律动乐器 新单声部视唱看谱即唱歌词教程 新单声部视唱看谱即唱歌词教程 著视唱练耳教材上海音乐出版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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隋镛 编

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• 上海音乐出版社
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311464

商品编码：29867602309

丛书名： 新单声部视唱 看谱即唱歌词教程

开本：16开

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内容介绍

 

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“看谱即唱歌词”并不是我们已习惯的练习方法，即不是先将曲谱反复唱熟再将歌词加入的形式，而是直接将歌词唱出来。经过实践证明，这种办法对巩固、提高练习者的识谱能力有很大的帮助，也能激发练习者的学习兴趣。

一、循序渐进，由浅入深

本教程遵循“循序渐进，由浅入深”的原则，按音程大小的顺序先由小音程练习开始，逐渐加入大跳音程练习。阶段“预备练习”的歌词由简单的“啦、啊、哇、嘛”等字构成，后逐渐加上简单的词组、句子。第二阶段是对一些歌曲的演唱。

二、“增一度”调性安排
教程内容在调的安排上，采用将增一度关系的两个调放在同一平台上练习，如C-降C-升C大调，它们的音高虽然不同，但各级音上所构成的音程关系是一样的。如C大调的主音C至中音E为大三度，升C大调的主音升C至中音升E同样为大三度。将增一度关系的两个调放在同一平台上练习，除去调号的因素外，它们的唱名是相同的，音程关系、调式的感觉都是一样的，这样能使练习者逐渐适应多调号的视唱，消除对多调号练习的恐惧心理。

三、使用方法本教程适合已上过视唱练耳课，并具有一定乐理知识的同学使用，对于声乐、作曲、音乐学、指挥等专业的学生尤为适用。练习时不要先唱熟曲谱，再加入歌词，而应该看着谱子直接唱出歌词。练习时，先放慢速度，使自己能流畅唱出歌词即可，熟练后再恢复原速。在课堂上应做“视新谱”方式的练习，课下作业必须严格按照要求直接唱出歌词。

 

