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欧阳锴 编

图书标签:

• 小提琴
• 启蒙教育
• 音乐教学
• 弦乐
• 少儿音乐
• 教学方法
• 音乐学习
• 技巧训练
• 乐器入门
• 音乐教育

店铺： 土星图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968515

商品编码：29783108222

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：细说小提琴启蒙的教与学
• 作者：欧阳锴
• 定价：25
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968515

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：63
• 字数：49千字

书名：《弦上的低语：古典音乐的入门与赏析》 图书简介 引言：叩响古典音乐的殿堂之门 在浩瀚的音乐海洋中，古典音乐以其深邃的结构、丰富的情感和永恒的魅力，始终占据着不可替代的位置。然而，对于初涉此道的听众而言，面对那些看似遥远、复杂的乐章和术语，常常会感到无从下手，仿佛置身于一座宏伟却又布满迷雾的殿堂之外。 《弦上的低语：古典音乐的入门与赏析》正是为这样一群心怀好奇、渴望了解和欣赏古典音乐的读者而作。本书并非一本枯燥的学术专著，而是一份精心编织的导览图，它旨在以平易近人、循序渐进的方式，为读者搭建起一座通往巴赫、莫扎特、贝多芬乃至当代作曲家音乐世界的坚实桥梁。我们相信，真正的艺术鉴赏始于理解，而理解的基础，则在于清晰的指引和恰当的切入点。 第一部分：破除壁垒——古典音乐概论与历史脉络 本部分致力于为读者建立一个宏观的框架，以便更好地定位和理解古典音乐的发展轨迹。我们首先会探讨“什么是古典音乐”，并区别于流行音乐或民族音乐的本质差异，聚焦于其在结构、和声与对位上的独特性。 随后，我们将追溯古典音乐的波澜壮阔的历史长河。这并非简单的年代罗列，而是聚焦于各个音乐时期（如巴洛克、古典主义、浪漫主义、印象主义和现代主义）的核心精神与风格特征。 巴洛克时期（1600-1750）： 深入解析巴赫的复调艺术与亨德尔的宏大叙事，探讨赋格曲和协奏曲的发展。我们将剖析其装饰性、严谨的结构美学，并尝试理解“通奏低音”在那个时代的重要性。 古典主义时期（1750-1820）： 这是音乐形式臻于完美的时代。我们将重点解析奏鸣曲式、交响曲和弦乐四重奏的成熟过程，以海顿的严谨和莫扎特的优雅为范例，阐释清晰、平衡的结构美学。 浪漫主义时期（1820-1900）： 音乐从形式的束缚中解放，转向对个体情感、自然景象和文学叙事的表达。本章将通过肖邦的钢琴诗篇、瓦格纳的歌剧革新，以及马勒的交响史诗，展示音乐如何成为个人内心世界的投射。 二十世纪至今： 面对现代社会，音乐如何回应？我们将简要介绍印象派（如德彪西的色彩斑斓）、表现主义（如勋伯格的十二音体系）以及新古典主义等流派的探索与革新，帮助读者理解现代音乐中“不和谐音”背后的逻辑与意图。 第二部分：聆听的艺术——乐器、织体与曲式解析 要深入欣赏古典音乐，了解“声音的建筑材料”至关重要。本部分将充当读者的“乐器图谱”和“结构解码器”。 乐器篇：管弦乐团的色彩学 我们将逐一介绍交响乐队中四大组的乐器：弦乐器（提琴家族的音色差异与弓法特点）、木管乐器（从长笛到巴松管的音域与表达力）、铜管乐器（圆号、小号、长号与大号带来的力量感），以及打击乐器（节奏与色彩的调剂）。我们会描述每种乐器在不同情境下的典型角色，例如，长笛常用于描绘轻盈或哀伤的旋律，而定音鼓则常用于强调戏剧性的高潮。 织体与和声：声音的堆叠方式 理解主调音乐（Homophony）与复调音乐（Polyphony）的区别，是进入古典音乐世界的关键一步。我们将用简单的比喻解释：主调是清晰的“独唱者+伴奏”，而复调则是多条旋律线平行的对话。此外，本章还会初步介绍和声的色彩变化，例如大调（明亮）与小调（忧郁）的对比，以及如何通过和弦的进行来营造紧张感和解决感。 曲式解析：音乐的骨架 我们不会陷入复杂的理论推导，而是着重讲解最常见的几种音乐结构，帮助读者在聆听时能够“把握方向”： 奏鸣曲式（Sonata Form）： 详细分解呈示部、展开部和再现部的功能，这是古典主义交响曲和协奏曲的基石。 回旋曲式（Rondo）与三部曲式（Ternary Form）： 解释A-B-A或A-B-A-C-A等结构带来的重复性与对比性。 变奏曲（Variations）： 探讨主题如何在不同的节奏、和声或织体下被反复诠释，展现作曲家的创造力。 第三部分：名作导览——从入门到进阶的精选曲目 理论的学习最终需要回归到实际的听觉体验中。本部分精选了一系列兼具代表性、教育意义和欣赏价值的曲目，引导读者进行“有效聆听”。 我们推荐的曲目跨越了不同的体裁（交响曲、协奏曲、室内乐、独奏曲），并为每一首曲目提供了“聆听清单”： 1. 入门必听（建立基础印象）： 莫扎特的《G大调弦乐小夜曲》（K.525）——感受古典的平衡与美感；巴赫的《G大调第一号无伴奏大提琴组曲》（选段）——体会单线条的深沉叙事。 2. 交响曲的魅力（理解宏大叙事）： 贝多芬的《第五号交响曲》（命运交响曲）——重点分析“短-短-短-长”动机的贯穿与发展；德沃夏克的《第九号交响曲“自新大陆”》——探究异域风情与旋律的融合。 3. 协奏曲的对话（人与乐器的交流）： 柴可夫斯基的《降B小调第一钢琴协奏曲》——分析乐队与独奏乐器之间的辉煌对抗与和解。 4. 室内乐的亲密（精妙的合奏艺术）： 聆听海顿的《皇帝弦乐四重奏》——体会两个小提琴、中提琴和大提琴之间如何如同四位老友般展开对话。 对于每首推荐曲目，我们都会指出其“记忆点”：听众应该重点关注哪些特定的旋律、哪一乐章的高潮，以及该作品在音乐史上的地位，从而避免在漫长乐章中迷失方向。 结语：持续的探索之旅 古典音乐的魅力在于其无限的层次感，每一次重听，都可能带来新的发现。本书并非终点，而是起点。《弦上的低语》期望能为读者装备好基本的工具和信心，使他们能够自信地踏入音乐厅，或是在家中打开唱片，不再仅仅是“听声音”，而是开始真正地“理解”和“对话”。古典音乐的殿堂已经敞开，等待着您的脚步与心灵去探索。

