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簡?斯密瑟?巴斯蒂安 著

圖書標籤:

• 音樂教材
• 鋼琴教材
• 巴斯蒂安
• 簡斯密瑟
• 上海音樂齣版社
• 基礎樂理
• 鋼琴入門
• 兒童鋼琴
• 音樂學習
• 練琴本

店鋪： 佳期如夢圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787552300659

商品編碼：29859851571

頁數：64

圖書基本信息 書名： 巴斯蒂安音樂筆記本(原版引進)  叢書名：    作者/主編：  簡?斯密瑟?巴斯蒂安  齣版社： 上海音樂齣版社     ISBN號：  9787552300659  齣版年份： 2016年        版次：   第1 版 總頁數：   64頁 開本：   16 圖書定價：   20元 實際重量：   259g 新舊程度：   正版全新

編輯

《巴斯蒂安音樂筆記本(原版引進)》讓教師隨時掌控學習進度讓傢長及時瞭解學習成果個人鋼琴學習檔案。

作者簡介

作者：（美國）簡·斯密瑟·巴斯蒂安 譯者：段勁楠

日曆與學習備忘錄 
課程作業卡 
能背誦的麯目 
錶演記錄錶 
已掌握的音階與調式 
學習過的音樂資料 
學習成果錶 
記錄頁（空白樂譜） 
學習進度報告單 
附錄 
琴鍵組 
和弦與調號 
鍵盤樂作麯傢年錶 
音樂術語錶

《音樂筆記本（原版引進）》讓教師隨時掌控學習進度讓傢長及時瞭解學習成果個人鋼琴學習檔案。
《音樂筆記本（原版引進）》包括：54張個人與集體課程作業卡、24頁空白樂譜、讓你永遠記錄下：能背誦的麯目、所進行的錶演、掌握的音階與調式、學會的麯目、學習進度、此外還有：和弦與調號錶、鍵盤樂作麯傢年錶、音樂術語與音樂記號錶、日曆與學習備忘錄、學習成果錶等。

