表演秀系列：第2级：古典乐曲 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103051351

商品编码：29760264302

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	表演秀系列：第2级：古典乐曲 音乐 书籍
作者：	(美)南希·菲伯尔，(美)兰德尔·菲伯尔编
定价：	29.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：
ISBN：	9787103051351
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

该套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类型分为“曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐”、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“喜爱的歌”等七本，本书为第2级的“古典乐曲”。

音乐的奥秘与心灵的探索：一部关于20世纪以来实验音乐与电子乐发展的深度剖析 本书并非对古典音乐的既定范式进行梳理与重述，而是将读者的目光引向一个截然不同，却同样充满创造力与挑战性的音乐领域——从20世纪中叶至今，在技术革新与社会思潮的驱动下蓬勃发展的实验音乐、电子音乐及其跨界融合的广阔图景。 我们深知，对于许多音乐爱好者而言，“古典乐曲”往往意味着巴赫的对位、莫扎特的协奏曲，或是贝多芬的交响精神。然而，音乐的疆界远比我们想象的要宽广。当我们摘下对传统曲式和配器手法的依赖，进入一个由振荡器、采样器、计算机算法以及非传统音色构筑的新世界时，我们将发现另一种深刻的、直指人心的音乐表达。 第一部分：从噪音到结构——实验音乐的先声 本书的起点，将追溯20世纪初，那些勇敢地挑战“音乐”定义的声音探索者。这不是关于习得如何演奏奏鸣曲，而是关于如何倾听未被驯服的声音。 我们将深入探讨达达主义对音乐的颠覆性态度，以及约翰·凯奇（John Cage）的哲学思想如何从根本上重塑了作曲的观念。凯奇的“偶然性”与“静默”不仅是对传统作曲技法的反叛，更是对听众主体性的解放——音乐不再是作曲家单向的宣告，而成为了一个开放的、等待被事件发生的场域。我们不教授如何弹奏钢琴，而是分析在某些特定时刻，钢琴的不演奏如何成为一个更具冲击力的陈述。 随后的篇幅，将聚焦于“噪音音乐”（Musique concrète）的诞生。皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）和皮埃尔·亨利（Pierre Henry）如何从废弃的录音带、日常环境的声响中，通过剪辑、反转、变速等原始手段，构建出宏大的声景。这些声音不再是器乐的模仿，它们是真实的物质残留，被赋予了新的生命和叙事结构。读者将了解到，这些早期的录音室技术，是如何为后来的电子音乐奠定了解构与重组的基础。 第二部分：合成器的崛起与声音的“人工化” 当电子技术进入实验室，音乐创作迎来了最深刻的革命。本书将详尽剖析电子音乐（Elektronische Musik）与随机音乐（Aleatoric Music）在不同地域的并行发展。 在科隆的西德意志广播（WDR）工作室，卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）如何通过纯粹的正弦波、方波等电子波形，构建出结构严谨、逻辑分明的“电子整体音乐”（Elektronische Gesamtmusik）。这与传统乐器所能产生的音色有着本质的区别——在这里，音色本身就是结构，频率、包络和波形成为作曲家手中的核心颜料。我们不会教授如何读谱，而是探讨如何“编程”声音。 更进一步，我们将审视磁带音乐与早期合成器的演进。从米诺莫格（Mixtur-Trautonium）到布克斯曼（Buchla）和莫格（Moog）模块化合成器的诞生，这些机器不再是乐器的延伸，而是全新的发声体。读者将洞察声音如何从模仿自然（如模拟弦乐的颤音）转向探索未曾听闻的、纯粹的电子质感，以及这些技术如何渗透到非主流的艺术表达之中。 第三部分：流程、系统与无限的迭代 步入20世纪后期，音乐的创作范式开始转向系统化和过程化。这部分将侧重于那些以算法、反馈回路和复杂系统为核心的音乐创作方法，这些方法与古典音乐的线性、目标导向的结构形成鲜明对比。 拉蒙特·扬（La Monte Young）的持续音（Drone Music）哲学，探讨了时间如何在近乎静止的听觉体验中被拉伸和扭曲，挑战了听众对“发展”和“解决”的传统期待。我们关注的不是旋律的高低起伏，而是声音存在的深度与持久性。 同时，本书也将全面解析计算机辅助作曲（CAC）的早期探索。从将数学模型转化为声音指令，到使用随机数生成器和马尔可夫链（Markov Chains）来构建音乐的概率空间，我们看到的是一种科学化的、非主观的创作流程。这些作曲家不再是直接雕刻音符，而是设计出能够自我生成、自我演变的音乐“生态系统”。 第四部分：跨界、传播与后数字时代的声景 进入90年代至今，实验音乐与流行文化、视觉艺术的边界进一步模糊。本书将探讨氛围音乐（Ambient Music）如何将早期电子音乐的沉思性转化为一种可被大众接受的背景声景，以及极简主义（Minimalism）在重复与细微变化中构建出的催眠式结构。 我们还会详细分析声音装置艺术（Sound Installation）的兴起。音乐不再局限于剧院或音乐厅，它被嵌入到空间之中，与建筑、光线和观众的移动轨迹产生互动。这要求创作者重新思考声音的“方位感”和“空间感”，这与管弦乐队的声部平衡有着本质的区别。 最后，本书不会提供任何关于练习曲、音阶或指法训练的内容。相反，它旨在提供一套思维工具，帮助读者理解： 音乐是如何在技术进步的压力下，不断自我定义和解构的。 声音的“美感”可以超越传统的和谐与旋律范畴，存在于纹理、频率的相互作用、以及纯粹的时间体验之中。 实验音乐是特定时代背景下，艺术家对技术、哲学和听觉感知极限的深刻回应。 这本书将引领读者穿越一个由振动、编码、系统和静默构筑的听觉迷宫，探索那些在传统音乐体系之外，同样充满智慧与激情的声响世界。它是一份对声音可能性的百科全书式考察，而非一份演奏指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对“第2级”这种分级定义有点儿持保留态度，总觉得是不是内容会太浅显，但这本书彻底打消了我的疑虑。它在保持了基础知识清晰易懂的同时，对一些中级曲目和概念的探讨深度非常到位。比如，它对浪漫主义时期音乐情感表达的细腻处理，对印象派和民族乐派的风格差异的对比分析，都展现出了作者深厚的学养。我特别欣赏作者在介绍特定作品时，那种深入到乐谱细节的解读，而不是泛泛而谈的赞美之词。它不像一本教你“弹琴”的书，更像一本教你“如何聆听”的艺术品。通过阅读，我发现自己对一些曾经听过很多遍的经典曲目，产生了全新的、更深层次的理解和共鸣。这本书的结构组织得非常有逻辑性，从对位法的初步认识，到管弦乐队配器的基础概念，层层递进，让人感觉每翻一页，自己的音乐素养都在稳步提升。对于已经有一定基础，但渴望系统性提升的乐迷来说，这本书的价值是无可估量的。它真的拓宽了我对古典音乐世界的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书真是太棒了！我一直想找一本既能让我提升古典音乐鉴赏能力，又能让我了解不同时期作曲家风格的入门书籍。这本书完全满足了我的期待，它没有像其他一些教材那样堆砌晦涩难懂的理论术语，而是用非常生动有趣的语言，将巴赫、莫扎特、贝多芬等大师的作品娓娓道来。尤其让我惊喜的是，它在讲解每一首曲子时，都会配有非常清晰的背景介绍和演奏技巧的要点分析，这对于我这种初学者来说简直是雪中送炭。我特别喜欢它对曲式结构的解析，比如奏鸣曲式、回旋曲式，不再是枯燥的定义，而是结合具体的音乐片段进行剖析，让我一下子就明白了其中的精妙之处。翻开这本书，就像是走进了一个私密的音乐沙龙，每一页都充满了对音乐艺术的敬畏与热爱。我已经迫不及待地想把书里提到的曲目都找出来仔细聆听一番了，相信这本书会成为我音乐学习旅程中不可或缺的指南。这本书的排版设计也十分考究，字里行间都透露着出版方的用心，阅读体验极佳，强烈推荐给所有对古典音乐有兴趣的朋友们！

