音乐课程与教学论通用教程秦润明上海三联书店9787542637512 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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秦润明 著

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出版社： 上海三联

ISBN：9787542637512

商品编码：29859853755

出版时间：2011-12-31

页数：245

图书基本信息
书名：	音乐课程与教学通用教程
丛书名：	21世纪.高等院校科研成果与精品课程大系
作者/主编：	秦润明
出版社：	上海三联书店
ISBN号：	9787542637512
出版年份：	2012年

版次：	第1版
总页数：	245页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	540 g
新旧程度：	正版全新

21世纪高等院校科研成果与精品课程大系

篇   绪论：“音乐课程与教学论”课程综述 第二篇   音乐课程理念与课程目标 第三篇   音乐课程内容 第四篇   音乐课程实施与课程评价第五篇   （国外）音乐课程教学大纲研究第六篇   世界三大音乐教育体系研究第七篇   音乐课程教材分析、、、、、、

《音乐课程与教学论（通用教程）》是一部当代大学课改中涌现出来的的教材，曾获得过浙江省“十一五”重点教材建设项目，并正在申报重点课程项目。这个课题很多人都在探索实践，而作者就是将这些年来众多实验者的经验做了一个全面的总结。全书分十一个篇章：编、绪论：“音乐课程与教学论”课程综述；第二编、音乐课程理念与课程目标；第三编、音乐课程内容；第四编、音乐课程实施与课程评价；第五编、音乐课程教学大纲研究；第六编、世界三大音乐教育体系研究；第七编、音乐课程教材分析；第八编、音乐教学艺术；第九编、音乐教学设计理论研究；第十编、音乐教师相关能力培养；第十一编、中国音乐教师教育。这部书所涉及的范围很广，内容非常扎实，不仅综合了上先进的各种教学法，而且也综合了当今在全国各大专院校内进行着各种教学实验的实践成果和理论成果，以“通用教程”论之，确实很适合。这本“通用教程”，据了解，是参与国家艺术课程标准设计的中国学者修海林倡导的“三课”实验课题中的一个组成部分。中国的音乐教师培养的手段过去很单一，只教授一部音乐教学法，理论缺乏与实践的结合，而“三课”则以理论与教学实践的紧密结合而受到中国教育界的重视；而《音乐课程与教学论（通用教程）》这部书稿正是“三课”这一创新教学法的“核心”教材，它很好地将过去割裂的课程论和教学论有机地统一了起来，而且直接地对就学的学生进行教师职业的实践性指导。

