方面的突破。 1.3 巴洛克的激情与理性：情感的结构化表达 这是本书篇幅最重的一块基石。巴洛克时期（约1600-1750年）是音乐史上革命性的阶段。我们将详细拆解“巴洛克术语”，如“通奏低音”（Basso Continuo）的运作机制，以及“固定低音”（Ground Bass）在咏叹调中的心理暗示作用。 歌剧的诞生与发展： 详述佛罗伦萨卡梅拉塔（Camerata Fiorentina）的理论探索，以及蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过“第二实践”（Seconda Pratica）将戏剧冲突融入音乐。 器乐形式的成熟： 重点解析协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）和赋格（Fugue）的结构蓝图。对巴赫（J.S. Bach）的《平均律钢琴曲集》进行透彻的“结构解剖”，展示其对十二平均律的实践意义，而非仅仅是技巧展示。探讨亨德尔（Handel）在清唱剧（Oratorio）中如何运用宏大的合唱来塑造史诗般的叙事。 --- 第二部分：光影与秩序——古典主义时期的清晰逻辑 (约占全书20%) 古典主义（约1730-1820年）是对巴洛克繁复装饰的回归与提纯。本部分的核心在于“清晰性”、“平衡感”与“清晰的乐句结构”。 2.1 奏鸣曲式的结构解析 本书将奏鸣曲式（Sonata Form）视为古典音乐的“建筑蓝图”，而非僵硬的公式。我们详细分析呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）中主题的“功能性转换”，并讨论海顿（Haydn）如何通过幽默和结构上的创新，将此形式推向成熟。 2.2 交响曲与弦乐四重奏的典范 探讨维也纳古典乐派三杰——海顿、莫扎特（Mozart）和早期贝多芬（Beethoven）——如何确立交响曲的四乐章标准结构。对莫扎特的歌剧，如《费加罗的婚礼》，进行深入的“角色音乐心理学”分析，探讨咏叹调与宣叙调的交替如何推进戏剧进程。 2.3 贝多芬的桥梁作用：从古典到浪漫 着重分析贝多芬晚期作品如何突破古典的形式束缚，预示着浪漫主义的到来。探讨其在《第九交响曲》中对“人类精神”的宏大表达，以及他如何将传统曲式进行“结构拉伸”和“情感饱和”。 --- 第三部分：情感的潮汐——浪漫主义的个体化表达 (约占全书25%) 浪漫主义（约1815-1910年）是音乐史上个人情感、民族主义和超自然想象力爆发的时代。 3.1 主题的诗意化：艺术歌曲与叙事诗 深入分析舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）中，钢琴伴奏如何从简单的和声支持转变为与人声同等重要的“叙事伙伴”（如在《冬之旅》中）。讨论李斯特（Liszt）如何通过“交响诗”（Symphonic Poem）这一新体裁，将文学叙事直接转化为纯器乐表达，并解析其“双向”钢琴技巧的革新。 3.2 民族主义的旋律：寻找本土之声 探讨十九世纪中后期，各国的作曲家如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，挑战德奥音乐的主导地位。重点分析俄国的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克（Dvořák）以及斯美塔那（Smetana）的作品，分析其配器中对本土乐器和旋法的运用。 3.3 晚期浪漫主义的扩张与瓦解 分析瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）系统，阐释其在《尼伯龙根的指环》中如何构建一个复杂的、相互关联的音乐语义网络，以及他如何使用“和声的极大延展”来打破传统调性的稳定感。同时，探讨马勒（Mahler）交响曲中对极端规模、民间曲调与末世哲思的融合。 --- 第四部分：分崩与重构——二十世纪的音乐革命 (约占全书20%) 二十世纪是音乐语言最剧烈动荡的时期，本部分系统梳理了对传统“美学”的挑战与颠覆。 