当代作曲技术理论系列图书 中国五声性调试和声的理论与方法 樊祖荫著 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 五声调式
• 和声学
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• 樊祖荫
• 上海音乐出版社
• 当代作曲
• 音乐分析
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552314847

商品编码：29867458787

丛书名： 中国五声性调试和声的理论与方法

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图书简介： 书名： 《二十世纪音乐的探索与实践：新和声语言的构建与应用》 作者： [此处可填入虚构的作者名，例如：陈思远] 出版社： [此处可填入虚构的出版社名，例如：世纪之声音乐出版社] 内容概述： 本书旨在深入剖析二十世纪以来西方音乐在和声语言方面所经历的剧烈变革，以及作曲家们如何突破传统调性体系的束缚，构建起全新的音乐表达方式。全书以严谨的学术态度和翔实的案例分析，系统梳理了从晚期浪漫主义向现代主义过渡的关键节点，重点探讨了无调性、十二音体系、序列主义、偶然音乐以及各种音高组织理论的形成、发展及其在具体作品中的应用。 第一部分：传统调性的瓦解与早期现代主义的和声探索 本书伊始，首先对十九世纪末期调性体系的内部矛盾进行了细致的梳理。德彪西的印象主义和声，其对色彩的追求和对传统功能和声的模糊处理，标志着和声语言开始脱离严格的“中心”引力。随后的斯克里亚宾（Scriabin）的和声实验，尤其是对“神秘和弦”的运用，展示了调性向更高维度拓展的可能性。 紧接着，我们进入了勋伯格（Schoenberg）的无调性阶段。这一部分详细阐述了“自由无调性”是如何在情感张力和音响色彩的驱动下，自然而然地产生对传统和声规则的反叛。我们分析了《期望》等早期作品中，如何通过不断地引入新的、非功能性的和弦组合来维持音乐的张力，避免任何潜在的调性中心形成。 第二部分：十二音技法与序列主义的逻辑重构 本书的核心章节之一集中于十二音技法的诞生与成熟。我们不仅仅是对十二音体系的规则进行机械性的描述，更重要的是探讨其背后的哲学基础——即对“多样性的平等”的追求。详细解析了勋伯格如何建立音列（Tone Row）的“原始形式”、“逆行”、“倒影”和“逆行倒影”的转换方式，以及如何利用这些基本形式构建出复杂的、结构严谨的音乐织体。 在此基础上，本书深入研究了韦伯恩（Webern）的序列主义。韦伯恩的作品将十二音技法推向了极致的精炼与内在逻辑的统一。我们通过对他的室内乐和合唱作品的剖析，揭示了序列如何超越仅仅是控制音高，进而扩展到对节奏、力度和音色的序列化控制，形成了高度的“整体序列化”的音乐语言。这部分内容着重分析了序列的内在“亲属关系”如何确保了即使在没有调性引导的情况下，作品依然保持了高度的内在统一性。 第三部分：后序列主义与新材料的引入 随着对序列逻辑的深入挖掘，作曲家们开始质疑序列主义的过度理性化和封闭性。本书探讨了战后法国的“新古典主义”和“总体序列主义”之间的对话与冲突。 布列兹（Boulez）的序列主义实践，特别是其对节奏和时值的严密控制，展示了序列如何渗透到音乐的每一个维度。我们分析了他如何运用复杂的数学结构来组织音乐的宏观形态和微观细节。 与此同时，本书引入了德彪西之后对“音色”和“泛音列”的重新重视。梅西安（Messiaen）的调式，特别是其独特的“带有时值限制的移调升七音调式”（Modes of Limited Transposition），为和声带来了新的色彩维度。我们考察了梅西安如何将鸟鸣和印度节奏融入其复杂的和声结构中，为音乐注入了神秘和宗教的色彩。 第四部分：偶然性、极简主义与声音景观的拓展 本书的后半部分聚焦于对传统作曲概念的颠覆。约翰·凯奇（John Cage）的偶然音乐（Aleatoric Music）及其对“意图”的挑战被视为一次重要的哲学转向。我们详细讨论了“机会操作”的引入如何解除了作曲家对每一个音符的绝对控制权，从而使作品的最终形态更接近于自然或未被干预的现实。对《4'33"》的分析，超越了对“寂静”的表面理解，而是探讨了其对“声音事件”本身及其听取方式的深刻反思。 随后，本书转向了以斯托克豪森（Stockhausen）等为代表的空间音乐（Spatial Music）和电子音乐的探索。我们讨论了如何利用电子技术处理声音的物理属性，以及空间布局如何成为构建和声结构的新工具。 最后，本书以极简主义的兴起作为收尾。通过对赖利（Reich）和格拉斯（Glass）等人的“相位”（Phasing）技术、重复和缓慢的、渐进式的变化的研究，我们看到和声不再是垂直的堆叠或功能的转换，而是时间流动中音型相互作用的动态过程。极简主义将焦点从“复杂性”转移到了“过程”本身，为后来的新浪潮音乐和电子舞曲提供了重要的理论渊源。 本书特点： 深度结合理论与实例： 每一章节均配有大量二十世纪经典作品的详细乐谱分析，帮助读者将抽象的理论概念转化为具体的听觉经验。 跨学科视野： 探讨了哲学、数学（如群论、集合论）在现代作曲技法中的应用，展现了二十世纪音乐的智性深度。 结构清晰、逻辑严谨： 按照历史发展脉络和技法体系的递进关系组织内容，确保读者能够系统地掌握从调性瓦解到后现代多元化的全过程。 适用对象： 音乐学院高年级本科生、研究生、专业作曲家、音乐理论研究者以及对二十世纪音乐发展史有浓厚兴趣的音乐爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，坦白说，是偏向学术化和专业化的，这一点对于刚接触这个领域的新手来说，可能会构成一定的初期门槛。它不像通俗读物那样追求轻松愉快的叙事节奏，而是更倾向于精准、严密的术语表达。不过，对于有一定专业背景的人士而言，这种直击核心、不加修饰的表达反而是高效且令人愉悦的。我个人非常喜欢作者在阐述复杂观点时所展现出的那种克制而深沉的思考力度，字里行间透露出长期的研究积淀。阅读它需要耐心，但这种投入绝对是值得的，因为它能帮你建立起一个坚不可摧的理论基础，让你在面对实际创作中的疑难杂症时，能迅速找到问题的本质所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从封面到内页的排版，都透着一股严谨又不失典雅的气质。纸张的质感摸起来非常舒服，即便是长时间阅读也不会感到疲劳。特别是字体选择和字号的排布，看得出出版社在细节上是下了大功夫的。作为一名对音乐理论有一定基础的学习者，我非常欣赏这种注重细节的出版态度。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心打磨的艺术品。每次翻开它，都能感受到一种对学术研究的敬畏之心。这种对物理形态的重视，无疑提升了阅读体验，让人更愿意沉下心来，去探索那些深奥的理论。对于初次接触这类专业书籍的读者来说，这样的外观设计无疑提供了一个非常友好的入口，让人感觉学习过程本身也是一种享受，而不是枯燥的文字堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排非常清晰，逻辑链条紧密得像是精密的机械装置，层层递进，没有一丝冗余。从基础概念的引入，到复杂技法的展开，再到具体的实例分析，每一步都像是为读者铺设好了坚实的阶梯。我特别欣赏作者在论述过程中所展现出的那种极强的条理性和学术定力。在处理一些跨越不同音乐体系的比较时，作者的处理方式极为审慎，既没有为了凸显新理论而贬低传统，也没有盲目套用西方模型。这种平衡的、历史性的眼光，使得整本书读起来非常扎实可靠，让人信服。对于正在为自己的毕业论文寻找坚实理论支撑的学生来说，这本书无疑是一座宝库，里面的引文和参考资料的严谨性也值得信赖。

