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简?斯密瑟?巴斯蒂安 著

图书标签:

• 音乐教材
• 钢琴教材
• 巴斯蒂安
• 简斯密瑟
• 上海音乐出版社
• 基础乐理
• 钢琴入门
• 儿童钢琴
• 音乐学习
• 练琴本

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552300659

商品编码：29859851571

页数：64

图书基本信息 书名： 巴斯蒂安音乐笔记本(原版引进)  丛书名：    作者/主编：  简?斯密瑟?巴斯蒂安  出版社： 上海音乐出版社     ISBN号：  9787552300659  出版年份： 2016年        版次：   第1 版 总页数：   64页 开本：   16 图书定价：   20元 实际重量：   259g 新旧程度：   正版全新

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《巴斯蒂安音乐笔记本(原版引进)》让教师随时掌控学习进度让家长及时了解学习成果个人钢琴学习档案。

作者简介

作者：（美国）简·斯密瑟·巴斯蒂安 译者：段劲楠

日历与学习备忘录 
课程作业卡 
能背诵的曲目 
表演记录表 
已掌握的音阶与调式 
学习过的音乐资料 
学习成果表 
记录页（空白乐谱） 
学习进度报告单 
附录 
琴键组 
和弦与调号 
键盘乐作曲家年表 
音乐术语表

《音乐笔记本（原版引进）》让教师随时掌控学习进度让家长及时了解学习成果个人钢琴学习档案。
《音乐笔记本（原版引进）》包括：54张个人与集体课程作业卡、24页空白乐谱、让你永远记录下：能背诵的曲目、所进行的表演、掌握的音阶与调式、学会的曲目、学习进度、此外还有：和弦与调号表、键盘乐作曲家年表、音乐术语与音乐记号表、日历与学习备忘录、学习成果表等。

