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欧阳锴 编

图书标签:

• 小提琴
• 启蒙教育
• 音乐教学
• 弦乐
• 少儿音乐
• 教学方法
• 音乐学习
• 技巧训练
• 乐器入门
• 音乐教育

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968515

商品编码：29783079485

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：细说小提琴启蒙的教与学
• 作者：欧阳锴
• 定价：25
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968515

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：63
• 字数：49千字

弦上的足迹：从零构建小提琴学习的系统蓝图 导言：叩响音乐殿堂的大门 学习小提琴，如同踏入一个充满声学魅力与技术挑战的迷人国度。它需要的不仅仅是天赋，更是一套科学、系统、循序渐进的训练方法。本书并非专注于探讨某一阶段（如“启蒙”）的教学细节，而是立足于更宏观的视角，勾勒出一幅完整的、贯穿不同学习阶段的小提琴教育与实践路线图。我们旨在为所有致力于小提琴学习与教授的人士提供一个清晰的框架，探讨从最初的接触到高级演奏能力培养过程中，涉及到的各个关键要素及其内在联系。 第一部分：奠基与认知——理解小提琴的物理与生理基础 (约 350 字) 成功的学习始于对乐器本身的深刻理解。本部分将深入探讨小提琴的构造、材料科学对其音质的影响，以及如何进行日常的维护与调音。 1.1 乐器结构与声学原理： 详细解析琴身、音柱、音梁、腮托等部件的功能，阐释它们如何协同作用产生振动与共鸣。我们将讨论不同木材（如云杉与枫木）对音色特性的微妙差异。 1.2 演奏者的生理准备： 小提琴演奏是一种高度依赖身体协调性的活动。本章侧重于分析正确的持琴姿势、运弓的生物力学原理。重点分析如何避免长期练习带来的身体劳损，强调肩颈、手臂、手腕的放松与支撑，这为后续技巧的学习打下健康的基础。 1.3 听觉的早期训练： 音乐学习的核心是听觉。我们探讨如何通过系统性的听音辨音练习，建立对音准、节奏的绝对敏感度，以及对音色（Timbre）的初步鉴赏能力，使学习者从一开始就建立“以耳领手”的习惯。 第二部分：技艺的递进——技术模块的拆解与整合 (约 500 字) 小提琴技巧的掌握是一个累积和整合的过程。本部分将技术学习视为一系列相互依存的模块，探讨它们在不同阶段的侧重点。 2.1 弓法系统的精细化训练： 运弓是小提琴的“灵魂”。我们不局限于基础的“长弓”，而是系统梳理运弓轨迹的几何学、速度控制（Velocity）、压力变化（Weight）以及接触点（Contact Point）的精确调整。从初步的均匀发音到复杂的换弓技巧（如连弓、分弓、顿弓），强调每一种弓法在不同音乐语境下的应用。 2.2 左手的精确定位与灵活性： 左手技巧的挑战在于音准的精确性与手指的独立运动能力。本章详细讨论指位训练的逻辑——如何从“感觉”音准过渡到“听觉”与“肌肉记忆”的结合。涵盖从初级指位到高把位移位的平滑过渡，以及揉弦（Vibrato）的生理机制与美学表达。 2.3 音阶、琶音与练习曲的选择哲学： 练习曲和音阶并非孤立的技巧堆砌，而是技术模块的整合工具。我们将分析不同流派（如捷克、俄国、德奥学派）的音阶练习在侧重点上的差异，指导学习者如何选择和使用练习曲，确保练习内容与当前的演奏需求精准匹配，而非盲目重复。 第三部分：音乐的塑造——诠释与风格的探究 (约 400 字) 掌握技术是手段，最终目标是音乐的表达。本部分关注演奏者如何超越“正确”的音符，实现具有个人色彩和时代特征的音乐诠释。 3.1 节奏与律动的深度解析： 节奏不仅仅是时值的准确记录，更是音乐内在生命力的体现。我们探讨不同时期音乐（巴洛克、古典、浪漫主义）对节奏处理的不同要求，以及如何通过细微的强弱变化（Articulation）和非量化处理（Rubato）来赋予乐句以呼吸感。 3.2 风格化的演奏实践： 探讨如何研究巴赫的对位法结构、莫扎特的清晰典雅、贝多芬的戏剧性张力，以及后浪漫主义的丰富和声色彩。这要求学习者不仅要熟悉乐谱，更要深入了解作曲家的时代背景和创作意图。 3.3 乐句的构建与情感的传递： 音乐是由一个个乐句构成的。本章指导如何识别乐句的起承转合，如何通过弓法的渐强渐弱和揉弦的密度变化，有效地引导听众的情绪流向，实现从技术性演奏到艺术性表达的飞跃。 第四部分：教学与实践的管理——构建高效的学习环境 (约 250 字) 成功的学习需要有效的管理和反馈机制。本部分面向所有学习者和教育者，提供关于学习过程管理的实用策略。 4.1 高效的练习时间分配： 如何科学规划每日的练习时间，平衡技术（如音阶）、曲目（Repertoire）和视奏（Sight-reading）的比例。强调练习的质量远胜于时长，并探讨如何利用录音和慢速回放进行自我评估。 4.2 评判与反馈体系的建立： 无论是自学还是师从，建立一个客观的反馈系统至关重要。本节提供了一套多维度的自我评判标准，帮助学习者识别自身盲点，并指导教师如何提供建设性而非批判性的指导意见。 4.3 舞台表现力的培养： 演奏会是学习的检验，也是对演奏者心理素质的考验。探讨舞台焦虑的管理、赛前准备的流程，以及如何在聚光灯下保持技术稳定性与艺术感染力。 结语：持续的探索之旅 (约 50 字) 小提琴的学习是一场永无止境的探索。本书提供的框架旨在成为学习者在不同阶段的指南针，帮助他们清晰地认识到下一步的挑战与机遇，确保每一步的积累都坚实有力，最终实现技艺与音乐灵魂的完美融合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，从触感上来说，确实很有特点。封面采用了略带纹理的纸张，那种温润的质感让人拿在手里就很舒服，不像现在很多书那种光溜溜的、一摸就掉漆的感觉。色彩搭配上，虽然整体色调偏向沉稳，但一些细微的插图点缀得恰到好处，既不显得花哨，又能引导读者的视线。内页的纸张选择也明显是考虑到长时间阅读的需求，字迹清晰，墨色均匀，即便是长时间盯着看，眼睛也不会感到特别疲劳。装订方面，线圈的设计使得书可以完全平摊在桌面上，这对乐谱或者需要对照参考的段落来说，简直是太友好了。很多乐器学习的教材，摊开时书页总是往中间合拢，让人不得不腾出一只手来压着，这本书的设计显然是充分考虑到了学习者的实际操作场景。这种对细节的打磨，让人感受到出版方在制作过程中投入的心思，不仅仅是内容的堆砌，更是对阅读体验的尊重，这在如今的教材市场中，是相当难得的。从整体的物理呈现来看，它已经超越了一本普通教材的范畴，更像是一件值得收藏的工艺品，光是放在书架上，也能为整个空间增添一份书卷气和对音乐艺术的敬意。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版逻辑，给我的感觉是有一种潜移默化的引导作用，它不像那种直接把理论知识生硬地灌输给你的教科书。我注意到，作者在处理不同知识点之间的过渡时，运用了一种非常平滑的方式，仿佛是在和一个经验丰富的前辈聊天，而不是在做一场严肃的讲座。比如，当谈到基础的持弓姿势时，旁边的配图和文字描述并非是那种僵硬的标准姿势照片，而是展示了不同学习者在尝试过程中的几种常见错误以及相应的调整建议，这种“同理心”的表达方式，极大地缓解了初学者面对规范时的紧张感。再往后看，当开始涉及乐理知识时，作者也极少使用那种晦涩难懂的专业术语，而是大量使用类比和生活化的例子来解释抽象的概念，比如将音程比作“距离”，将调性比作“家的感觉”。这种处理方式，让原本枯燥的学习过程变得充满趣味性和亲和力。整体的版面布局留白得当，大量的留白使得信息密度得到了很好的控制，眼睛在阅读时不会感到拥挤，这对于需要集中精神去理解复杂概念的学习者来说，简直是莫大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来评估，这本书的“可操作性”达到了一个极高的水准。它所提供的练习序列，并非是随机堆砌的音阶和琶音，而是经过精心设计的“阶梯式挑战”。每一个新的练习模块，都建立在前一个模块所掌握的基础之上，确保了学习者不会因为突然冒出的高难度动作而感到气馁。我留意到，对于每一个技术难点，作者都提供了不止一种的解决路径，比如针对同一段音阶的弓法练习，它会提供“慢速细节分解”和“模拟演奏流畅度”两种截然不同的练习思路，允许学习者根据自己的当前状态和偏好进行选择和组合。这种灵活性对于自主学习者来说尤其宝贵。更不用说书中对教材使用的建议了——它不是简单地告诉你要用这本书，而是详细说明了如何将这本书的内容与其他练习材料、录音资源进行整合，形成一个个性化的学习系统。这本教材的价值，很大程度上在于它提供了一个清晰的“方法论框架”，让读者能够从一个被动的接受者，转变为一个主动的、能够为自己的学习路径负责的规划者。