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，完全不涉及您提到的那本《音乐课程与教学论通用教程》。 --- 《现代音乐史纲：从浪漫主义晚期到二十一世纪的流变》 图书简介 本书是一部宏大而深入的音乐史著作，旨在为读者勾勒出十九世纪中叶至今，西方音乐（并适当兼顾世界音乐思潮的交汇）在风格、技术、哲学与社会语境中的完整演变轨迹。它超越了传统上以“主义”简单划分的线性叙事，力求展现音乐思想如何在技术革新、政治动荡与文化反思的复杂背景下，进行着深刻的自我重塑与对话。 第一部分：浪漫主义的余晖与瓦解的序曲（1850-1900） 本部分首先审视了浪漫主义晚期音乐的鼎盛景象及其内在矛盾。瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念如何挑战了传统歌剧形式，以及其对和声语言的极致拓展，标志着调性系统的临界点。我们详细探讨了勃拉姆斯与李斯特两位巨匠在继承传统与开拓创新之间的不同取向。德彪西及其同事在法国如何酝酿着印象主义的清新气息，关注色彩与氛围的细微变化，与日耳曼传统的厚重叙事形成对照。此外，本章还追溯了民族乐派的兴起，如德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家，如何通过挖掘本土民间音乐元素，重塑国家音乐身份，为全球音乐语汇的多样化埋下伏笔。 第二部分：二十世纪初期的革命与断裂（1900-1945） 这是音乐史上最为动荡与实验性最强的时期之一。作者将焦点集中于两次世界大战前后的剧变。第二部分深入分析了斯特拉文斯基的《春之祭》如何以其原始的节奏和对传统美学的彻底颠覆，宣告了一个新时代的到来。紧接着，我们剖析了勋伯格及其追随者（贝尔格、韦伯恩）如何在调性体系耗尽后，开创了十二音技法。本书详细阐述了十二音体系的内在逻辑、操作方法及其在早期作品中的实践，并对比了它与新古典主义（Stravinsky回归巴赫的路径）在审美目标上的差异。同时，本章也关注了美国音乐的萌芽，如艾夫斯（Ives）对复调技术和本土旋律的融合探索，以及德彪西、拉威尔等人在印象主义风格上的精妙提炼。 第三部分：战后的实验场与电子的黎明（1945-1970） 二战的结束为音乐带来了对过往一切的深刻反思。战后欧洲的达姆施塔特夏季课程成为前卫音乐的孵化器。本部分详尽解读了序列音乐的深化——即“总序列主义”，如布列兹和施托克豪森如何试图将音乐的每一个元素（力度、时值、音高）都纳入严密的序列控制之中，以期达到绝对的理性化。与此同时，本书关注了机会音乐（Aleatoric Music）的兴起，特别是约翰·凯奇（John Cage）对“偶然性”的哲学探讨，以及他如何通过《4分33秒》挑战了“音乐”本身的定义。此外，电子音乐的早期发展被置于重要位置，从磁带音乐（Musique Concrète）到早期合成器的应用，探讨了技术如何为声音的创作开辟了无限可能。 第四部分：多元化与后现代的语境（1970至今） 随着宏大叙事的解体，音乐进入了一个高度多元、风格交叉的后现代阶段。本部分着重分析了极简主义（Minimalism）的崛起，如莱希、赖利和亚当斯如何通过循环结构和缓慢的渐变，提供了一种不同于序列主义的、更具冥想性和触手可感的听觉体验。我们探讨了新浪漫主义（Neo-Romanticism）对情感表达的回归，以及它与复杂对位法的结合。在学术研究领域，本书也介绍了后结构主义、符号学在音乐分析中的应用，以及当代作曲家如何越来越多地吸收非西方音乐元素、民间音乐的叙事方式，以及对数字媒体和跨学科合作的重视。 结语：未竟的听觉景观 最后的章节总结了二十世纪以来的主要趋势：调性的消散与重构、技术对创作自由的解放与束缚、以及音乐在面对全球化与信息爆炸时的自我定位。本书强调，当代音乐不再是单一的“主义”竞赛，而是一个充满张力的、仍在不断生长的开放系统。 本书特点： 1. 跨学科视角： 本书将音乐发展置于哲学（如现象学、后结构主义）、技术史（如录音技术、计算机科学）和社会历史的宏大背景下考察。 2. 深入的技法分析： 提供了对十二音、总体序列、频谱音乐等复杂技术的清晰解释，并配有必要的图表和示例分析。 3. 平衡的地理视野： 避免仅关注维也纳-巴黎轴心，平等地讨论了美国、东欧及其他地区的关键发展。 4. 清晰的叙事结构： 虽然内容复杂，但作者通过精妙的章节划分和逻辑递进，确保了读者能够系统地把握历史脉络。 