乐之魂：跨越时空的音乐精粹 一本关于音乐理论、历史与实践的深度探索之作 本书并非聚焦于任何特定教材或练习册，而是旨在为所有热爱音乐、致力于提升音乐素养的求知者，提供一个广阔而深入的知识殿堂。它是一次对西方音乐文化宏大图景的细致描绘，一次对音乐思维本质的哲学拷问，以及一份对实践技巧的精炼总结。 第一部分：和声的建筑学——音乐的骨骼与逻辑 本部分深入探讨了西方音乐体系中最为核心的理论基础——和声学。我们摒弃了枯燥的公式堆砌，转而以建筑学的视角来解构和声的构造。 1. 调性的诞生与演变： 追溯从古希腊音阶到中世纪教会调式，再到巴赫时代确立的大小调体系的漫长历程。详细分析了“固定音高”概念如何影响了音乐的情感表达。我们将探讨调性作为一种“音乐语法”是如何形成的，以及它如何为后来的音乐家提供了表达的框架。这不仅仅是音高关系的描述，更是对人类听觉习惯和审美取向演变的历史性考察。 2. 功能和声的深层结构： 核心内容聚焦于主、属、下属三和弦的功能性解析，并延伸至更复杂的九和弦、减七和弦以及转位和弦的应用。我们深入剖析了“导向性”（Tendency）在和声进行中的作用。例如，为什么属和弦必然导向主和弦？这种导向性背后，是物理声学原理、心理学感知还是文化约定俗成的共同作用？本书将从多个维度进行辩证分析。 3. 调式与色彩的运用： 除了大调与小调，本书将详细介绍和分析多种非功能性和声的调式，如弗里吉亚调式（Phrygian）、利第亚调式（Lydian）等，阐释它们如何被浪漫主义作曲家如德彪西、拉威尔用来营造独特的音响色彩，打破传统调性的束缚。我们将对比分析同一旋律在不同调式下的情感差异，直观感受调式选择对音乐氛围的决定性影响。 4. 对位法的艺术——线条的交织： 对位法被视为音乐思维的最高体现。本书不只停留在严格对位（如两声、三声对位）的技法层面，更强调“线条的独立性”与“整体的和谐性”之间的辩证关系。分析帕莱斯特里那的对位原则如何影响了后世的复调音乐创作，以及巴赫的赋格曲如何将对位技法推向了难以企及的巅峰。重点探讨了如何通过节奏错位、音程变化等手段，在保持独立线条的同时实现情感的统一。 第二部分：音乐的史诗——风格与流派的演变 本部分带领读者穿越音乐历史的长廊，考察不同时代背景下，音乐如何反映社会思潮、技术进步与美学观念的变迁。 1. 文艺复兴的清晰与平衡： 探讨复调音乐的成熟，以及“美”的理念如何从宗教的束缚中解放出来，追求人声的自然美感。重点分析了牧歌（Madrigal）作为世俗音乐典范的结构特点。 2. 巴洛克的辉煌与激情（1600-1750）： 聚焦于歌剧的诞生、协奏曲与组曲的发展。详细解读“数字低音”（Basso Continuo）在构建音乐结构中的核心地位，以及巴赫对位艺术的集大成。分析维瓦尔第的音乐如何体现对自然的描摹，以及亨德尔清唱剧的戏剧张力。 3. 古典主义的理性与规范（1730-1820）： 考察奏鸣曲式作为古典时期音乐“逻辑框架”的构建过程。海顿的“幽默”、莫扎特的“优雅”与贝多芬的“英雄气概”如何通过严格的形式结构得以表达。本书将拆解典型的奏鸣曲式乐章，解析其呈示部、发展部与再现部的内在驱动力。 4. 浪漫主义的狂想与个性（1800-1910）： 这是个人情感与想象力全面爆发的时代。我们探讨了音乐如何成为叙事的主要载体，从舒伯特的艺术歌曲（Lied）到李斯特的交响诗。重点分析了和声的扩张（如瓦格纳的半音化倾向）如何为现代音乐埋下伏笔，以及民族乐派如何将民间音乐元素融入宏大叙事。 5. 现代的断裂与探索（20世纪至今）： 分析两次世界大战对西方音乐思维的冲击。德彪西的印象主义如何模糊了调性边界；勋伯格的十二音体系如何试图在无调性中建立新的秩序；斯特拉文斯基的原始主义如何回归节奏的原始力量。此外，本书还将介绍极简主义（Minimalism）与电子音乐的兴起，探讨技术革新如何重塑了“作曲”的定义。 第三部分：演奏的哲学——技术、诠释与交流 音乐的生命力在于实践。本部分旨在提升演奏者的思维深度，将机械的练习转化为有意义的艺术再现。 1. 触键的科学与艺术： 针对键盘乐器（钢琴、管风琴），深入探讨不同触键方式（如手指的重量分配、手腕的支撑、手臂的动态）如何直接影响音色的质量、连贯性与力度对比。这部分内容将基于物理学原理，辅以历史上的演奏文献记载，指导练习者理解“好的音色”是如何产生的，而非仅仅依靠感觉。 2. 乐句的呼吸与结构： 分析乐句的划分（Phrasing）与呼吸点（Breathing Points）并非随机的停顿，而是对音乐结构层次的听觉呈现。如何通过速度的微小变化（Rubato）或重音的强调，揭示作曲家隐藏的结构关系？我们将以巴赫的三声部创意曲为例，演示如何“雕塑”线条的起伏。 3. 诠释的边界：作品与演奏者： 探讨音乐诠释的本质——在尊重历史语境与个人理解之间寻求平衡。如果一首作品有多个版本，演奏者应如何抉择？本书强调，真正的诠释并非“重新创作”，而是通过精准的技术手段，将作品内在的情感逻辑与时代精神清晰地传递给听众。我们将审视历史演奏版本（如老录音），对比其与现代演奏的区别，激发读者对“风格正宗性”的思考。 4. 节奏的掌控与弹性： 深入解析节奏感不仅仅是“数拍子”，更是对时间流逝的心理感知。对于复杂的复节奏与非对称节奏（如五拍子、七拍子），如何通过内部的平衡点来保持稳定感？分析指挥家与演奏者如何通过对基本节拍的弹性处理，营造出内在的张力与松弛感。 结语：音乐的永恒对话 本书最终导向一个核心观点：音乐，无论其形式如何演变，始终是人类情感与理性思维的交汇点。它既是严谨的数学结构，又是无拘无束的灵魂呐喊。掌握了理论的骨骼，理解了历史的脉络，并辅以精湛的实践技巧，方能真正参与到这场跨越时空的、关于美与和谐的永恒对话之中。本书期望成为您探寻音乐深度奥秘的可靠向导，激发您独立思考与持续探索的热情。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计着实让人眼前一亮，从纸张的质感到印刷的清晰度，都体现了出版方对于细节的极致追求。封面那种沉稳又不失活力的色彩搭配，很容易在众多乐谱中脱颖而出，让人忍不住想翻开它，去探索里面的世界。内页的排版布局也极其人性化，五线谱的行距和字号都拿捏得恰到好处，即便是初学者长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。尤其值得称赞的是，那些关键的音乐术语和演奏提示，都用加粗或者不同的字体样式进行了强调，使得学习者能够迅速抓住重点。我个人特别喜欢它在空白练习区域的设计，那些细密的虚线网格，既保证了书写的美观度，又提供了足够的空间供人进行即兴的记谱或批注，这种对实用性的考虑，看得出设计者真正站在了学习者的角度去思考问题。总的来说，光是捧着它，就能感受到一股专业且充满诚意的气息扑面而来，让人对即将开始的学习之旅充满了期待和敬畏感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，作为一名非科班出身的业余学习者，我最大的障碍往往是那些厚厚的、充满专业术语的教材，它们常常让我感到畏惧和不知所措。然而，这本书在辅助材料的处理上展现了极高的亲和力。那些看似复杂的理论概念，都被分解成了易于理解的小模块，配上了直观的图示解释，而不是干巴巴的文字描述。特别是针对一些容易混淆的节奏型和指法难点，附带的解析部分简直是“救星”。我记得有一次我对着一个复杂的琶音结构冥思苦想，翻到后面的解释部分，作者用了一个非常形象的比喻，瞬间就让我明白了其内在的逻辑，当场就流畅地演奏出来了。这种消除学习障碍的设计，极大地增强了自学者的学习动力，让人觉得学习音乐的过程可以是非常愉悦和充满探索精神的。

