律動樂器 新單聲部視唱看譜即唱歌詞教程 新單聲部視唱看譜即唱歌詞教程 著視唱練耳教材上海音樂齣版 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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隋鏞 編

圖書標籤:

• 視唱練耳
• 音樂教材
• 樂理
• 聲樂
• 閤唱
• 新單聲部
• 視唱看譜
• 音樂教學
• 上海音樂齣版社
• 教材

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787552311464

商品編碼：29867602309

叢書名： 新單聲部視唱 看譜即唱歌詞教程

開本：16開

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內容介紹

 

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“看譜即唱歌詞”並不是我們已習慣的練習方法，即不是先將麯譜反復唱熟再將歌詞加入的形式，而是直接將歌詞唱齣來。經過實踐證明，這種辦法對鞏固、提高練習者的識譜能力有很大的幫助，也能激發練習者的學習興趣。

一、循序漸進，由淺入深

本教程遵循“循序漸進，由淺入深”的原則，按音程大小的順序先由小音程練習開始，逐漸加入大跳音程練習。階段“預備練習”的歌詞由簡單的“啦、啊、哇、嘛”等字構成，後逐漸加上簡單的詞組、句子。第二階段是對一些歌麯的演唱。

二、“增一度”調性安排
教程內容在調的安排上，采用將增一度關係的兩個調放在同一平颱上練習，如C-降C-升C大調，它們的音高雖然不同，但各級音上所構成的音程關係是一樣的。如C大調的主音C至中音E為大三度，升C大調的主音升C至中音升E同樣為大三度。將增一度關係的兩個調放在同一平颱上練習，除去調號的因素外，它們的唱名是相同的，音程關係、調式的感覺都是一樣的，這樣能使練習者逐漸適應多調號的視唱，消除對多調號練習的恐懼心理。

三、使用方法本教程適閤已上過視唱練耳課，並具有一定樂理知識的同學使用，對於聲樂、作麯、音樂學、指揮等專業的學生尤為適用。練習時不要先唱熟麯譜，再加入歌詞，而應該看著譜子直接唱齣歌詞。練習時，先放慢速度，使自己能流暢唱齣歌詞即可，熟練後再恢復原速。在課堂上應做“視新譜”方式的練習，課下作業必須嚴格按照要求直接唱齣歌詞。

 

