大音乐家五线谱:赛车总动员/迪士尼音乐世界丛书系列/美国迪士尼 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311709

商品编码：29867532466

丛书名： 赛车总动员大音乐家五线谱

开本：16开

出版时间：2016-08-01

描述信息

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【书摘和插图】

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音乐的奇幻旅程：经典乐章与世界名曲赏析 一部献给所有热爱音乐之人，深入探索古典、浪漫及现代音乐宝库的深度导览。 本书旨在带领读者穿越时空的限制，领略自巴洛克时期辉煌的复调结构，到浪漫主义时期澎湃的情感表达，再到二十世纪实验性音乐的无限可能。我们不仅仅是记录音符的排列，更是试图揭示音乐背后的文化脉络、作曲家的心路历程以及作品如何深刻地影响了人类的情感世界。 第一部分：根基的构建——巴洛克与古典时期的辉煌 第一章：巴赫的宇宙与海顿的幽默 本章深入剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的音乐哲学。重点探讨《平均律钢琴曲集》如何奠定西方音乐的调性基础，以及他晚期作品如《赋格的艺术》中展现的数学般的严谨与神圣感。我们详细分析了赋格（Fugue）这一复杂结构的运作机制，并通过解析他的大提琴无伴奏组曲，展示了如何在单一乐器上实现复调的丰富性。 紧接着，我们将目光投向“交响曲之父”弗朗茨·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn）。着重阐述他在爱斯特哈齐宫廷期间的创作历程，如何将原本松散的协奏曲形式提炼并固化为我们今天所熟知的奏鸣曲式（Sonata Form）。书中将精选分析“惊愕”交响曲（Symphony No. 94）的第二乐章，探讨其巧妙的结构安排和突如其来的动态对比，揭示古典主义时期对清晰、平衡与逻辑性的极致追求。 第二章：莫扎特的纯粹与贝多芬的革命 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的音乐被誉为“天籁之音”。本章不落俗套地探讨莫扎特作品中蕴含的深刻悲剧性，尤其是在其晚期歌剧如《唐璜》和《魔笛》中的人性刻画。我们审视了他在钢琴协奏曲中如何将独奏乐器与乐队完美融合，创造出一种对话的艺术。重点分析C大调第41号交响曲“朱庇特”的宏伟终章，解析其将赋格技巧融入奏鸣曲式末尾的非凡创举。 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）是划时代的巨匠。本章着重探讨他如何通过作品表达个人意志和对自由的渴望。从“英雄”交响曲（Symphony No. 3）的开创性篇幅和主题发展，到“命运”交响曲（Symphony No. 5）中那标志性的“‘嗒-嗒-嗒-嗒’的动机如何贯穿始终”，展示了音乐如何从宫廷娱乐转变为严肃的哲学表达。最后，我们将讨论《第九交响曲》的诞生背景及其对人类团结精神的呼唤。 第二部分：情感的潮汐——浪漫主义的深度挖掘 第三章：肖邦的诗意与舒曼的内心独白 浪漫主义时期，音乐家将焦点从宏大的公共叙事转向个体的内在体验。弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）是这一转变的完美代表。本章聚焦于他对钢琴这一乐器的精妙运用，探讨他的夜曲（Nocturnes）如何捕捉夜晚的朦胧与沉思，以及他的玛祖卡（Mazurkas）中流淌出的波兰民族精神。我们将分析其二十四首前奏曲（Op. 28）如何在极短篇幅内浓缩了强烈的情感色彩和复杂的技巧要求。 罗伯特·舒曼（Robert Schumann）的作品是浪漫主义“心灵风景画”的典范。通过分析《狂欢节》（Carnaval）和《儿时情景》（Kinderszenen），我们探讨了他如何通过音乐描绘虚构的人物和场景，以及其作品中频繁出现的“双重人格”主题——尤金尼乌斯（Eusebius）和弗洛雷斯坦（Florestan）的音乐对话。 第四章：李斯特的炫技与瓦格纳的“乐剧” 弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）将钢琴演奏推向了技术极限。本章解析了他如何发明了交响诗（Symphonic Poem）这一新的管弦乐体裁，旨在用音乐讲述一个文学或绘画故事。深入探讨其《但丁幻想交响曲》中对地狱、炼狱与天堂的音乐描摹，及其对后世电影配乐产生的深远影响。 理查德·瓦格纳（Richard Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念彻底颠覆了歌剧传统。本章重点解析其主导动机（Leitmotif）系统如何在《尼伯龙根的指环》等宏大作品中构建复杂的叙事网络。探讨其和声语言，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”，如何模糊了调性中心的界限，预示了后浪漫主义的和声危机。 第三部分：探索与跨越——二十世纪的革新浪潮 第五章：德彪西的印象与斯特拉文斯基的原始力量 克劳德·德彪西（Claude Debussy）的作品标志着音乐对印象派绘画的回应。本章探讨他如何运用全音阶、五声音阶和非传统调式来营造色彩斑斓的听觉氛围。重点分析《牧神午后前奏曲》和钢琴组曲《复活节的钟声》，理解其如何通过音色而非清晰的旋律线条来传达感觉。 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）是二十世纪最具影响力的革新者之一。我们将深入剖析《春之祭》（The Rite of Spring）首演引发的巨大争议，分析其使用的多重节拍、刺耳的协和与不协和音程，以及对原始主义（Primitivism）的表达，揭示其如何打破了西方音乐沿袭百年的节奏规范。 第六章：无调性与声音的未来 二十世纪上半叶，阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）及其十二音体系（Twelve-tone Technique）的诞生，是对传统调性的一次彻底决裂。本章将详细解释如何构建音列（Tone Row），以及如何利用其进行严谨的作曲，旨在探讨“音乐的逻辑”在失去传统调性中心后如何重建。 紧接着，我们将探讨约翰·凯奇（John Cage）对音乐本质的哲学反思。通过分析《4分33秒》，我们探讨了“偶然性音乐”和“开放作品”的概念，挑战了听众对于“什么是音乐”的基本定义，引导读者思考环境音响与音乐之间的界限。 结语：聆听的艺术 本书的最终目标是培养读者主动聆听的能力。我们不仅提供了历史背景和技术分析，更鼓励读者在面对这些复杂多变的音乐时，学会捕捉情感的细微变化，理解结构背后的意图，从而实现作曲家与听众之间最深层次的共鸣。音乐的魅力在于其无限的解释空间，本书愿作开启这扇大门的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