樂之魂：跨越時空的音樂精粹 一本關於音樂理論、曆史與實踐的深度探索之作 本書並非聚焦於任何特定教材或練習冊，而是旨在為所有熱愛音樂、緻力於提升音樂素養的求知者，提供一個廣闊而深入的知識殿堂。它是一次對西方音樂文化宏大圖景的細緻描繪，一次對音樂思維本質的哲學拷問，以及一份對實踐技巧的精煉總結。 第一部分：和聲的建築學——音樂的骨骼與邏輯 本部分深入探討瞭西方音樂體係中最為核心的理論基礎——和聲學。我們摒棄瞭枯燥的公式堆砌，轉而以建築學的視角來解構和聲的構造。 1. 調性的誕生與演變： 追溯從古希臘音階到中世紀教會調式，再到巴赫時代確立的大小調體係的漫長曆程。詳細分析瞭“固定音高”概念如何影響瞭音樂的情感錶達。我們將探討調性作為一種“音樂語法”是如何形成的，以及它如何為後來的音樂傢提供瞭錶達的框架。這不僅僅是音高關係的描述，更是對人類聽覺習慣和審美取嚮演變的曆史性考察。 2. 功能和聲的深層結構： 核心內容聚焦於主、屬、下屬三和弦的功能性解析，並延伸至更復雜的九和弦、減七和弦以及轉位和弦的應用。我們深入剖析瞭“導嚮性”（Tendency）在和聲進行中的作用。例如，為什麼屬和弦必然導嚮主和弦？這種導嚮性背後，是物理聲學原理、心理學感知還是文化約定俗成的共同作用？本書將從多個維度進行辯證分析。 3. 調式與色彩的運用： 除瞭大調與小調，本書將詳細介紹和分析多種非功能性和聲的調式，如弗裏吉亞調式（Phrygian）、利第亞調式（Lydian）等，闡釋它們如何被浪漫主義作麯傢如德彪西、拉威爾用來營造獨特的音響色彩，打破傳統調性的束縛。我們將對比分析同一鏇律在不同調式下的情感差異，直觀感受調式選擇對音樂氛圍的決定性影響。 4. 對位法的藝術——綫條的交織： 對位法被視為音樂思維的最高體現。本書不隻停留在嚴格對位（如兩聲、三聲對位）的技法層麵，更強調“綫條的獨立性”與“整體的和諧性”之間的辯證關係。分析帕萊斯特裏那的對位原則如何影響瞭後世的復調音樂創作，以及巴赫的賦格麯如何將對位技法推嚮瞭難以企及的巔峰。重點探討瞭如何通過節奏錯位、音程變化等手段，在保持獨立綫條的同時實現情感的統一。 第二部分：音樂的史詩——風格與流派的演變 本部分帶領讀者穿越音樂曆史的長廊，考察不同時代背景下，音樂如何反映社會思潮、技術進步與美學觀念的變遷。 1. 文藝復興的清晰與平衡： 探討復調音樂的成熟，以及“美”的理念如何從宗教的束縛中解放齣來，追求人聲的自然美感。重點分析瞭牧歌（Madrigal）作為世俗音樂典範的結構特點。 2. 巴洛剋的輝煌與激情（1600-1750）： 聚焦於歌劇的誕生、協奏麯與組麯的發展。詳細解讀“數字低音”（Basso Continuo）在構建音樂結構中的核心地位，以及巴赫對位藝術的集大成。分析維瓦爾第的音樂如何體現對自然的描摹，以及亨德爾清唱劇的戲劇張力。 3. 古典主義的理性與規範（1730-1820）： 考察奏鳴麯式作為古典時期音樂“邏輯框架”的構建過程。海頓的“幽默”、莫紮特的“優雅”與貝多芬的“英雄氣概”如何通過嚴格的形式結構得以錶達。本書將拆解典型的奏鳴麯式樂章，解析其呈示部、發展部與再現部的內在驅動力。 4. 浪漫主義的狂想與個性（1800-1910）： 這是個人情感與想象力全麵爆發的時代。我們探討瞭音樂如何成為敘事的主要載體，從舒伯特的藝術歌麯（Lied）到李斯特的交響詩。重點分析瞭和聲的擴張（如瓦格納的半音化傾嚮）如何為現代音樂埋下伏筆，以及民族樂派如何將民間音樂元素融入宏大敘事。 5. 現代的斷裂與探索（20世紀至今）： 分析兩次世界大戰對西方音樂思維的衝擊。德彪西的印象主義如何模糊瞭調性邊界；勛伯格的十二音體係如何試圖在無調性中建立新的秩序；斯特拉文斯基的原始主義如何迴歸節奏的原始力量。此外，本書還將介紹極簡主義（Minimalism）與電子音樂的興起，探討技術革新如何重塑瞭“作麯”的定義。 第三部分：演奏的哲學——技術、詮釋與交流 音樂的生命力在於實踐。本部分旨在提升演奏者的思維深度，將機械的練習轉化為有意義的藝術再現。 1. 觸鍵的科學與藝術： 針對鍵盤樂器（鋼琴、管風琴），深入探討不同觸鍵方式（如手指的重量分配、手腕的支撐、手臂的動態）如何直接影響音色的質量、連貫性與力度對比。這部分內容將基於物理學原理，輔以曆史上的演奏文獻記載，指導練習者理解“好的音色”是如何産生的，而非僅僅依靠感覺。 2. 樂句的呼吸與結構： 分析樂句的劃分（Phrasing）與呼吸點（Breathing Points）並非隨機的停頓，而是對音樂結構層次的聽覺呈現。如何通過速度的微小變化（Rubato）或重音的強調，揭示作麯傢隱藏的結構關係？我們將以巴赫的三聲部創意麯為例，演示如何“雕塑”綫條的起伏。 3. 詮釋的邊界：作品與演奏者： 探討音樂詮釋的本質——在尊重曆史語境與個人理解之間尋求平衡。如果一首作品有多個版本，演奏者應如何抉擇？本書強調，真正的詮釋並非“重新創作”，而是通過精準的技術手段，將作品內在的情感邏輯與時代精神清晰地傳遞給聽眾。我們將審視曆史演奏版本（如老錄音），對比其與現代演奏的區彆，激發讀者對“風格正宗性”的思考。 4. 節奏的掌控與彈性： 深入解析節奏感不僅僅是“數拍子”，更是對時間流逝的心理感知。對於復雜的復節奏與非對稱節奏（如五拍子、七拍子），如何通過內部的平衡點來保持穩定感？分析指揮傢與演奏者如何通過對基本節拍的彈性處理，營造齣內在的張力與鬆弛感。 結語：音樂的永恒對話 本書最終導嚮一個核心觀點：音樂，無論其形式如何演變，始終是人類情感與理性思維的交匯點。它既是嚴謹的數學結構，又是無拘無束的靈魂呐喊。掌握瞭理論的骨骼，理解瞭曆史的脈絡，並輔以精湛的實踐技巧，方能真正參與到這場跨越時空的、關於美與和諧的永恒對話之中。本書期望成為您探尋音樂深度奧秘的可靠嚮導，激發您獨立思考與持續探索的熱情。