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸质手感让我非常满意，虽然内容是严肃的音乐学习，但拿在手里却是一种享受。我特别喜欢作者在描述音乐时所使用的那种诗意盎然的语言，仿佛能透过文字看到乐谱上的音符在跳跃、在歌唱。它避免了传统音乐理论书籍那种生硬、教条式的说教口吻，而是以一种非常亲切、仿佛老友在与你分享心爱之物的姿态展开叙述。例如，在谈到某个协奏曲的精彩段落时，作者会插入一些关于当时历史背景的小故事，让音乐不再是脱离现实的空中楼阁，而是那个时代人文精神的载体。这极大地增强了阅读的趣味性和代入感。对于我这种，有时候会觉得古典乐有点“高冷”的听众来说，这本书成功地搭建了一座温暖的桥梁，让我能够更自信、更深入地去探索这个浩瀚的音乐海洋。我甚至发现自己开始对一些原本不怎么关注的作曲家产生了浓厚的兴趣，全拜这本书的精彩引介所赐。

评分☆☆☆☆☆

我给这本书点赞的地方在于它的实用性和启发性并重。很多音乐书籍要么过于注重历史的罗列，要么只是停留在技巧的表面。而这本《表演秀系列：第2级》则巧妙地找到了一个平衡点。它不仅提供了必要的音乐知识储备，更重要的是，它激发了我去主动探索和实践的欲望。书中有不少“思考题”或者“听力挑战”的环节，虽然没有标准答案，但能引导读者进行批判性思考，比如“你认为这个乐章的情感转折是如何通过和声实现的？”这类问题，非常有价值。我发现自己不再是被动地接受信息，而是开始主动地“解码”音乐。而且，书中对不同乐器在合奏中的角色划分讲解得非常清晰，让我对管弦乐的层次感有了更清晰的认识。这对于提升我的音乐欣赏“发烧友”级别体验非常有帮助。它不仅仅是一本教材，更像是一位循循善诱的私人音乐导师，时时刻刻都在点拨你，让你看到音乐背后更深层的结构美。

评分☆☆☆☆☆

我向来对那些只有标题和作者名字的音乐介绍感到不耐烦，总觉得缺乏灵魂。这本书完全不同，它像是为每一首被选入的古典曲目量身定制了一部微型纪录片。作者在选取曲目时也非常有眼光，都是既经典又具有代表性的作品，非常适合作为进阶学习的素材。让我印象特别深刻的是，书中对“力度标记”的讨论，它不仅仅是告诉你什么是“p”或“f”，而是深入探讨了这些标记在不同演奏家手中是如何被赋予生命力的，以及它们如何影响听众的情绪感知。这种关注细节的深度，实在难能可贵。阅读这本书的过程，就像是跟随着一位经验丰富的音乐家，在音符的迷宫中被温柔地引导，最终找到了通往更高层次理解的出口。我感到自己的音乐词汇量和鉴赏的敏锐度都有了质的飞跃，这是一笔非常值得的投资！