评分☆☆☆☆☆

从一位资深乐器爱好者的角度来看，这本书在内容的前瞻性上做得非常到位。很多同类教材往往停留在固守传统的练习模式，但这本书明显融入了更现代的音乐教育理念。它不仅仅关注“弹对”音符，更强调“弹好”音乐的内在表情。例如，在处理一些力度记号（如渐强、渐弱）的过渡时，它提供了非常细腻的范例，告诉你如何通过对手指触键速度和深度的微调，来展现音乐的呼吸感。更妙的是，它还穿插了一些跨越不同风格的片段赏析，虽然篇幅不长，但足以拓宽学习者的视野，让他们明白这些基础练习最终是要服务于更广阔的音乐表达。这种宏观与微观结合的教学方式，避免了学习者陷入枯燥重复的泥沼，时刻提醒着我们，技术是为艺术服务的，非常值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

我个人对这本书的“持久耐用性”印象深刻。市面上很多教材，用上几个月，随着演奏水平的提升，很快就会感觉内容深度不够，需要频繁更换下一阶段的书籍。但这本教材似乎在内容的广度和深度上做了非常精妙的平衡。它不仅能很好地服务于初入门者建立基本功，即便是我这种已经学习了一段时间的人，在重新回顾基础练习时，也能从中挖掘出新的理解和更精进的技巧。书中的某些高级练习，甚至可以作为音乐会前进行状态调整的“热身必备”。这种跨越不同学习阶段都能持续提供价值的设计，使得这本书的性价比极高。它不像是一次性的工具，更像是一本可以伴随我们整个音乐学习生涯的常青树，每次翻阅都会有新的收获和感悟，其沉淀的价值是无法用单纯的页数来衡量的。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我入手这本乐谱集的时候，主要还是冲着它在基础训练体系中的声誉去的，但实际使用下来，我发现它远不止于一个简单的练习工具那么简单。它更像是一位沉默但极其耐心的私人导师，在你反复尝试和出错的过程中，无声地引导着你找到正确的发力点和指法转换的流畅性。我过去在处理一些特定的音阶连接时总是显得僵硬和不连贯，但通过书中精心编排的那些看似简单却暗藏玄机的练习片段，我发现自己的肌肉记忆正在潜移默化地被重塑。那些和声进行的设计，并非是随机的堆砌，而是巧妙地遵循了古典音乐发展的脉络，每完成一个单元的练习，都会有一种“豁然开朗”的感觉，仿佛自己的音乐理解力也随之提升了一个层次。这种由技术进步带来的自信心提升，比单纯的进度推进更有价值，它真正触及了音乐学习的核心——构建扎实的内在听觉和触觉联系。