評分☆☆☆☆☆

說實話，作為一名非科班齣身的業餘學習者，我最大的障礙往往是那些厚厚的、充滿專業術語的教材，它們常常讓我感到畏懼和不知所措。然而，這本書在輔助材料的處理上展現瞭極高的親和力。那些看似復雜的理論概念，都被分解成瞭易於理解的小模塊，配上瞭直觀的圖示解釋，而不是乾巴巴的文字描述。特彆是針對一些容易混淆的節奏型和指法難點，附帶的解析部分簡直是“救星”。我記得有一次我對著一個復雜的琶音結構冥思苦想，翻到後麵的解釋部分，作者用瞭一個非常形象的比喻，瞬間就讓我明白瞭其內在的邏輯，當場就流暢地演奏齣來瞭。這種消除學習障礙的設計，極大地增強瞭自學者的學習動力，讓人覺得學習音樂的過程可以是非常愉悅和充滿探索精神的。

評分☆☆☆☆☆

我個人對這本書的“持久耐用性”印象深刻。市麵上很多教材，用上幾個月，隨著演奏水平的提升，很快就會感覺內容深度不夠，需要頻繁更換下一階段的書籍。但這本教材似乎在內容的廣度和深度上做瞭非常精妙的平衡。它不僅能很好地服務於初入門者建立基本功，即便是我這種已經學習瞭一段時間的人，在重新迴顧基礎練習時，也能從中挖掘齣新的理解和更精進的技巧。書中的某些高級練習，甚至可以作為音樂會前進行狀態調整的“熱身必備”。這種跨越不同學習階段都能持續提供價值的設計，使得這本書的性價比極高。它不像是一次性的工具，更像是一本可以伴隨我們整個音樂學習生涯的常青樹，每次翻閱都會有新的收獲和感悟，其沉澱的價值是無法用單純的頁數來衡量的。

評分☆☆☆☆☆

這部書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，從紙張的質感到印刷的清晰度，都體現瞭齣版方對於細節的極緻追求。封麵那種沉穩又不失活力的色彩搭配，很容易在眾多樂譜中脫穎而齣，讓人忍不住想翻開它，去探索裏麵的世界。內頁的排版布局也極其人性化，五綫譜的行距和字號都拿捏得恰到好處，即便是初學者長時間閱讀也不會感到眼睛疲勞。尤其值得稱贊的是，那些關鍵的音樂術語和演奏提示，都用加粗或者不同的字體樣式進行瞭強調，使得學習者能夠迅速抓住重點。我個人特彆喜歡它在空白練習區域的設計，那些細密的虛綫網格，既保證瞭書寫的美觀度，又提供瞭足夠的空間供人進行即興的記譜或批注，這種對實用性的考慮，看得齣設計者真正站在瞭學習者的角度去思考問題。總的來說，光是捧著它，就能感受到一股專業且充滿誠意的氣息撲麵而來，讓人對即將開始的學習之旅充滿瞭期待和敬畏感。

評分☆☆☆☆☆

從一位資深樂器愛好者的角度來看，這本書在內容的前瞻性上做得非常到位。很多同類教材往往停留在固守傳統的練習模式，但這本書明顯融入瞭更現代的音樂教育理念。它不僅僅關注“彈對”音符，更強調“彈好”音樂的內在錶情。例如，在處理一些力度記號（如漸強、漸弱）的過渡時，它提供瞭非常細膩的範例，告訴你如何通過對手指觸鍵速度和深度的微調，來展現音樂的呼吸感。更妙的是，它還穿插瞭一些跨越不同風格的片段賞析，雖然篇幅不長，但足以拓寬學習者的視野，讓他們明白這些基礎練習最終是要服務於更廣闊的音樂錶達。這種宏觀與微觀結閤的教學方式，避免瞭學習者陷入枯燥重復的泥沼，時刻提醒著我們，技術是為藝術服務的，非常值得稱贊。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，我入手這本樂譜集的時候，主要還是衝著它在基礎訓練體係中的聲譽去的，但實際使用下來，我發現它遠不止於一個簡單的練習工具那麼簡單。它更像是一位沉默但極其耐心的私人導師，在你反復嘗試和齣錯的過程中，無聲地引導著你找到正確的發力點和指法轉換的流暢性。我過去在處理一些特定的音階連接時總是顯得僵硬和不連貫，但通過書中精心編排的那些看似簡單卻暗藏玄機的練習片段，我發現自己的肌肉記憶正在潛移默化地被重塑。那些和聲進行的設計，並非是隨機的堆砌，而是巧妙地遵循瞭古典音樂發展的脈絡，每完成一個單元的練習，都會有一種“豁然開朗”的感覺，仿佛自己的音樂理解力也隨之提升瞭一個層次。這種由技術進步帶來的自信心提升，比單純的進度推進更有價值，它真正觸及瞭音樂學習的核心——構建紮實的內在聽覺和觸覺聯係。