本书适合高等音乐院校学生、音乐理论研究人员，以及所有希望系统深入了解近现代音乐思想演变的严肃音乐爱好者阅读。它不是一本简单的作品罗列，而是一部关于如何“聆听”现代世界声音的深刻指南。 --- 《中国古典诗词的意象与美学研究》 图书简介 本书立足于中国传统诗歌理论，对自《诗经》至清代的经典诗词作品中的核心“意象”进行系统而细致的分类、解析与美学探讨。作者认为，意象不仅是诗歌的构成元素，更是中国文化心理、审美情趣与哲学思考的浓缩载体。全书旨在揭示这些流传千古的符号如何在不同的历史语境中被赋予新的生命力，并最终形成了中国古典诗学独特的美学体系。 第一部分：意象的生成与文化根源 本章首先界定了“意象”在中国诗学中的特定含义，将其区别于西方文学批评中的“形象”（Image）。意象在中国传统中具有超越性的、与情思紧密相连的特质。作者追溯了意象的源头： 1. 自然崇拜与物哀： 从《诗经》中对草木、风雨的直接描摹，探讨了早期先民与自然万物的关系如何奠定了后世诗歌中“物”与“我”的互动模式。 2. 道家与禅宗的影响： 分析了“空”、“虚”、“静”等概念如何渗透到山水诗和禅宗诗歌的意象选择中，例如对月、松、涧的偏爱。 3. 儒家伦理与历史意识： 探讨了“黍离之悲”、“登高怀远”等意象如何承载起历史的兴亡、个人的抱负与社会责任感。 第二部分：核心意象的流变与定型 本书选取了中国诗歌中最具代表性的一批核心意象进行深度个案研究，并追踪其在不同朝代、不同流派中的审美变迁： 1. “月”的意象群像： 从李白笔下浪漫、洒脱的月，到杜甫笔下饱含家国之思的月，再到苏轼笔下哲理圆融的月，分析其在“孤”、“团”、“缺”不同状态下所指涉的情感光谱。 2. “水”的两种哲学： 对比了李白“飞流直下”的动势之水与王维“行到水穷处”的静谧之水，探讨水在表现生命力量与时间流逝上的双重功能。 3. “柳”与“花”的离合叙事： 重点剖析了“折柳送别”习俗的形成，以及花（尤其是“落花”）在唐宋词中从纯粹的伤春到人生易逝的象征意义的深化。 4. “烟雨”与“霜雪”： 分析了北方“霜雪”的肃杀与坚韧，与南方“烟雨”的迷蒙与朦胧，如何共同构建了中国古典诗歌的季节美学。 第三部分：意象的组合与诗歌的结构 意象的排列组合构成了诗歌的骨架。本部分侧重于分析意象在篇章结构中的作用： 1. 并置与跳接： 探讨了王维、孟浩然等人如何通过不加说明的意象并置（如“鸟鸣山更幽”），达到“不着一字，尽得风流”的含蓄境界。 2. 象征链条的构建： 分析了词中“香”、“梦”、“楼”等一系列具有情感指向性的意象如何被串联起来，形成复杂、连贯的闺怨或怀人之情。 3. 白描手法与意象的剥离： 考察了宋代诗歌（如黄庭坚、陈师道）在吸收了禅宗“直观”思想后，如何尝试剥去意象的传统文化负载，追求更本真、更具冲击力的视觉效果。 第四部分：意象学在当代批评中的意义 结语部分讨论了在现代语境下研究古典意象的价值。作者主张，意象研究不仅是对历史符号的考古，更是理解中国人审美习惯和情感表达方式的钥匙。通过对核心意象的细致梳理，我们可以更好地辨识和欣赏古典文学跨越时空的魅力。 本书特色： 细密入微的文本考察： 引用了大量经典篇目进行细读分析，而非泛泛而谈。 系统性的梳理： 首次将中国古典诗歌中的核心意象分为“自然景观”、“人情符号”、“哲学概念”三大类进行归纳。 理论深度： 融合了王国维、叶嘉莹等前辈学者的研究成果，并吸收了当代现象学、符号学在意象分析中的新方法。 本书为诗词研究者、文学爱好者以及致力于中国传统文化教育的教师提供了一部权威且富有启发性的参考工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的编排结构，尤其是在“教材内容选择与整合”这一章节的处理上，展现出极高的专业水准和人文关怀。它没有囿于某一特定教学体系或流派的窠臼，而是呈现出一种兼容并蓄的开放姿态。作者对于如何平衡经典曲目与当代音乐、本土文化与世界音乐之间的关系，给出了非常平衡且富有洞见的建议。我特别欣赏其中对于“文化自觉”在音乐教育中的地位的论述，这不仅关乎教什么，更关乎培养学生对自身文化身份的认同感和自豪感。这种深层次的文化视角，使得这本书的价值远远超越了单纯的教学方法指南。它引导读者思考音乐教育在社会文化传承中的责任与使命，让人在学习具体教学技巧的同时，思想境界也随之得到提升。阅读过程中，我多次停下来，思考这些理念在我的实际教学环境中如何落地生根，那种被触动和激励的感觉是难以言喻的。