评分☆☆☆☆☆

在阅读过程中，我发现作者在行文中穿插了许多个人化的反思和教学感悟，这使得整本书的灵魂得以升华。这些不仅仅是书本上的知识点，更是作者多年教学实践中凝练出的“真知灼见”。比如，对于某一特定难点，作者会从心理调适、身体协调等多个维度进行剖析，这种全方位的视角，远超出了单纯的技术指导范畴。这些“过来人”的经验分享，极大地增强了书籍的可信度和实用性。它教会我的不仅仅是如何去拉奏某个音符，更多的是如何去面对学习过程中的挫折，如何保持对音乐的热忱。读完之后，感觉自己收获的不仅是技能，更是一种面对挑战时的积极心态。

评分☆☆☆☆☆

这本书的逻辑架构设计得极其严谨和巧妙。它不是将知识点简单地堆砌在一起，而是构建了一个清晰、层层递进的学习路径图。从最基础的乐理概念到实际的演奏技巧，每一步都衔接得天衣无缝，让人很容易就能跟上作者的思路。我特别欣赏作者在构建知识体系时所展现出的宏观视野，他总能把看似零散的知识点，巧妙地整合到一个更大的音乐世界观中去。这种结构化的呈现方式，极大地降低了学习的门槛，让复杂的概念变得可视化和可操作化。对于想要系统性学习的人来说，这本书简直就是一本完美的“导航地图”，每走一步，都知道下一步该往哪里走，目标感非常明确。

评分☆☆☆☆☆

初读之下，我就被作者的叙事风格深深吸引住了。它没有那种高高在上的说教感，反而像一位经验丰富的老朋友，用非常平易近人的口吻，娓娓道来。行文的节奏把握得恰到好处，既有深入浅出的理论阐述，也有生动有趣的实例支撑，读起来毫不费力，却又能让人学到不少东西。尤其是那些关于学习方法论的探讨，简直是醍醐灌顶。作者似乎非常懂得初学者的困惑与挣扎，总能在关键时刻给出最恰当的指引，仿佛他能读懂我的心。这种贴近读者的文字温度，是很多技术性书籍所不具备的，让人在学习的过程中，始终保持着一种愉悦和被理解的感觉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图文配合达到了极高的水准。那些用于辅助理解的图示，绝非简单的插图，它们是经过深思熟虑的视觉化工具，精确地解释了文字难以详尽描述的动作要领和结构关系。无论是关于持弓的细节分解图，还是乐器部件的特写标注，都清晰到令人称赞。而且，这些图例并非孤立存在，而是与文字叙述紧密结合，形成了一种互相印证的阅读体验。在某些需要精准度量和角度参考的地方，作者甚至运用了科学的图解方式，这显示出作者对“如何有效传达信息”有着深刻的理解。这种对视觉辅助的重视，使得这本书在实际操作层面，具有无与伦比的直观性和指导性，让人感觉手中仿佛握着一位随身的私人导师。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种沉静而又不失活力的色彩搭配，一下子就抓住了我的注意力。拿到手里，纸张的质感也非常棒，摸起来很舒服，让人忍不住想立刻翻开阅读。装帧的工艺也看得出是用心了，即便是经常翻阅，也不会担心它会散架。书脊的设计简洁大方，放在书架上，一下子就能在众多书籍中脱颖而出。我特别喜欢它在细节上的处理，比如一些章节的标题和配图，都经过了精心排版，阅读起来不会有视觉疲劳。整体而言，这本书的物理形态就给我带来了极佳的第一印象，它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品。这种对细节的极致追求，让我对内容本身也充满了期待，相信作者在文字上也一定倾注了同样多的心血。