评分☆☆☆☆☆

我个人特别欣赏这本书在“情绪引导”方面所做的努力。很多启蒙教材往往是技术至上，但这本书却非常细腻地触及到了学习者在不同阶段可能遇到的心理障碍。例如，在介绍颤音或揉弦这些需要大量肌肉记忆和协调性的技巧时，书中并没有简单地要求“多练”，而是花了大篇幅去讨论“耐心”、“挫败感管理”以及“如何庆祝微小的进步”。我印象最深的是其中一段关于“拉出第一首能听的曲子”的描绘，作者细腻地刻画了那种从噪音到旋律转变时的微妙感受，这种对情感体验的捕捉，让读者感到自己被真正地理解了。此外，书中还提供了一些非常实用的“心理建设小贴士”，比如如何在家中为自己设置一个“无评判练习区”，或者如何利用录音来客观地评估自己的进步而非沉溺于自我苛责。这种关注学习者心理健康的视角，在传统的技术类书籍中是极其罕见的，它将学习过程中的“人”放在了核心位置，而不是把人塑造成一个只会机械操作的工具，这对于培养终身学习的兴趣至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容选取上的广度，给我留下了非常深刻的印象。它似乎不仅仅关注于技巧的打磨，更致力于构建一个完整的音乐世界观。我惊喜地发现，它穿插了不少关于乐器历史的片段，那些关于制琴师们如何筚路蓝缕地改进工艺、声音如何在不同时代背景下被重新定义的故事，读起来比任何正史都要引人入胜。这些背景知识的补充，让学习者在练习枯燥的基本功时，始终能保持一种“我正在参与一项伟大传统”的认同感。此外，书中还巧妙地融入了一些不同文化背景下的演奏风格差异的探讨，虽然没有深入到高阶的专业分析层面，但这种视野的拓展，无疑是为初学者打开了一扇通往更广阔音乐领域的窗口。它没有将小提琴学习局限在“学会拉出正确的音高”这一狭隘目标上，而是将“学会倾听”、“学会表达”放在了同样重要的位置。这种全方位的教育理念，显示出作者对音乐教育的深刻理解和长远考量，不是短视的“速成”指南，而是一本真正的“入门”宝典。