评分☆☆☆☆☆

从纸张的触感、印刷的清晰度到内容的编排细节，这本书的出版质量本身就体现了一种对知识的尊重。我特别关注其中关于“信息技术在音乐教学中的应用”这一前沿课题的论述。不同于一些过于理想化或滞后于时代的技术介绍，书中对当前主流的教学软件、在线资源以及如何有效整合这些工具以服务于音乐教学目标的分析，显得既务实又具有前瞻性。作者没有将技术视为万能药，而是强调技术是教学理念的延伸和辅助，这一点非常关键。阅读这些内容时，我感受到的是一种脚踏实地的创新精神，它鼓励教师拥抱变化，但前提是牢固掌握核心的音乐教育目标。这本书无疑为那些希望在数字化时代保持教学活力的教育工作者，提供了一张清晰而可靠的路线图，让复杂的技术整合变得清晰可循，令人读后信心倍增，迫不及待想要尝试新的教学模式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有亲和力，即便有些理论阐述稍显复杂，作者总能用极其生活化且贴切的比喻将其阐释清楚，这对于自学或者需要快速掌握核心概念的读者来说，简直是福音。我尤其注意到书中对“教学反思”这一环节的重视程度。作者不仅强调了反思的重要性，更提供了一套完整的反思框架和工具，帮助教师系统地梳理自己的教学过程中的成功与不足。这种注重实践反馈和持续改进的态度，体现了作者对教育实践的深刻洞察。我尝试按照书中的建议，对近期的几堂课进行了结构化的反思，结果发现自己过去忽略了很多微妙的课堂互动细节。这种自我审视的过程，在以往的阅读材料中很少能得到如此系统和有力的支持。可以说，这本书不仅是一本知识的传授者，更是一位耐心的、循循善诱的良师益友，时刻提醒着教育者保持谦逊和探索的精神。

评分☆☆☆☆☆

初次捧读这本书时，我的注意力立刻被其中关于“音乐审美能力培养”的章节所吸引。这部分内容简直是颠覆了我过去对传统音乐教学中“技能至上”的刻板印象。作者细腻地剖析了审美体验在音乐学习中的核心地位，并不仅仅停留在理论层面，而是提供了大量可操作的路径图。书中对如何引导学生进行有效的聆听，如何构建一个充满情感共鸣的课堂氛围，进行了极其细致的论述。我特别欣赏作者引入的那些跨学科的视野，将音乐与视觉艺术、文学乃至哲学思辨结合起来，拓宽了音乐教育的边界。读完这一部分，我仿佛被注入了一股清新的空气，对音乐教学的理解从“教什么”上升到了“如何育人”的更高维度。那些关于如何设计开放性练习、鼓励学生表达独特感受的论述，对于正在努力提升教学质量的在职教师来说，无疑是如获至宝的宝贵资源，让人读后深思许久，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计初见便给我一种沉稳而又不失雅致的感觉，封面素雅的底色上，字体排布讲究，透露出内敛的学术气质。我习惯性地翻阅了目录，发现其逻辑架构非常清晰，从宏观的音乐教育理念，到微观的课堂实践技巧，层层递进，仿佛为初涉此道的学习者铺设了一条平坦的知识阶梯。尤其是对于不同年龄段学生的认知发展特点与音乐学习规律的探讨部分，作者的论述深入浅出，结合了大量的案例分析，让人在阅读时不仅是知识的吸收，更是一种思维的引导。比如，在谈到如何激发低龄儿童对节奏的兴趣时，书中提供的那些富有创意的游戏和活动设计，简直是“活学活用”的最佳范本，让人立刻就想付诸实践。整体而言，这本书的文字功底扎实，行文流畅，即便是初次接触音乐教学论的读者，也能感受到作者深厚的专业素养和对教育事业的真挚热爱，绝非那种干巴巴的理论堆砌，而是充满生命力的教育思想的体现。