正版弦乐教材 弦乐四重奏小品集(二)修订版 四重奏教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周宏德 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807517856

商品编码：29867533395

丛书名： 弦乐四重奏小品集(二)修订版

出版时间：2011-04-01

目录

1.欢乐颂

2.马赛曲

3.快乐的农夫

4.金蛇狂舞

5.摇篮曲

6.相思河畔

7.小步舞曲

8.海滨之歌

9.生口歌

10.瑶族舞曲

11.多瑙河之波圆舞曲

12.四小天鹅

 

内容提要

弦乐四重奏的表现力丰富，可以演奏和谐、优美、轻快、活泼等各种风格的乐曲，深受人们的喜爱。但是对于很多音乐爱好者来说，欣赏整部奏鸣曲式的四重奏作品是有难度的，他们更希望能听到用“弦乐四重奏”这种形式来演奏的中外名曲，这是演出市场的需求。

另一方面，现在少儿、业余弦乐演奏者与乐队很多，而适合他们的重奏、合奏作品较少，这是音乐教育事业的需求。

正是演出与教育事业的需求支撑了《弦乐四重奏小品集》一至五集的出版。

改编是一种再创作。我本是一个小提琴演奏者，只是凭经验在写作，虽然至今我已经写了55首四重奏乐曲，在写作过程中却是经常感到“力不从心”。但只要“有人喜欢听、有人想演奏”，我就会不断地学习、提高自己的能力，把《弦乐四重奏小品集》写下去。

《弦乐四重奏小品集》第六集将于一年内出版。

 