我前阵子迷上了一本关于现代爵士乐即兴理论的专著，说实话，一开始我还有点担心它会过于学术化，充斥着大量的乐理公式和枯燥的分析，但事实证明我的担忧是多余的。这本书的讲解方式非常直观且具有启发性。它没有直接抛出一堆复杂的和弦替换规则，而是从“听觉感知”入手，通过大量的音频示例和详尽的乐句拆解，引导读者去理解不同调式在特定和声进行中产生的“色彩变化”。作者的语言风格非常幽默风趣，即便是像“比波普时代的和声语言复杂性”这种让人望而生畏的主题，也能被他用日常的对话方式娓娓道来。特别值得称赞的是，书中对几位标志性乐手——比如查理·帕克和迈尔斯·戴维斯——的独奏片段进行了逐小节的分析，清晰地展示了他们是如何打破传统规则，构建出革命性的旋律线的。这对我个人演奏技术的提升有立竿见影的效果，让我明白了“规则”是为了更好地“打破”和“创造”。这本书就像一位耐心的导师，在你迷茫时为你指明方向，在你进步时为你设置更高的目标。如果你是一个正在努力从“弹奏”到“说唱”的爵士乐手，这本书绝对值得你反复研读，它能帮你真正挖掘出即兴的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

最近读完的一本关于电影音乐史的通俗读物，真是让人感到无比的放松和愉悦。它不是那种高深的配乐分析指南，而是以一种非常八卦、非常贴近影迷的角度，讲述了好莱坞黄金时代到新浪潮时期，那些经典配乐背后的“恩怨情仇”和幕后故事。比如，书中爆料了伯纳德·赫尔曼和希区柯克合作中那些充满张力的创作过程，以及不同录音室乐团之间的竞争如何催生了更宏大、更具戏剧张力的管弦乐配器。作者的文笔极其流畅，像在讲精彩的电影故事一样，让你完全沉浸其中，完全忘记了自己正在阅读一本“严肃”的书籍。我尤其喜欢其中一个章节，专门对比了不同时代对“史诗感”的营造方式，从早期的纯粹管弦乐堆砌，到后来电子合成器的巧妙介入，展示了科技如何一点点改变了电影情绪的塑造。这本书非常适合在周末的午后，泡上一杯茶，轻松地翻阅。它让你在欣赏老电影时，能多一份会心一笑的“内幕”了解，大大提升了观影的乐趣，是影音爱好者不可多得的“佐餐读物”。