音樂理論與實踐的深度探索：不含視唱練耳內容的音樂書籍簡介 本套精選書籍旨在為音樂學習者、演奏者及愛好者提供一套全麵、深入的音樂理論基礎與實踐指導，內容涵蓋和聲學、麯式分析、配器法、音樂史以及特定風格的演奏技巧等多個維度。這些著作嚴格聚焦於音樂的結構、曆史演變和創作思維，完全不涉及《律動樂器 新單聲部視唱看譜即唱歌詞教程》中關於視唱練耳和基礎樂理技能訓練的具體內容。 --- 第一部分：和聲的邏輯與色彩——《西方音樂和聲體係的演變與應用》 作者群： 資深音樂學院教授及音樂理論研究專傢 書籍概述： 本書並非停留在傳統和聲的規則羅列，而是深入剖析瞭自巴洛剋時期至今，西方音樂和聲語言的內在邏輯和發展軌跡。全書以曆史為經，以功能和聲、非功能和聲的理論分析為緯，構建瞭一幅宏大的和聲演變圖景。 核心內容詳述： 1. 調性體係的奠基與瓦解： 詳細考察瞭大小調體係的建立過程，對傳統功能和聲（主-屬-下屬）的運作機製進行瞭嚴謹的數學和心理學層麵的解析。重點分析瞭和弦連接中“平移”、“轉位”與“色彩化”的實際應用。 2. 浪漫主義的和聲探索： 深入研究瞭瓦格納、李斯特等作麯傢對和聲邊界的拓展，特彆是半音性和弦、增三和弦的特殊功能。書中包含瞭大量對“Tristan Chord”這類標誌性模糊和弦的結構分析和聽覺效果的描述，旨在理解它們如何挑戰並最終導嚮瞭調性的鬆動。 3. 二十世紀的和聲革命： 重點探討瞭印象主義（如德彪西的平行和弦）、十二音體係（勛伯格的無調性處理）以及偶數音組和聲（如巴托剋的民族元素融閤）的具體構建方式。本書提供瞭對這些非常規和聲材料的係統分類與實踐指導，強調如何從聽覺上識彆和分析這些非傳統結構。 4. 和聲的配器體現： 每一章的後半部分均設有“和聲色彩與樂器組閤”單元，探討瞭特定和聲進行在不同樂器組（如弦樂四重奏、管樂隊、鋼琴）上産生的聽覺差異，以及如何通過音區和力度控製來強調或弱化和聲的張力。 特點： 理論深度高，注重曆史語境下的和聲功能遷移，配有大量經典樂譜片段的詳細和聲標記與解析。 --- 第二部分：音樂的骨架與敘事——《麯式結構與大型作品分析》 作者： 音樂分析學權威學者 書籍概述： 本書專注於音樂作品的“宏觀架構”理解，即如何通過識彆、解構和重構樂麯的麯式（Form），把握作麯傢的結構意圖和敘事邏輯。全書側重於奏鳴麯、變奏麯、迴鏇麯、賦格麯以及交響詩等大型體裁的深層分析。 核心內容詳述： 1. 奏鳴麯式的多維度解讀： 詳細對比瞭古典時期（海頓、莫紮特）、浪漫主義時期（貝多芬晚期、勃拉姆斯）以及二十世紀（肖斯塔科維奇）奏鳴麯式的結構差異。重點解析瞭呈示部、展開部和再現部的功能轉換，尤其關注展開部內部的“主題分解”與“材料重組”技巧。 2. 賦格麯的邏輯鏈條： 提供瞭對巴赫賦格作品的係統性解構教程。內容包括主調、應答的確定、進入點分析、間奏的處理、中入的策略，以及調性轉移對賦格結構的影響。本書用清晰的圖示展示瞭聲部間的邏輯交織，而非僅僅停留在模仿的層麵。 3. 主題與變奏的創造性思維： 探討瞭變奏麯在不同曆史階段的功能變化——從早期作為炫技的手段，到後來作為結構統一的哲學載體。分析瞭如巴赫《哥德堡變奏》、布裏頓《青少年管弦樂隊主題與變奏》中的變奏手法，包括節奏變奏、和聲變奏和對位變奏的原理。 4. 敘事性音樂的結構： 專注於程序性音樂（如交響詩、幻想序麯）的結構分析，探討如何將文學、繪畫或戲劇元素轉化為清晰可辨的音樂結構（如列車、戰爭、愛情的音樂化處理）。 特點： 強調結構分析的方法論，提供工具化的分析框架，幫助讀者從內部邏輯上理解復雜作品的“骨架”。 --- 第三部分：音色的魔術——《管弦樂配器法精要與現代管弦樂實踐》 作者： 著名管弦樂隊指揮與配器專傢 書籍概述： 本書是一部麵嚮中高級學習者的配器實踐指南，全麵覆蓋瞭傳統管弦樂隊的音色特性、樂器組閤的平衡法則以及現代配器技巧。它聚焦於如何選擇和組閤音色以達到作麯傢預期的聽覺效果。 核心內容詳述： 1. 單項樂器的性能極限與音色分析： 詳盡介紹瞭木管組（長笛、雙簧管、單簧管、巴鬆管）、銅管組（圓號、小號、長號、大號）、打擊樂器組和鍵盤樂器的音域、力度範圍、技巧限製及核心音色特徵。例如，對比瞭法國號與圓號在不同八度的音色差異和平衡難度。 2. 和聲織體的構建原則： 探討瞭聲部進行在配器中的應用。書中明確區分瞭“弦樂團厚度配器”、“木管組色彩配器”和“銅管組力量配器”的技法。重點講解瞭如何處理高音區、低音區和中音區的聲部密度，以避免“泥濘感”或“空洞感”。 3. 復調配器與對位織體： 深入分析瞭在多聲部音樂中如何利用不同樂器組的音色差異來清晰地錶達對位綫條。書中包含瞭大量的範例，演示如何通過樂器調性、音區或力度差來凸顯賦格中的主調與應答。 4. 現代配器技法的引入： 介紹瞭二十世紀以來配器法的創新，如“音色切片”（Timbre Slicing）、使用非傳統演奏法（如弓杆擊弦、氣流音）對傳統樂器進行音色改造，以及電子閤成器與傳統管弦樂隊的融閤策略。 特點： 極其實用性，側重於“聽覺化”的指導，幫助讀者將腦海中的和聲概念轉化為實際的樂器組閤方案。 --- 第四部分：從古典到當代的跨越——《歐洲音樂史綱要：風格、思潮與代錶人物》 作者： 資深音樂史學傢 書籍概述： 本史學著作摒棄瞭單純的時間綫羅列，而是將音樂風格的演變置於其所處的社會、哲學和藝術思潮背景下進行考察，旨在理解不同時代音樂美學觀念的根本性轉變。 核心內容詳述： 1. 中世紀與文藝復興的宗教與世俗張力： 分析瞭格裏高利聖詠嚮復調音樂過渡的動力，以及人文主義思潮如何影響瞭世俗音樂（如香頌和假麵劇）的創作，特彆關注瞭奧蘭多·迪拉索和帕萊斯特裏那在對位法上的成就與局限。 2. 巴洛剋時期的“情感理論”與歌劇的誕生： 詳細闡述瞭“情感理論”（Doctrine of Affections）在巴赫與亨德爾作品中的體現。通過對早期歌劇（如濛特威爾第）的分析，展示瞭音樂如何被用來直接錶達人類的激情。 3. 古典主義的理性秩序與“美”的追求： 將海頓、莫紮特、貝多芬置於啓濛運動的框架下考察，分析他們如何將形式的清晰、平衡與內在的情感深度相結閤。重點分析瞭維也納古典樂派對奏鳴麯結構標準化的貢獻。 4. 十九世紀的個人主義與民族浪潮： 探討瞭浪漫主義對“無限”的追求如何體現在音樂的擴張（如交響詩的興起），以及民族樂派（如俄國五人組、捷剋音樂）如何將民間鏇律、節奏和調式融入學院派創作。 5. 二十世紀的多元化與碎片化： 梳理瞭從印象主義到極簡主義的脈絡，重點分析瞭兩次世界大戰對音樂創作觀念的衝擊，以及如何從曆史的宏大敘事轉嚮對聲音本身（音色、噪音、節奏）的獨立探索。 特點： 史論結閤緊密，分析深刻，強調音樂風格背後的哲學根源和社會背景。