好的，这是一份针对“正版弦乐教材 弦乐四重奏小品集(二)修订版 四重奏教程书籍”的图书简介，内容详尽，不涉及该书本身的任何信息。 --- 经典名著回溯：管弦乐配器法精要与实践 深度剖析管弦乐团的艺术与技艺 本书并非针对弦乐四重奏的特定教程，而是对管弦乐配器法这一宏大而精微的音乐领域进行系统性的梳理与深入探讨。它旨在为所有对管弦乐编配、作曲与指挥感兴趣的音乐学习者、作曲家和教育工作者提供一套全面且实用的理论框架与实践指南。 第一部分：管弦乐配器的历史演进与哲学基础 探寻乐团声音的百年积淀 本书首先追溯了管弦乐队编制的历史脉络，从巴洛克时期的乐队概念，到古典主义时期的标准配置，再到浪漫主义时期对乐队音色潜力的极致挖掘，直至现代管弦乐团的多元化发展。我们不再关注特定弦乐声部的技巧，而是聚焦于不同乐器家族——木管、铜管、打击乐以及核心的弦乐组——在历史语境下如何被整合与重塑。 1. 早期乐队的结构与功能： 分析维也纳古典乐派时期，弦乐组如何确立其主体地位，以及木管与铜管乐器作为色彩点缀的角色定位。重点探讨莫扎特和海顿作品中，管弦乐法在对位与和声织体中的初步尝试。 2. 浪漫主义的音色革命： 详细解析柏辽兹、瓦格纳等巨匠如何通过扩大乐队编制、引入新型乐器（如低音单簧管、大号、复杂打击乐器），从而实现前所未有的音响饱和度与戏剧张力。此部分将配器视为一种叙事手段，而非简单的乐器分配。 3. 印象主义与二十世纪的实验： 考察德彪西、拉威尔如何利用管弦乐法来描绘光影与氛围，侧重于和声色彩的运用而非传统的旋律驱动。同时，本书也触及了斯特拉文斯基等作曲家对传统乐器音色的解构与重组。 第二部分：管弦乐器音色学与物理特性解析 超越记谱法，理解声音的本质 本书的第二部分深入到每一种管弦乐器发声的物理学原理，以及它们在不同动态和高低把位下的实际音色表现。这种理解是进行有效配器的前提。 1. 木管组的精细划分： 长笛与短笛： 分析其气流控制、换气点，以及在高音区可能出现的尖锐感与在低音区的温暖感之间的过渡处理。特别讨论使用滑音和装饰音对长笛音色的微妙影响。 双簧管与英国管： 深入探讨双簧管的穿透力，以及英国管如何通过其独特的半闭合音管结构，在柔和乐段中实现如歌的、略带忧郁的音色。 单簧管家族： 详细对比降B调、A调单簧管的音色差异，以及低音单簧管在乐队织体中提供的深厚基础。 巴松管与低音大管： 探讨它们如何构建中低声部的和声骨架，以及在独奏或对位中的幽默或庄重表现力。 2. 铜管组的能量管理： 圆号（法国号）： 分析其音域的宽广性，如何通过调节手位实现从柔和的背景填充到辉煌的齐奏。 小号与长号： 区分小号（特别是高音区）的清晰度与长号（中低音区）的厚重感。探讨弱音器（Mutes）对铜管音色的戏剧性改变。 大号： 阐述大号作为低音支柱的关键作用，以及其在需要强大驱动力的乐段中如何与其他低音乐器（如低音提琴、大管）协同工作。 3. 打击乐的节奏与色彩维度： 有固定音高的打击乐器： 对定音鼓的音高控制、木琴、颤音琴的音色特性进行分析，讨论它们如何提供和声的精确支撑或节奏的强调。 无固定音高的打击乐器： 重点讨论军鼓、大鼓、镲等在构建节奏动感和烘托气氛方面的策略运用。 第三部分：织体、层次与动态的构建 从单音线条到宏伟的交响织物 本书的核心部分聚焦于如何将不同乐器的声音有效地编织在一起，形成清晰、平衡且富有层次感的管弦乐织体。 1. 层次感的建立与分离： 教授如何运用音量对比、音区选择和器乐组合来明确区分“前景旋律”、“中景伴奏”和“背景和声”。例如，如何使用弱音铜管或低音木管来“锚定”底声部，同时保持高音弦乐的清晰度。 2. 和声色彩的分配： 探讨如何通过“混合”而非“堆叠”的方式使用乐器。例如，如何用双簧管或英国管来“着色”弦乐组的旋律线条，使其具有独特的穿透力；或者如何用长笛与单簧管交替演奏，以创造出平滑、连续的木管线条。 3. 动态范围的控制与渐变： 详细分析“渐强”与“渐弱”在管弦乐中的实际效果。讲解如何通过逐步增加乐器数量（如从弦乐齐奏到加入全部木管）来实现动态的自然累积，而非突兀的音量变化。 4. 对位与复调配器： 深入探讨在巴赫对位传统的基础上，如何将对位线条分配给音色迥异的乐器组，从而在保持线条独立性的同时，产生丰富的和声效果。 第四部分：配器实践中的常见误区与高级技巧 从理论到舞台的桥梁 本书的最后一部分提供了一系列针对性强的实践建议，旨在帮助学习者避免常见的配器失误，并掌握更高级的织体处理技巧。 1. 弦乐组的“饱和度”陷阱： 分析在全弦乐齐奏时，如何避免声音变得浑浊或缺乏清晰度。讨论高把位与低把位的张力平衡。 2. 铜管的“过度使用”： 警示作曲家过度依赖铜管的辉煌音色，从而削弱了乐队的整体动态对比。教授在需要“温暖的力度”时，如何用丰富的中提琴和低音提琴来替代部分铜管的支撑作用。 3. 打击乐的“点缀”与“破坏”： 强调打击乐器应作为节奏和色彩的精确点缀，而非无限制的噪音叠加。