声乐教学法曹文海西南师范大学出版社正版课本教材9787562150503 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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曹文海 著

图书标签:

• 声乐教学
• 教学法
• 曹文海
• 西南师范大学出版社
• 教材
• 课本
• 音乐教育
• 高等教育
• 艺术教育
• 9787562150503

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562150503

商品编码：29859850865

页数：139

图书基本信息
书名：	声乐教学法
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	曹文海
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562150503
出版年份：	2010年

版次：	第1版
总页数：	139页
开本：	1/16
图书定价：	21.00元
实际重量：	322g
新旧程度：	正版全新

《声乐教学法》是21世纪音乐教育丛书之一。

 第*章 发声器官在歌唱中的作用

第*节 横膈膜——歌唱的动力源泉
第二节 胸腔——人体大的共鸣腔
第三节 喉——嗓音乐器的核心
第四节 咽腔——可变性共鸣腔体
第五节 口腔——声音飞离身体的喇叭口
第六节 鼻腔——头腔中大的共鸣腔体
第七节 鼻窦——高频率的小喇叭

第二章 练声——声乐艺术的基本功
第*节 对练声的认识要全面
第二节 练声是制造嗓音乐器的过程
第三节 练声的重要性
第四节 练声时要注意的一些问题
第五节 科学的歌唱方法来自自然的发声

第三章 唱出自己美的音色
第*节 音色受发声技巧的制约
第二节 音色受心理因素的调控
第三节 音色受审美习惯的影响
第四节 怎样获得美妙的音色

第四章 歌唱中几个对立统一的问题
第*节 歌唱中的“打开”与“关闭”
第二节 歌唱中的“放松”与“用力”
第三节 歌唱中的字与声
第四节 发声位置的“靠前”与“靠后”

第五章 如何学习歌唱
第*节 唱前想、唱中听、唱后总结
第二节 课后如何训练
第三节 世界上好的老师是自己
第四节 不要被自己的声音欺骗
第五节 声乐学习的过程
第六节 先天条件和后天努力
第七节 享受歌唱
第八节 保护嗓

第六章 教师的声乐教学
第*节 声音离开喉咙越快越好
第二节 教师的范唱
第三节 教师的教学语言
第四节 把每节课当成一次科研活动
第五节 慎重选择练习曲目
第六节 关于学生的主辅修
第七节 训练学生“唱”也要训练学生“听”
第八节 体态语言在声乐教学中的重要作用
第九节 呼吸——歌唱的原动力

第七章 怎样防止和调控歌唱的紧张心理
第*节 紧张心理的一般成因
第二节 紧张心理常见的现象
第三节 紧张心理具有两面性
第四节 如何避免过分紧张

第八章 怎样唱好高音
第*节 心理方面
第二节 生理方面
第三节 男高音训练中的几个重要环节

第九章 声乐艺术的处理与表演
第*节 人声的类型及其特征
第二节 丰富多彩的演唱形式
第三节 怎样把一首歌唱好
第四节 如何进行声乐艺术的表演

第十章 少年儿童歌唱艺术
第*节 歌唱促进少年儿童身心健康
第二节 少年儿童声音发展的四个阶段
第三节 少年儿童声音的训练
第四节 营造一个良好的音乐环境
第五节 少年儿童歌唱训练应注意的一些问题
第六节 歌唱中的咬字、吐字
第七节 嗓音的保护
第八节 儿童歌唱音域的扩展
附录 歌唱艺术的魅力
一 树林里传来美妙的歌声
二 火海里的歌声
三 母亲教我的歌
四 教堂里的歌声
五 歌唱是抚慰心灵的良药
六 动物喜欢人类优美的歌声
参考文献
后记

《声乐教学法》内容简介：读了曹文海老师的这本关于声乐教学的论著后，被他的教学研究态度和孜孜不倦的精神所感动，可以看出他对声乐的热爱和对声乐教学的认真、执着。虽然在一个普通的地方高校，面对的也许是程度不高的生源，但他这种努力的精神会促使他在声乐艺术研究和声乐教学研究的道路上取得可喜的成绩。  