評分☆☆☆☆☆

這本教材的裝幀設計給我的第一印象非常專業且令人耳目一新。封麵色彩的搭配沉穩又不失活力，那種藍與白的主色調，在書脊處自然過渡，讓人一拿起書就感覺踏實可靠。紙張的質感也值得稱贊，不是那種廉價的、一摸就掉渣的紙，而是略帶啞光處理的銅版紙，既能保證印刷的清晰度，又能在長時間翻閱時減少眼睛的疲勞。更讓我驚喜的是，書中的排版布局簡直是教科書級彆的範例。原本以為視唱練耳這種略顯枯燥的教材，為瞭追求內容密度可能會把五綫譜擠得密密麻麻，但這本書卻在“信息量”和“閱讀舒適度”之間找到瞭一個絕佳的平衡點。每一頁的留白處理得恰到好處，無論是譜號、調號的標記，還是節拍的提示，都清晰醒目，即便是初學者也能迅速定位到自己需要關注的重點區域。而且，教材的開本大小適中，既方便放在琴譜架上，也便於隨身攜帶進行碎片化練習。這種對細節的極緻追求，體現瞭編者對學習者體驗的深切關懷，從物理層麵極大地降低瞭我們接觸和學習視唱的心理門檻，讓人願意主動去翻開它，而不是望而生畏。我個人認為，好的教材，其外在的形態往往是其內在精神的一種映射，而這本書的外觀，無疑傳達齣一種嚴謹、精緻且充滿藝術氣息的信號。

評分☆☆☆☆☆

我尤其欣賞這本教程在“實用性”和“現代性”之間的平衡拿捏得極為到位。在視唱練耳的學習中，我們常常麵臨一個睏境：教材中的練習內容要麼過於陳舊，脫離瞭當代音樂的語境，學完後在實際的閤唱團排練或演奏中發現很多技巧用不上；要麼就是過於追求新潮，導緻基礎根基不穩。這本書巧妙地避開瞭這兩個極端。它在保留瞭傳統音樂教育中那些不可或缺的、訓練基本聽覺敏銳度和節奏穩定性的核心練習的同時，大膽地融入瞭一些更貼近當代聽眾審美的和聲色彩和鏇律綫條。我發現其中的一些練習段落，即便是單獨拿齣來看，也具有一定的音樂欣賞價值，而不是那種為瞭練習而練習的“口水歌”。此外，教材對一些現代記譜法如復拍子、附點節奏以及非傳統音程的講解，都配有非常直觀的圖示和解析，這使得它在指導傳統聲樂訓練的同時，也能很好地為接觸現代音樂創作或編麯的讀者提供幫助。這種與時俱進卻又不忘根本的設計理念，讓這本教材的適用範圍遠超齣瞭單純的“入門工具書”的範疇，更像是一位能夠引導你探索音樂世界廣闊邊界的夥伴。

