原版引进 环球经典名曲导读续集32 J.施特劳斯作品分析+CD音乐剧合唱教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 知识产权出版社

ISBN：9787513006675

商品编码：29867531879

丛书名： 音乐剧合唱教程

开本：16开

出版时间：2011-06-01

编辑推荐 经典唱片，展现世界指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。

目录 蝙蝠（序曲）
春之声圆舞曲作品410
埃及进行曲作品335
自由射击作品326
皇帝圆舞曲作品437
约翰·施特劳斯和约瑟夫·施特劳斯（1827—1870）
拨弦波尔卡 
电闪雷鸣作品324
南方的野玫瑰作品338
和四十大盗（序曲）
前进波尔卡作品332
吉卜赛男爵（出场进行曲）
蓝色多瑙河作品314
演奏 维也纳爱乐乐团
指挥 洛林·马泽尔

内容推荐 纵观整个19世纪，在维也纳活跃过不少伟大的作家曲，如：海顿、贝多芬、舒伯特、李斯特、瓦格纳、布鲁克纳、布拉姆斯、马勒、沃尔夫和勋伯格。但是一提到“维也纳音乐”这个词儿，人们立即会想到施特劳斯家庭。老施特劳斯和他的儿子小约韩以及爱德华都出生和去世于维也纳；当维也纳这个哈布斯堡王朝的首府正处于享乐主义成风时，这个家族创作的音乐娱乐着那里的人们，并成为那座城市的一个缩影。在施特劳斯家族所有成员中，小约翰在当时和现在都是受推崇的一位作曲家。
约翰·施特劳斯生于1825年10月25日，当时他父母刚结婚3个多月。父当时21岁，作为一名小提琴家和作曲家正崭露头角，同时他也是维也纳大酒店的舞曲乐队指挥（小约翰的母——玛丽亚·安娜·施特雷姆正是一家酒店老板的女儿）。尽管小约翰6岁就开始创作圆舞曲，他父还是坚持要求他在未来成为银行家。小约翰只得在母的帮助和掩饰下，偷偷摸摸地上小提琴课，直到1842年才开始正规地学习音乐理论；而正是在这一年，父抛弃了母和6个孩子，和一个年轻的女裁缝开始同居。父和女裁缝后来又生了7个孩子。两年后，小约翰组建了自己的乐队，演奏自己的作品，并与父竞争着维也纳受欢迎的舞曲音乐家的称号。1849年父去世，小约翰将两人的乐队合并，和他父一样，同时担任起乐队的小提琴手和指挥。
19世纪六七十年代，在皇帝弗朗兹·约瑟夫一世的统治下，当时的奥地利是太平盛世。约翰施特劳斯在维也纳如日中天，曾多年担任皇家宫廷舞会的音乐指导。他是一位极有成就的作曲家，不但把舞曲音乐带到了相当高的技术水平，而且丝毫没有抛弃其单纯的欢乐气质。这一点尤其受到诸如瓦格纳和布拉姆斯这样的“严肃”作曲家的钦佩。1899年6月3日，约翰。施特劳斯在维也纳死于肺，享年73岁。他去世后被埋葬于中央基地，离贝多芬和舒伯特下葬处不远。