4.1 印象主义与非德奥的色彩实验 分析德彪西（Debussy）如何运用“全音阶”（Whole-Tone Scale）和“五声音阶”（Pentatonic Scale），描绘光影的流动而非坚实的结构，从而构建出“印象主义”的听觉体验。对比拉威尔（Ravel）在继承古典技艺下对色彩的精妙运用。 4.2 结构上的颠覆：无调性与序列主义的诞生 详述勋伯格（Schoenberg）如何从浪漫主义的紧张感出发，最终发展出“无调性”（Atonality），并系统化为“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）。深入讲解巴贝克的“音组”（Set）概念及其在创作中的应用逻辑，解析韦伯恩（Webern）的序列音乐如何追求极致的结构纯净与精炼。 4.3 原始主义与节奏的暴力 聚焦于斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》所带来的冲击，分析其如何通过“多重节拍”（Polyrhythm）和“节奏的非对称性”来表达原始生命力的爆发，以及此作品在首演时引起的巨大文化反响。 --- 第五部分：后现代的回响与展望 (约占全书10%) 本书的收官部分着眼于战后音乐思潮的多元化发展，并探讨技术进步对音乐创作的深远影响。 5.1 偶然性与电子媒介的介入 探讨约翰·凯奇（John Cage）的“偶然音乐”（Chance Music）对“作者意图”的挑战，以及《4'33"》的哲学意义。系统介绍早期电子音乐工作室的建立，以及对磁带音乐（Tape Music）和合成器（Synthesizer）技术的早期探索。 5.2 新古典主义的回望与极简主义的迭代 分析普罗科菲耶夫（Prokofiev）和肖斯塔科维奇（Shostakovich）如何在苏维埃体制的压力下，如何运用古典结构来承载现代情感。重点解析菲利普·格拉斯（Philip Glass）和史蒂夫·赖希（Steve Reich）的“极简主义”（Minimalism），阐释其通过相位技巧（Phasing）和重复结构如何实现缓慢而深刻的听觉感知变化，引导听众进入一种冥想性的“过程之美”。 --- 附加价值 本书附有详细的“历史乐器演变图谱”，清晰展示了钢琴从大键琴（Harpsichord）到现代三角钢琴的机械结构变化及其对音色库的影响。此外，每章末尾均附有推荐的“核心曲目清单”，并提供在线资源指引，供读者循序渐进地将理论知识转化为实际的聆听体验。 《鸿蒙之声》力求提供一个全面、深入且充满洞察力的视角，揭示古典音乐——这一人类精神活动的最高结晶——背后蕴含的永恒智慧与无尽魅力。它不仅仅是知识的堆砌，更是一场对时间与和声的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐剧术语词典》的出现，对于我这个音乐剧“小白”来说，无疑是一场及时雨。我一直很喜欢看音乐剧，但总觉得自己的理解停留在表面，很多时候，看到剧评或者听音乐会上，那些专业人士谈论的“变奏”、“赋格”、“转调”等等，我只能似懂非懂地跟着点头，内心却充满了求知若渴的渴望。这本书就像一本贴心的向导，带领我一步步走进音乐剧的艺术殿堂。它的内容组织得非常合理，不像那种厚重的学术专著，而是更加亲民，更适合像我这样的普通爱好者。我尤其喜欢它在解释一个术语时，会追溯到它的历史渊源，比如“宣叙调”的出现，它会讲到早期歌剧是如何运用它来推动剧情的，以及在后来的音乐剧中，它又发展出了哪些不同的形式。这让我不仅仅是记住了几个生僻字，更是理解了这些术语背后所承载的文化和艺术意义。每次看完一部音乐剧，我都会翻开这本书，查找其中出现的、我不熟悉的术语，然后会有一种豁然开朗的感觉，仿佛之前被蒙住的双眼突然看到了清晰的世界。这本书极大地提升了我欣赏音乐剧的乐趣，让我能够更细致地去品味其中的每一个细节。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在研究音乐剧的创作理论，作为一名业余的创作者，我深感自己在这方面的知识储备还远远不够。《音乐剧术语词典》这本书，恰恰填补了我在这方面的空白。