好的，以下是一份关于其他图书的详细简介，该简介不包含您提到的那本《声乐教学法》（曹文海 著，西南师范大学出版社，ISBN：9787562150503）的内容： --- 《和声的结构与实践》：探索西方音乐语言的骨架 作者： [此处可插入一位虚构或真实的著名和声学家的名字] 出版社： [此处可插入一家知名音乐学院出版社的名称] 出版年份： [此处可插入年份] 导言：超越音符的织体艺术 音乐，作为人类情感最抽象而又最深刻的表达方式，其背后的逻辑与美学，很大程度上依赖于“和声”。和声不仅仅是多个音符在垂直方向上的叠加，它是音乐的骨架，是构建旋律张力与解决、色彩变化与情绪推进的核心技术。 《和声的结构与实践》是一部深度剖析西方调性音乐和声体系的权威性专著。本书旨在引导读者，无论您是音乐学专业的学生、作曲系的新秀，还是资深的演奏家与音乐爱好者，都能从根本上理解和声运作的内在规律，并将其转化为富有创造性的音乐实践。 本书摒弃了传统和声教材中枯燥的规则罗列，而是将和声视为一门动态的、具有历史演变和风格特征的“语言”。它强调理论与实践的紧密结合，力求让读者在掌握严谨的分析工具的同时，能够自由地运用这些工具进行创作与即兴。 第一部分：调性基础的精微解析 本部分聚焦于古典主义时期（以巴赫、莫扎特、海顿为代表）的调性体系，这是理解一切后续和声发展的基石。 一、音级与功能关系的再认识： 本书首先对传统的“主-属-下属”三和弦功能进行了细致的区分和拓展。重点探讨了和声的“连接”与“转换”：如何通过半音进行、远关系调性的转调（如远关系大调的引入），来增加音乐的色彩厚度。特别辟出章节探讨了“功能模糊的音响”，分析那些介于功能之间，为后浪漫主义和声埋下伏笔的和弦。 二、导音的“冲动”与“解决”： 导音（Leading Tone）在调性体系中的核心作用被深入剖析。书中不仅详细演示了导七和弦的严格使用规则，更用大量的案例分析了瓦格纳时期如何利用导音的“潜在解决”（Potential Resolution）来制造不稳定的听觉期待，从而推迟高潮的到来，体现了浪漫主义对延展性的追求。 三、七和弦的表情学意义： 除了常见的属七和弦，本书对减七和弦（Diminished Seventh Chord）和那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）的功能与美学进行了跨学科的考察。例如，减七和弦被视为“万能钥匙”，在不同调性中如何快速转换；那不勒斯和弦则被置于“色彩和声”的范畴，分析其在悲剧性或异域风情场景中的特定音响效果。 第二部分：浪漫主义的色彩拓展与和声的界限 当古典时期的规范性开始松动，音乐家开始探索和声在表达个人情感和宏大叙事中的潜力。 一、代理和弦与替代连接： 本书详细区分了“代理”与“替代”和弦的概念。代理和弦侧重于保持功能不变的音域内替换，而替代和弦（如使用增六度系列和弦进行替代属和弦）则体现了作曲家对传统连接的“曲解”和“美化”。书中对弗里德曼（Friedmann）的和声功能分类法进行了介绍和应用。 二、增六度系列的深入研究： 意大利、法国、德国增六度结构被视为浪漫主义和声的标志性元素。本书不仅教授其构建方法，更着重分析了它们在终止和弦前（尤其是对属和弦的“强烈预示”）的实际运用，并对比了它们在肖邦、李斯特作品中的不同音色倾向。 三、调性的模糊化与多重调性（Polytonality）： 探讨了李斯特、德彪西等如何通过使用大量等音程和弦（如三全音和弦）以及平行和弦进行（Parallel Motion）来削弱传统调性中心的听觉锚点。这部分内容为读者理解印象主义音乐的和声语言提供了理论基础。 第三部分：分析与实践：从理论到创作的桥梁 本书最大的特色在于其强大的实践指导性。分析案例并非孤立存在，而是作为创作的“工具箱”。 一、宏大乐章的和声分析范例： 选取了贝多芬晚期奏鸣曲、舒伯特艺术歌曲以及勃拉姆斯室内乐中的关键段落，进行逐小节的详尽功能分析。分析过程中，强调“垂直结构”（和弦本身）与“水平进行”（声部进行）的统一性，指出声部进行中的“平行五八度”等禁忌是如何被特定风格（如巴洛克时期）合理“打破”的。 二、和声的配器与织体设计： 和声的听感不仅取决于音高，更取决于它如何被分配给不同的乐器。本书专门探讨了“和声织体”（Texture）对和声功能的影响。例如，如何通过密集的低音和弦、稀疏的高音声部来强调和声的“压抑感”或“空间感”。 三、现代作曲的起点： 最后部分展望了调性极限。简要介绍了十二音体系的“等音程排列”（Pitch Class Sets）概念，以及声部导向和声（Voice Leading Harmony）在不协和音响中的应用，为有志于现代音乐创作的读者铺设了下一步的探索路径。 总结：聆听音乐背后的逻辑线索 《和声的结构与实践》旨在帮助学习者“看见”音乐的结构，不仅是“听见”旋律的美妙。通过对和声的深入学习，读者将能够更深刻地理解作曲家的选择意图，提高自身的视唱练耳能力，并最终发展出成熟、精准且富有个人风格的和声语言。掌握了和声的规则，方能超越规则，真正驾驭音乐的表现力。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格出乎我的意料，它成功地在学术的严谨性与教学的直观性之间找到了一个绝佳的平衡点。我读过一些同类教材，它们往往要么过于晦涩，充斥着大量令人望而生畏的术语堆砌，要么则为了追求通俗而牺牲了专业性，显得飘浮不定。然而，这部作品的文字精准而富有弹性，它在需要精确定义时毫不含糊，用词考究，确保了概念的无歧义性；而在阐述操作方法或心理调适技巧时，笔触又变得柔和而富有画面感，仿佛能将读者带入真实的课堂情境之中。这种语言上的张力，使得复杂的训练步骤不再是冰冷的指令集，而是可以被感受、被体验的流程。尤其是那些关于气息控制和共鸣腔体调用的描述，作者巧妙地运用比喻和类比，将那些难以言喻的“感觉”具象化，这对于正在摸索阶段的初学者来说，无疑是点亮了一盏明灯。整体阅读下来，感觉像是跟随一位技艺精湛的老师在做笔记，既有坚实的理论支撑，又不失实践操作的温度。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书内容深度和广度的平衡性感到非常满意。它并非仅仅停留在对基础概念的浅尝辄止，而是深入挖掘了声乐教学领域的核心矛盾和前沿探索。作者的叙述逻辑严密，层层递进，使得原本可能显得枯燥的理论分析也变得生动起来。特别是关于不同声部发声特点的对比分析部分，作者似乎站在了实践的最前沿，不仅指出了“是什么”，更着重阐述了“为什么”以及“如何操作”。书中引用的案例和历史背景资料非常丰富，这些支撑点为理论构建了坚实的骨架，让读者能将其置于更宏大的音乐文化背景下理解。在处理一些有争议的教学流派时，作者表现出了极大的学术克制和客观性，没有盲目推崇某一家之言，而是提供了多维度的观察视角，引导读者自己去思辨和形成自己的教学体系。这种引导式的叙述方式，极大地提升了教材的学术价值，使其超越了单纯的知识传授工具，更像是一位经验丰富、学识渊博的导师在进行一对一的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计相当考究，从拿到手的那一刻起，就能感受到出版方对品质的坚持。封面采用的哑光处理，既显沉稳又不失现代感，即使用久了也不会留下太多指纹。内页纸张的选择也颇为用心，米白色的纸张有效减轻了长时间阅读带来的视觉疲劳，尤其对于需要反复翻阅和做笔记的专业教材来说，这一点至关重要。排版布局清晰明了，章节标题和正文之间的留白处理得当，使得信息层次一目了然，即便是初次接触该领域知识的读者，也能迅速找到重点。更值得称赞的是，书中的插图和图表部分，墨色均匀，线条细腻，清晰地辅助理解了复杂的理论概念。装订工艺扎实可靠，书脊平整，翻开时没有出现任何粘连或松动的迹象，这保证了它能陪伴学习者度过漫长且高强度的学习周期。整体而言，这是一本从外在到内在都体现了专业素养的教材，让人在翻阅过程中心生愉悦，也更愿意投入到学习的热情之中。可以说，拿到这本书本身，就是一种良好的开端和激励。