《西方音乐史纲要：从巴洛克到浪漫主义》 导言：音乐的演进与时代的映照 本书旨在系统梳理西方音乐自巴洛克时期（约1600年）至浪漫主义晚期（约1900年）的宏伟历程。这不是一部简单的作曲家生平罗列，而是一部力求深入剖析音乐风格演变、技术革新以及社会文化背景如何相互作用，共同塑造了我们今日所听到的古典音乐的“编年史”。我们将探究在特定的历史语境下，音乐是如何成为表达人类情感、哲学思考与社会思潮的最有力工具之一。 第一部分：巴洛克辉煌的序章（约1600-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满戏剧性与装饰性的时代。它的核心特征在于对情感的强烈表达（Affektenlehre，情感理论）、复调织体的精湛运用以及持续的低音（Basso Continuo）作为音乐的骨架。 第一章：歌剧的诞生与早期发展 我们将从意大利佛罗伦萨的“歌剧学派”说起，探讨歌剧如何从贵族的娱乐活动演变为一种成熟的艺术形式。重点分析美第奇家族在推动早期歌剧中的作用，以及蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）如何通过《奥尔费奥》确立了咏叹调与宣叙调的基本结构。我们将深入比较早期歌剧的“庄歌剧”（Opera Seria）与后来的“喜歌剧”（Opera Buffa）在主题和音乐手法上的区别。 第二章：协奏曲的成熟与器乐的崛起 巴洛克时期见证了器乐的独立地位确立。本章将聚焦于协奏曲（Concerto）的发展，特别是“大协奏曲”（Concerto Grosso）的结构。我们将详细分析科雷利（Arcangelo Corelli）如何规范奏鸣曲与协奏曲的体裁，并深入探讨维瓦尔第（Antonio Vivaldi）在《四季》中对自然意象的音乐化描绘，及其对后世配器法的影响。 第三章：对位法的巅峰：巴赫的贡献 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）是巴洛克音乐的集大成者。本章将避开其生平的过多描述，而着重分析其对位法技巧的登峰造极。我们将解析《平均律钢琴曲集》中对不同调性探索的意义，以及《赋格的艺术》如何成为对复调音乐逻辑的终极表达。我们还将讨论他如何将宗教精神融入到宏大的清唱剧和受难曲中，例如《马太受难曲》中的合唱处理手法。 第四部分：风格的转型：古典主义的清晰与平衡（约1730-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐开始追求清晰、对称和清晰的结构，摒弃了巴洛克晚期的繁复装饰。这一时期的核心是“旋律与清晰的和声”的回归。 第一章：从洛可可到“燕尾服音乐” 我们将探讨早期古典主义风格的过渡，特别是“音乐的敏感性风格”（Empfindsamer Stil）如何预示了变革的到来。本章也将关注歌剧改革的努力，尤其是格鲁克（Christoph Willibald Gluck）如何试图将戏剧性带回歌剧，使其服务于文本的表达，而非仅仅是炫技。 第二章：维也纳乐派的奠基 海顿（Joseph Haydn）被誉为“交响曲之父”。本章将详细剖析奏鸣曲式（Sonata Form）在海顿手中如何被标准化和完善，特别是其呈示部、发展部和再现部的内在逻辑。此外，我们还将分析古典主义时期弦乐四重奏的兴起，它如何成为最纯粹的室内乐表达形式。 第三章：莫扎特的完美与深刻 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的音乐以其无与伦比的旋律天赋和情感深度而著称。我们将研究其钢琴协奏曲中独奏乐器与乐队的对话方式的精妙，以及他在歌剧，特别是《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，如何运用音乐来刻画复杂的人性，突破了传统的人物脸谱化。 第四章：贝多芬：古典的终结者与浪漫的先驱 路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）是连接两个时代的巨人。本章侧重分析他的中晚期作品，如第九交响曲，如何打破了既有形式的约束，将叙事性、个人英雄主义和对自由的渴望融入到音乐结构中。我们将审视他如何通过动机发展（Motivic Development）来构建宏大的音乐叙事。 第三部分：浪漫主义的激情与个性解放（约1815-1910年） 浪漫主义时期，音乐的主题从追求普适的理性转向了个体的内在情感、自然崇拜、超自然现象以及民族身份的探索。个人主义的崛起使得作曲家开始将自己的生活经历和主观感受置于作品的中心。 第一章：德意志艺术歌曲（Lied）的黄金时代 舒伯特（Franz Schubert）和舒曼（Robert Schumann）将诗歌与音乐提升到了前所未有的高度。本章将分析“艺术歌曲”如何通过钢琴伴奏（而非仅仅是附属角色）来描绘诗歌的意境，探讨“循环体套曲”（Song Cycle）中叙事和情感弧线的构建。 第二章：标题音乐的崛起与管弦乐的革新 随着交响诗（Symphonic Poem）的出现，音乐开始直接描绘文学作品或画面。我们将分析柏辽兹（Hector Berlioz）在《幻想交响曲》中对“主导动机”（Idée Fixe）的创造性使用，以及李斯特（Franz Liszt）如何发展出单乐章的管弦乐构思。 