音乐理论与实践的深度探索：不含视唱练耳内容的音乐书籍简介 本套精选书籍旨在为音乐学习者、演奏者及爱好者提供一套全面、深入的音乐理论基础与实践指导，内容涵盖和声学、曲式分析、配器法、音乐史以及特定风格的演奏技巧等多个维度。这些著作严格聚焦于音乐的结构、历史演变和创作思维，完全不涉及《律动乐器 新单声部视唱看谱即唱歌词教程》中关于视唱练耳和基础乐理技能训练的具体内容。 --- 第一部分：和声的逻辑与色彩——《西方音乐和声体系的演变与应用》 作者群： 资深音乐学院教授及音乐理论研究专家 书籍概述： 本书并非停留在传统和声的规则罗列，而是深入剖析了自巴洛克时期至今，西方音乐和声语言的内在逻辑和发展轨迹。全书以历史为经，以功能和声、非功能和声的理论分析为纬，构建了一幅宏大的和声演变图景。 核心内容详述： 1. 调性体系的奠基与瓦解： 详细考察了大小调体系的建立过程，对传统功能和声（主-属-下属）的运作机制进行了严谨的数学和心理学层面的解析。重点分析了和弦连接中“平移”、“转位”与“色彩化”的实际应用。 2. 浪漫主义的和声探索： 深入研究了瓦格纳、李斯特等作曲家对和声边界的拓展，特别是半音性和弦、增三和弦的特殊功能。书中包含了大量对“Tristan Chord”这类标志性模糊和弦的结构分析和听觉效果的描述，旨在理解它们如何挑战并最终导向了调性的松动。 3. 二十世纪的和声革命： 重点探讨了印象主义（如德彪西的平行和弦）、十二音体系（勋伯格的无调性处理）以及偶数音组和声（如巴托克的民族元素融合）的具体构建方式。本书提供了对这些非常规和声材料的系统分类与实践指导，强调如何从听觉上识别和分析这些非传统结构。 4. 和声的配器体现： 每一章的后半部分均设有“和声色彩与乐器组合”单元，探讨了特定和声进行在不同乐器组（如弦乐四重奏、管乐队、钢琴）上产生的听觉差异，以及如何通过音区和力度控制来强调或弱化和声的张力。 特点： 理论深度高，注重历史语境下的和声功能迁移，配有大量经典乐谱片段的详细和声标记与解析。 --- 第二部分：音乐的骨架与叙事——《曲式结构与大型作品分析》 作者： 音乐分析学权威学者 书籍概述： 本书专注于音乐作品的“宏观架构”理解，即如何通过识别、解构和重构乐曲的曲式（Form），把握作曲家的结构意图和叙事逻辑。全书侧重于奏鸣曲、变奏曲、回旋曲、赋格曲以及交响诗等大型体裁的深层分析。 核心内容详述： 1. 奏鸣曲式的多维度解读： 详细对比了古典时期（海顿、莫扎特）、浪漫主义时期（贝多芬晚期、勃拉姆斯）以及二十世纪（肖斯塔科维奇）奏鸣曲式的结构差异。重点解析了呈示部、展开部和再现部的功能转换，尤其关注展开部内部的“主题分解”与“材料重组”技巧。 2. 赋格曲的逻辑链条： 提供了对巴赫赋格作品的系统性解构教程。内容包括主调、应答的确定、进入点分析、间奏的处理、中入的策略，以及调性转移对赋格结构的影响。本书用清晰的图示展示了声部间的逻辑交织，而非仅仅停留在模仿的层面。 3. 主题与变奏的创造性思维： 探讨了变奏曲在不同历史阶段的功能变化——从早期作为炫技的手段，到后来作为结构统一的哲学载体。分析了如巴赫《哥德堡变奏》、布里顿《青少年管弦乐队主题与变奏》中的变奏手法，包括节奏变奏、和声变奏和对位变奏的原理。 4. 叙事性音乐的结构： 专注于程序性音乐（如交响诗、幻想序曲）的结构分析，探讨如何将文学、绘画或戏剧元素转化为清晰可辨的音乐结构（如列车、战争、爱情的音乐化处理）。 特点： 强调结构分析的方法论，提供工具化的分析框架，帮助读者从内部逻辑上理解复杂作品的“骨架”。 --- 第三部分：音色的魔术——《管弦乐配器法精要与现代管弦乐实践》 作者： 著名管弦乐队指挥与配器专家 书籍概述： 本书是一部面向中高级学习者的配器实践指南，全面覆盖了传统管弦乐队的音色特性、乐器组合的平衡法则以及现代配器技巧。它聚焦于如何选择和组合音色以达到作曲家预期的听觉效果。 核心内容详述： 1. 