评分☆☆☆☆☆

我一直在寻找一本能够将传统理论与现代作曲实践有效结合起来的参考书，很多书要么过于偏重历史梳理，要么又陷于某种特定流派的泥潭中无法自拔。而这本书展现出的兼容并蓄和前瞻视野，真正打动了我。它似乎有一种魔力，能将过去的声音语言与未来可能的声音形态联系起来，提供了一个跨越时空的对话平台。我尤其注意到其中对某些特定音响效果的描述和分析，非常细腻入微，这种对声音质地的敏感度，是很多只停留在纸面上的理论著作所不具备的。这本书更像是作者多年来在工作室中亲自实践、反复打磨后的心得结晶，读起来充满了鲜活的生命力和指导意义，对于那些渴望在个人音乐语言上有所突破的创作者来说，这本书绝对是不可多得的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究某种特定风格的民族音乐在现代语境下的应用可能性，因此我对市面上所有能找到的关于和声学、配器法的前沿著作都进行了梳理。这本书的理论框架给我带来了很多启发。它不像某些西方的经典教材那样，完全陷入既有的和声体系中无法自拔，而是提供了一种更具包容性和探索性的视角。书中对不同音乐元素之间复杂关系的探讨，尤其是在调性构建和色彩运用上的分析角度非常新颖独到，不像我之前读过的很多教材那样，只是简单地罗列规则。它更像是提供了一套思维工具，指导读者如何去“听”和“构建”声音，而不是仅仅停留在“如何正确使用”的层面。这种由内而外的解析方式，对于想要进行真正创新性写作的作曲家来说，价值无可估量。