这本书的专业性毋庸置疑，它对音乐术语的解释精准且深入，涵盖了从基础的音程、和弦到更复杂的曲式分析，以及一些在音乐剧创作中常用的特定技法。例如，关于“动机发展”，书中不仅给出了严谨的定义，还引用了大量音乐剧片段作为范例，分析了作曲家是如何通过一个简短的音乐动机，在整部作品中进行巧妙的变奏和发展，从而构建出丰富的情感层次和叙事线索。此外，书中还涉及了许多与戏剧结构、表演方式相关的术语，比如“情节冲突”、“人物弧光”等，这些都为我提供了宝贵的创作思路。我常常在创作过程中遇到瓶颈，这时候翻开这本书，总能从中获得新的灵感和启发。它让我明白，一部优秀的音乐剧，绝不仅仅是旋律的堆砌，而是各个艺术元素有机结合的结晶。这本书是我在音乐剧创作道路上的一位良师益友。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到《音乐剧术语词典》这本书，我其实是抱着一种观望的态度。毕竟，术语这种东西，很多时候都是枯燥乏味的，我担心它会变成一本冷冰冰的工具书，只适合收藏在书架上，而不是真正去阅读和使用。然而，事实证明我的担心是多余的。这本书的编辑思路非常巧妙，它不仅仅是罗列术语，更像是给每一位读者铺设了一条通往音乐剧深邃海洋的路径。它以一种非常有条理的方式，将看似复杂晦涩的音乐术语，拆解成一个个易于理解的单元。例如，关于“华彩乐段”，它不仅仅给出了定义，还解释了在不同历史时期，华彩乐段的角色和地位是如何演变的，甚至提到了几位著名作曲家在华彩乐段创作上的独到之处。这种深入浅出的讲解，让我在掌握术语的同时，也潜移默化地了解了音乐剧的发展脉络和艺术风格。更令人惊喜的是，书中还包含了许多与音乐剧表演相关的术语，比如“定场诗”、“踢踏舞”等，这些都极大地丰富了我对音乐剧整体艺术形式的认知。它让我明白了，一部成功的音乐剧，不仅仅是音乐和歌词的结合，更是无数细节和技巧的精雕细琢。这本书，确实让我对音乐剧艺术有了更全面、更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐剧术语词典》简直是打开了我新世界的大门！作为一个对音乐剧充满热情，却常常被那些专业术语搞得一头雾水的爱好者来说，这本书就像沙漠中的甘泉。我一直以来都困惑于“切分音”究竟是什么意思，为什么唱段里会突然出现“叙事曲”或者“咏叹调”？就连“卡普利奇奥”和“赋格”这些词，听起来都像是天书。每次看音乐剧的字幕或者听音乐剧相关的访谈，总感觉隔着一层纱，无法完全理解创作者和表演者想要传达的精妙之处。这本书的出现，彻底改变了我的观影体验。我不再需要边看边百度，而是可以随时翻阅，迅速找到困扰我的词汇。它的编排非常直观，不仅有清晰的定义，还常常配有通俗易懂的例子，甚至会追溯到术语的起源和发展，让我不仅知其然，更知其所以然。比如，关于“雷斯切塔托”，它解释了它在意大利语中的原意，并列举了不同时代作曲家如何运用这种手法，让我对音乐的层次感有了更深的体会。现在，我听音乐剧时，能够更自信地欣赏其中的音乐结构和表达方式，甚至能和同样热爱音乐剧的朋友们进行更深入的交流。这本书真的太棒了，强烈推荐给所有对音乐剧有兴趣的朋友们！

评分☆☆☆☆☆

这本书，简直是我在音乐剧领域的“百科全书”！作为一名音乐剧的资深粉丝，我一直以来都在追逐着最新的剧目，但每次遇到一些不太熟悉的术语，总会感到一丝遗憾。这本书的出现，彻底解决了我的困扰。它不仅仅是一本简单的术语解释手册，更像是一部关于音乐剧艺术发展史的精彩篇章。我惊喜地发现，书中对于每一个术语的解释，都充满了深度和广度。例如，关于“三重唱”的阐述，它不仅说明了其基本构成，还追溯了它在不同时期音乐剧中的演变，以及不同风格的三重唱所能营造出的独特氛围。更让我感到惊喜的是，书中还包含了许多关于音乐剧表演、舞台设计、以及编剧技巧的专业术语，这些都极大地拓展了我对音乐剧艺术的认知边界。我常常在看完一场音乐剧后，迫不及待地翻开这本书，去查阅其中出现的、我不太熟悉的术语，每一次的查阅，都让我对这部剧有了更深的理解和 appreciation。这本书，让我感受到了音乐剧艺术的博大精深，也让我更加热爱这项美妙的艺术形式。