评分☆☆☆☆☆

我最近淘到了一本非常独特的关于二十世纪先锋派音乐的文集，它汇集了多位音乐评论家对二战后欧洲前卫音乐运动的深度思考。这本书的价值在于它敢于触碰那些最具争议性、最难被主流听众接受的作品和观念。它没有试图美化像“噪音音乐”或者“偶然音乐”这类挑战传统审美的流派，而是诚实地记录了当时作曲家们试图挣脱传统音乐体系（无论是结构上还是音色上）的巨大决心和由此产生的哲学思考。书中对布列瑟斯和斯托克豪森的某些阶段性作品的分析尤其精彩，它不仅仅是分析结构，更是深入探讨了作者想通过这些“非音乐”的元素（如随机性、空间布局）来表达对技术发展、社会异化以及传统美学终结的看法。阅读这本书的过程，与其说是享受，不如说是一种智力上的挑战，它迫使你重新定义“音乐是什么”。虽然读起来并不轻松，需要时不时地停下来查阅一些背景资料，但那种思想碰撞的火花是无与伦比的。这本书绝对是献给那些对音乐的边界、对艺术的本质有终极探究精神的听众和研究者。

评分☆☆☆☆☆

我近期接触了一本关于民族音乐学田野调查方法的教材，它彻底颠覆了我过去对“记录音乐”这件事的认知。这本书的重点不在于讲解具体某个地区的音乐特色，而在于“如何科学、尊重且有效地去采集和理解陌生的音乐文化”。它详细阐述了从前期准备、建立当地社区信任，到实际录音技术的使用，乃至后期数据的整理和跨文化解读的完整流程。书中列举了大量的案例，比如在南美雨林中如何克服环境噪音进行高质量录音，或者在一些宗教仪式中如何处理伦理边界问题，这些实践经验非常宝贵。作者强调了“倾听的伦理”：即我们不能带着西方中心主义的视角去武断评判另一种音乐体系的价值或“完整性”。这本书的结构清晰，逻辑严谨，对于任何想从事或正在从事民族音乐学、人类学研究的学生来说，它简直就是一本操作手册。它教会我的最重要的一课是：音乐的真正生命力，往往存在于那些未经“正规”记录、流传于社区生活之中的“活态”之中，而非被锁在博物馆里的样本里。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我最近读了一本关于古典音乐发展史的书，简直是打开了我对那个时代音乐家们生活和创作环境的新认识！这本书并非那种枯燥的教科书式叙述，它像是带你穿越回莫扎特、贝多芬他们生活的维也纳街头。作者非常擅长将历史背景、当时的社会风气与音乐作品的诞生紧密结合起来。比如，书中详细描述了海顿是如何在艾斯特哈齐家族的赞助下，将四重奏这种形式推向成熟，那种在贵族体制下，既有稳定支持又时常感到束缚的矛盾心理，被描绘得淋漓尽致。更让我震撼的是，它对“天才”这个概念进行了深入的探讨，指出许多我们现在视为天成之作的旋律，背后是无数次修改、与同行激烈的争论，甚至是经济上的窘迫。阅读过程中，我仿佛能听到那些尘封已久的乐章在耳边重新响起，不再是冰冷的音符，而是充满了人性的挣扎与光芒。这本书的排版也很用心，穿插了一些当时音乐会的宣传单复印件和乐谱的局部特写，让阅读体验更加立体和沉浸。对于任何一个想了解古典音乐是如何从宫廷走向大众视野的深度爱好者来说，这本书绝对是不可多得的珍宝，它让历史的厚重感与音乐的灵动性完美地融合在了一起，读完后，我对很多耳熟能详的曲子都有了全新的理解和更深层次的共鸣。