单项乐器的性能极限与音色分析： 详尽介绍了木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松管）、铜管组（圆号、小号、长号、大号）、打击乐器组和键盘乐器的音域、力度范围、技巧限制及核心音色特征。例如，对比了法国号与圆号在不同八度的音色差异和平衡难度。 2. 和声织体的构建原则： 探讨了声部进行在配器中的应用。书中明确区分了“弦乐团厚度配器”、“木管组色彩配器”和“铜管组力量配器”的技法。重点讲解了如何处理高音区、低音区和中音区的声部密度，以避免“泥泞感”或“空洞感”。 3. 复调配器与对位织体： 深入分析了在多声部音乐中如何利用不同乐器组的音色差异来清晰地表达对位线条。书中包含了大量的范例，演示如何通过乐器调性、音区或力度差来凸显赋格中的主调与应答。 4. 现代配器技法的引入： 介绍了二十世纪以来配器法的创新，如“音色切片”（Timbre Slicing）、使用非传统演奏法（如弓杆击弦、气流音）对传统乐器进行音色改造，以及电子合成器与传统管弦乐队的融合策略。 特点： 极其实用性，侧重于“听觉化”的指导，帮助读者将脑海中的和声概念转化为实际的乐器组合方案。 --- 第四部分：从古典到当代的跨越——《欧洲音乐史纲要：风格、思潮与代表人物》 作者： 资深音乐史学家 书籍概述： 本史学著作摒弃了单纯的时间线罗列，而是将音乐风格的演变置于其所处的社会、哲学和艺术思潮背景下进行考察，旨在理解不同时代音乐美学观念的根本性转变。 核心内容详述： 1. 中世纪与文艺复兴的宗教与世俗张力： 分析了格里高利圣咏向复调音乐过渡的动力，以及人文主义思潮如何影响了世俗音乐（如香颂和假面剧）的创作，特别关注了奥兰多·迪拉索和帕莱斯特里那在对位法上的成就与局限。 2. 巴洛克时期的“情感理论”与歌剧的诞生： 详细阐述了“情感理论”（Doctrine of Affections）在巴赫与亨德尔作品中的体现。通过对早期歌剧（如蒙特威尔第）的分析，展示了音乐如何被用来直接表达人类的激情。 3. 古典主义的理性秩序与“美”的追求： 将海顿、莫扎特、贝多芬置于启蒙运动的框架下考察，分析他们如何将形式的清晰、平衡与内在的情感深度相结合。重点分析了维也纳古典乐派对奏鸣曲结构标准化的贡献。 4. 十九世纪的个人主义与民族浪潮： 探讨了浪漫主义对“无限”的追求如何体现在音乐的扩张（如交响诗的兴起），以及民族乐派（如俄国五人组、捷克音乐）如何将民间旋律、节奏和调式融入学院派创作。 5. 二十世纪的多元化与碎片化： 梳理了从印象主义到极简主义的脉络，重点分析了两次世界大战对音乐创作观念的冲击，以及如何从历史的宏大叙事转向对声音本身（音色、噪音、节奏）的独立探索。 特点： 史论结合紧密，分析深刻，强调音乐风格背后的哲学根源和社会背景。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计给我的第一印象非常专业且令人耳目一新。封面色彩的搭配沉稳又不失活力，那种蓝与白的主色调，在书脊处自然过渡，让人一拿起书就感觉踏实可靠。纸张的质感也值得称赞，不是那种廉价的、一摸就掉渣的纸，而是略带哑光处理的铜版纸，既能保证印刷的清晰度，又能在长时间翻阅时减少眼睛的疲劳。更让我惊喜的是，书中的排版布局简直是教科书级别的范例。原本以为视唱练耳这种略显枯燥的教材，为了追求内容密度可能会把五线谱挤得密密麻麻，但这本书却在“信息量”和“阅读舒适度”之间找到了一个绝佳的平衡点。每一页的留白处理得恰到好处，无论是谱号、调号的标记，还是节拍的提示，都清晰醒目，即便是初学者也能迅速定位到自己需要关注的重点区域。而且，教材的开本大小适中，既方便放在琴谱架上，也便于随身携带进行碎片化练习。这种对细节的极致追求，体现了编者对学习者体验的深切关怀，从物理层面极大地降低了我们接触和学习视唱的心理门槛，让人愿意主动去翻开它，而不是望而生畏。我个人认为，好的教材，其外在的形态往往是其内在精神的一种映射，而这本书的外观，无疑传达出一种严谨、精致且充满艺术气息的信号。