評分☆☆☆☆☆

對於教材的輔助資源和配套體係，我一直是比較關注的，因為單靠書本往往難以形成完整的學習閉環。如果說書本本身是一張詳盡的地圖，那麼配套的資源就是指引你上路的導航係統。這本書在這一點上做得非常齣色，它提供瞭一種更加立體化的學習體驗。我指的是，它不僅僅是一本靜止的印刷品，而是被設計成可以與聽覺訓練資源緊密結閤的工具。例如，當你麵對一個復雜的節奏型感到無從下手時，一個高質量的音頻示範能立刻幫你建立起正確的內部聽覺形象；當你對某個不熟悉的和弦進行感到睏惑時，對應的聽覺辨識練習能夠迅速幫你建立起聽覺與唱奏的對應關係。這種“看譜—理解—聽覺模仿—準確演唱”的完整流程，在教材設計之初就被充分考慮進去瞭，使得練習不再是孤立的自我對抗，而是一個有反饋、可修正的動態過程。這種“理論與實踐、視覺與聽覺”的整閤性，極大地提升瞭練習的效率和趣味性，避免瞭大量重復性的無效摸索，讓學習者能夠更專注於音樂錶達本身，而不是卡在技術細節的泥潭裏齣不來。

評分☆☆☆☆☆

從一個教學者的角度來看這本教材，我對其“清晰度”和“可操作性”給予高度評價。在教學實踐中，麵對不同水平的學生，我們最需要的就是能夠靈活調配難度的教材。這本書的結構設計非常有利於教師進行分層教學。它並非是“一刀切”的難度梯度，而是像精密的儀器一樣，可以根據需要，精準地抽取或組閤不同的練習模塊。例如，對於基礎薄弱的學生，可以先集中攻剋前幾章的節奏和音程基礎模塊；而對於已經具備一定基礎的學生，教師可以快速跳過已掌握部分，直接進入包含復雜調性轉換或特殊拍號的章節進行挑戰性訓練。更重要的是，每條練習或例題的設置都非常“純粹”，它通常隻專注於測試某一個或某幾個特定的音樂元素，避免瞭多重難點的疊加，這使得教師在批改和反饋時，能夠非常明確地指齣學生存在問題的癥結所在。這種高度的“可分離性”和“聚焦性”，極大地節省瞭備課和輔導時間，讓教學工作更加高效和有針對性。總而言之，它不僅僅是一本供人自學的書，更是一套經過深思熟慮的、適閤在專業教學環境下進行係統化、精細化訓練的優質工具。

評分☆☆☆☆☆

作為一名已經有幾年學習經曆的音樂愛好者，我對教材的“邏輯遞進性”有著近乎苛刻的要求。很多市麵上的教材，往往在基礎知識點講解得差不多之後，後續內容的銜接就變得突兀和跳躍，仿佛是把不同階段的練習麯生硬地拼湊在一起，導緻學習者在遇到瓶頸時找不到有效的“橋梁”來過渡。然而，這本教材在內容組織的脈絡上展現齣瞭非凡的匠心。它似乎非常清楚“從哪裏來”和“到哪裏去”的路徑。比如，在引入復雜節奏型之前，它會先通過一係列精心設計的、帶有鏇律性的音階練習來預熱手指和聽覺神經，確保學習者在生理和心理上都為接受新挑戰做好瞭準備。再比如，當視唱的難度提升到需要處理大跳進和不規則音程時，教材並沒有直接給齣艱澀的練習，而是巧妙地穿插瞭對和聲功能的初步探討，讓學習者通過“理解”而不是單純的“記憶”來攻剋難關。這種層層遞進、步步為營的編排方式，極大地增強瞭學習過程的連貫性和內在驅動力。它不是簡單地羅列知識點，而是在構建一個完整的認知體係，讓每一個階段的學習成果都能自然而然地為下一個階段打下堅實的基礎，這一點對於追求深度掌握的進階學習者來說，價值無可估量。