第三章：民族乐派的兴起 在欧洲民族主义高涨的背景下，作曲家们开始从本国民间音乐、舞蹈和传说中汲取灵感，以区别于德奥主导的音乐传统。本章将重点考察俄国“五人强”的音乐特点，以及德沃夏克（Antonín Dvořák）如何将波西米亚（捷克）的民间旋律融入到其交响作品中。 第四章：晚期浪漫主义的宏大与沉思 晚期浪漫主义的特点是配器规模的空前扩大、和声色彩的极大丰富以及对极限情感的探索。我们将分析瓦格纳（Richard Wagner）对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及其对“主导动机”在歌剧中运用的深化。同时，布鲁克纳（Anton Bruckner）和马勒（Gustav Mahler）的交响曲如何以其沉重的哲学思考和巨大的篇幅，将传统交响曲推向了最终的边界。 结语：世纪之交的音乐景观 本书的最后部分将简要回顾在这些巨匠的辉煌成就之后，音乐如何开始走向印象主义和现代主义的探索，为听众理解二十世纪音乐的变革打下坚实的基础。我们将总结从巴洛克的对位严谨到浪漫主义的自由奔放这一百多年间，音乐在结构、和声、配器和情感表达上所经历的深刻革命。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对于推进特定音乐流派在国内的普及工作，无疑具有重要的推动意义。它所选取的曲目范围非常广阔，既包含了那些家喻户晓的“金曲”，也勇敢地触及了一些相对小众但艺术价值极高的作品，这极大地拓宽了我的音乐视野。通过阅读这些详尽的背景资料，我得以重新审视很多过去只是“听过”的片段，理解了作曲家在特定创作阶段所面临的挑战和突破。更关键的是，书中对于不同版本和演绎的比较分析，提供了一个非常中立和专业的评判框架。它不是简单地推崇某一特定版本，而是引导读者去思考“为什么”某个诠释更贴合原作精神。这种引导式的阅读体验，培养了读者独立鉴赏音乐的能力，而不是仅仅被动接受既定的权威观点，这对于培养未来一代的音乐鉴赏人才至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计实在让人眼前一亮，硬壳精装，手感厚重，色彩搭配沉稳又不失古典韵味，一看就知道是下了心思的作品。翻开扉页，那种油墨的清香混合着纸张的细腻质感，让人忍不住想立刻沉浸其中。作为一名资深乐迷，我尤其欣赏这种对实体书品质的坚持。封面设计上的排版布局，那种留白的处理，恰到好处地凸显了主题的庄重感，没有丝毫多余的浮夸。虽然我这次入手主要是为了研究乐理知识，但光是把它摆在书架上，就已经成了一件赏心悦目的艺术品。内页的纸张选择也十分考究，印刷的清晰度极高，即便是复杂的五线谱和文字注释，也能看得一清二楚，这对于需要反复对照和学习的读者来说，简直是福音。每次阅读时，我都能感受到制作者对于经典作品应有的敬畏之心，这种对细节的极致追求，在如今快节奏的出版界实属难得。它不仅仅是一本书，更像是一件可以细细品味的收藏品，每一次翻阅都是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这种“导读续集”的系列会显得有些疲软或重复，但这本书在内容编排上的创新度完全超出了我的预期。它没有停留在对既有作品的简单罗列和介绍，而是深入挖掘了背后的文化语境和社会思潮，将音乐置于其诞生的历史脉络中进行考察。特别是对于某些被过度解读的名篇，作者能够提供一种耳目一新的视角，很多地方的论述充满了思辨的深度，读来让人茅塞顿开。举个例子，书中对于某个时期作品的分析，竟然关联到了当时欧洲的哲学流派，这种跨学科的探讨方式，极大地丰富了我对音乐的理解，不再是单纯的旋律欣赏，而是上升到了思想层面的交流。我过去阅读过不少同类书籍，但鲜有能做到如此立体和多维度的剖析，它成功地将学术研究的严谨性与大众普及的易读性完美地融合在了一起，达到了一个非常高的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附带材料——那张配套的音轨集合，其音质的纯净度和选择的准确性，堪称一流。在阅读到具体的乐段分析时，我可以直接暂停下来，立刻从CD中找到对应的音频进行比对和验证，这种“读、听、思”三位一体的学习体验，是纯文字书籍无法比拟的优势。许多理论书籍虽然配有资源链接，但往往涉及版权问题或音质参差不齐，让人感到不便。而这本书将高质量的音频资源以实体光盘的形式提供，确保了学习体验的连贯性和专业性。我特地用高保真耳机播放了其中几段复杂织体的合唱作品，连最细微的声部线条都能清晰分辨出来，这对于分析和模仿至关重要。可以说，这张CD不仅仅是书的附属品，它本身就是一套精心策划的听力训练工具，极大地增强了本书的实用价值和整体内容的完整度。

评分☆☆☆☆☆

对于像我这样，一直对古典音乐理论学习抱有热情但又缺乏系统指导的人来说，这本书的结构简直是教科书级别的典范。它不是那种零散的随笔集合，而是遵循着清晰的逻辑递进关系，章节之间的过渡自然流畅，循序渐进地引导读者进入更复杂的音乐分析领域。尤其值得称赞的是，作者在讲解一些晦涩的对位法或和声进行时，所采用的比喻和图示都非常直观易懂，成功地降低了理解门槛。我过去常常在某个技术难点上卡住，需要查阅大量的辅助资料，但在这本书里，作者似乎提前预料到了读者的疑惑点，并在关键节点进行了详尽的“避雷”指导。这种以学习者为中心的编写思路，让枯燥的理论学习过程变得有章可循，极大地提升了我的学习效率，让人感觉自己真的在扎实地积累知识，而不是在走马观花。