评分☆☆☆☆☆

这本书在特定知识点的处理上，显示出了极高的细致度和针对性，这让我作为读者深感其专业深度。例如，在涉及特定历史时期或地域风格的演唱技巧解析时，作者并没有采用一概而论的敷衍态度，而是深入考证了当时的乐器形制、室内声学环境乃至演唱者的生理特点，从而推导出最贴合历史情境的发声方式。这种“钻研到骨子里”的研究态度，使得书中的每一个结论都有着无可辩驳的论据支持。特别是那些关于特定元音在不同音区转换时声带形态调整的微观描述，配以必要的图示，简直可以称得上是教科书级别的精确。对于那些已经具备一定基础、追求精益求精的学习者来说，这种对细节的极致打磨才是真正有价值的内容。它迫使读者必须放慢速度，反复揣摩，因为每一个小小的调整，都可能带来演唱效果上的巨大飞跃。这本书的价值，不在于它能多快地让你“学会唱歌”，而在于它能让你清晰地“理解如何唱歌”，这份对知识的尊重和对细节的苛求，值得所有严肃对待声乐艺术的人学习和珍藏。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注教育方法论的观察者，我特别留意了这本书在“教学法”层面的创新体现。传统的声乐教学往往强调个体的天赋和经验的传承，这本书则明显试图将这一过程系统化、可复制化。书中对“评估体系”的构建尤其引人注目，它提供了一套清晰的、分阶段的评估标准，这对于规范教学质量、帮助教师及时调整教学策略至关重要。更进一步，它探讨了如何将现代教育心理学的成果融入到声乐学习中，比如如何设计有效的反馈机制、如何管理学生的舞台焦虑，这些内容显示了作者不仅是一位声乐家，更是一位深谙教育规律的学者。在处理集体教学与个体差异的关系上，也提出了许多具有前瞻性的建议，打破了“一对一才是唯一出路”的传统观念。这种强调系统性、强调可验证性、强调与现代教育科学接轨的写作倾向，使得这本书的价值远远超出了专业技能的传授，它更像是一部指导未来声乐教育体系构建的纲领性文件，具有很强的时代意义和方法论指导价值。