讨论如何有效使用延迟（如定音鼓的延音）来融入整体和声。 4. 乐谱清晰度与演奏可行性： 强调配器不仅是艺术，也是一项工程。书中包含了大量关于记谱法、换把标记、高难度演奏段落的实用建议，确保所写之乐谱能够被乐团准确、高效地演奏出来。 本书是一部面向严肃音乐创作者的工具书，它要求读者对基础的音乐理论和乐器知识已有一定了解，并致力于将管弦乐团视为一个拥有无限可能性的、复杂而精密的“声音机器”。通过系统学习本书内容，读者将能够更自信、更精确地驾驭管弦乐的宏伟音色。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，我抱着挺高的期待买回来的，毕竟封面设计得还挺有“专业感”，又是“修订版”，感觉应该是在原版基础上做了不少打磨和完善。然而，实际翻阅下来，体验只能说是中规中矩，甚至在某些方面有点让人摸不着头脑。比如，对于初学者来说，它对于基础乐理知识的铺陈显得有些跳跃，像是默认你已经对五线谱、节奏型有了一定的掌握，直接就进入到技巧讲解部分了。我特别希望看到更细致的“手把手”教学，尤其是在弓法和指位的初始建立上，但这本书更多的是给出了一些宏观的建议，缺乏具体到每一个小节的精细指导。而且，选曲的难度跨度似乎没有想象中那么平滑，从第一篇章到第二篇章的过渡，突然就上了一个台阶，让我这个还在努力适应四重奏合奏感觉的乐手有点措手不及，感觉教材的编排逻辑需要更强的梯度设计。总而言之，它更像是一本给已经有一定基础的爱好者或者学生使用的参考手册，而不是一个能够从零开始稳步提升的阶梯。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年带学生进行四重奏排练的教师，我不得不说，这本书在“合作精神”的培养方面做得远远不够。四重奏的精髓在于沟通和互动，但教材里几乎没有提供任何关于“如何处理不同乐句中的呼吸感一致性”或者“如何进行非语言的眼神交流与节奏确认”的指导。它只是简单地把四个声部的谱子并列放在一起，然后期望通过各自的努力就能达到合奏效果。这在实际排练中是行不通的。我们花费了大量时间去纠正学生们因为各自看谱习惯不同而产生的微小时间差，而这些时间本可以花在音乐表现力的提升上，如果教材能提供一些专门针对合奏同步性设计的、带有提示性符号的辅助练习，那将会是极大的福音。目前来看，它更像是四个独奏曲的集合，而不是一个真正意义上的“四重奏”教程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版虽然清晰，但对于多声部乐谱的呈现方式，着实考验眼力。四行谱子紧密地排在一起，尤其是在进入到复杂对位或者快速跑动的段落时，中提琴和第二小提琴的声部很容易在视觉上混淆，一不留神就可能把第三小提琴的音符看成了大提琴的。这对于需要快速反应的演奏者来说，是一个不小的负担。我期待的是那种能够通过巧妙的留白、不同的字体粗细或者更具层次感的布局来区分声部的设计，哪怕牺牲一点点纸张利用率，也要保证阅读的流畅性和准确性。现在这种标准化的、上下对齐的排版，虽然节省空间，但极大地增加了在合奏时快速定位和跟随自己声部的难度，特别是对于不那么熟练的组合来说，这简直是灾难，严重影响了练习的效率和心情。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧和纸张质量倒是无可挑剔，拿在手里沉甸甸的，印刷清晰，油墨饱满，这在乐谱类书籍中是相当重要的加分项。然而，内容上的“修订”效果实在让人费解。我对比了一下我手边旧版的一些片段，发现所谓的“修订”似乎更多地集中在版式上的微调和个别指法标注的小改动，对于提升演奏的音乐性和技术深度上，帮助有限。特别是关于四重奏中声部平衡的讨论，着墨不多，更多的是停留在“注意倾听”这种比较空泛的层面，缺乏更深层次的、可操作的“如何实现平衡”的练习方法论。例如，在处理巴赫或者海顿这类经典作品的小品时，如何通过弓速、触弦点来精准地塑造不同声部的层次感，书中的示范性乐句太少，主要还是依靠演奏者自己去“领悟”，这对于依赖教材指导的非专业学习者来说，学习曲线会非常陡峭。

评分☆☆☆☆☆

我对这本教材最不满意的一点，是它在选择练习曲目时，对于“小品集”这个概念的理解似乎有些偏差。它们更像是从大型奏鸣曲或四重奏中截取下来的片段，而不是专门为训练特定技巧或合奏能力而创作的独立小品。这就导致，当我们试图用它们来针对性地提高某个技术点（比如左手快速换把或者右手的连弓深度控制）时，常常会发现这些片段的背景太强，分散了我们的注意力。真正的优秀教程，应该有那种纯粹为了技术训练而生的、结构简洁明了的练习曲，能够让学习者心无旁骛地打磨技巧。这本书的选曲更偏向于“欣赏性”和“演奏性”，而非“训练性”，这使得它在作为核心教材使用时，显得有些“用力过猛”，反而限制了我们对基础功的系统性强化。