评分☆☆☆☆☆

对于教材的辅助资源和配套体系，我一直是比较关注的，因为单靠书本往往难以形成完整的学习闭环。如果说书本本身是一张详尽的地图，那么配套的资源就是指引你上路的导航系统。这本书在这一点上做得非常出色，它提供了一种更加立体化的学习体验。我指的是，它不仅仅是一本静止的印刷品，而是被设计成可以与听觉训练资源紧密结合的工具。例如，当你面对一个复杂的节奏型感到无从下手时，一个高质量的音频示范能立刻帮你建立起正确的内部听觉形象；当你对某个不熟悉的和弦进行感到困惑时，对应的听觉辨识练习能够迅速帮你建立起听觉与唱奏的对应关系。这种“看谱—理解—听觉模仿—准确演唱”的完整流程，在教材设计之初就被充分考虑进去了，使得练习不再是孤立的自我对抗，而是一个有反馈、可修正的动态过程。这种“理论与实践、视觉与听觉”的整合性，极大地提升了练习的效率和趣味性，避免了大量重复性的无效摸索，让学习者能够更专注于音乐表达本身，而不是卡在技术细节的泥潭里出不来。

评分☆☆☆☆☆

从一个教学者的角度来看这本教材，我对其“清晰度”和“可操作性”给予高度评价。在教学实践中，面对不同水平的学生，我们最需要的就是能够灵活调配难度的教材。这本书的结构设计非常有利于教师进行分层教学。它并非是“一刀切”的难度梯度，而是像精密的仪器一样，可以根据需要，精准地抽取或组合不同的练习模块。例如，对于基础薄弱的学生，可以先集中攻克前几章的节奏和音程基础模块；而对于已经具备一定基础的学生，教师可以快速跳过已掌握部分，直接进入包含复杂调性转换或特殊拍号的章节进行挑战性训练。更重要的是，每条练习或例题的设置都非常“纯粹”，它通常只专注于测试某一个或某几个特定的音乐元素，避免了多重难点的叠加，这使得教师在批改和反馈时，能够非常明确地指出学生存在问题的症结所在。这种高度的“可分离性”和“聚焦性”，极大地节省了备课和辅导时间，让教学工作更加高效和有针对性。总而言之，它不仅仅是一本供人自学的书，更是一套经过深思熟虑的、适合在专业教学环境下进行系统化、精细化训练的优质工具。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经有几年学习经历的音乐爱好者，我对教材的“逻辑递进性”有着近乎苛刻的要求。很多市面上的教材，往往在基础知识点讲解得差不多之后，后续内容的衔接就变得突兀和跳跃，仿佛是把不同阶段的练习曲生硬地拼凑在一起，导致学习者在遇到瓶颈时找不到有效的“桥梁”来过渡。然而，这本教材在内容组织的脉络上展现出了非凡的匠心。它似乎非常清楚“从哪里来”和“到哪里去”的路径。比如，在引入复杂节奏型之前，它会先通过一系列精心设计的、带有旋律性的音阶练习来预热手指和听觉神经，确保学习者在生理和心理上都为接受新挑战做好了准备。再比如，当视唱的难度提升到需要处理大跳进和不规则音程时，教材并没有直接给出艰涩的练习，而是巧妙地穿插了对和声功能的初步探讨，让学习者通过“理解”而不是单纯的“记忆”来攻克难关。这种层层递进、步步为营的编排方式，极大地增强了学习过程的连贯性和内在驱动力。它不是简单地罗列知识点，而是在构建一个完整的认知体系，让每一个阶段的学习成果都能自然而然地为下一个阶段打下坚实的基础，这一点对于追求深度掌握的进阶学习者来说，价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏这本教程在“实用性”和“现代性”之间的平衡拿捏得极为到位。在视唱练耳的学习中，我们常常面临一个困境：教材中的练习内容要么过于陈旧，脱离了当代音乐的语境，学完后在实际的合唱团排练或演奏中发现很多技巧用不上；要么就是过于追求新潮，导致基础根基不稳。这本书巧妙地避开了这两个极端。它在保留了传统音乐教育中那些不可或缺的、训练基本听觉敏锐度和节奏稳定性的核心练习的同时，大胆地融入了一些更贴近当代听众审美的和声色彩和旋律线条。我发现其中的一些练习段落，即便是单独拿出来看，也具有一定的音乐欣赏价值，而不是那种为了练习而练习的“口水歌”。此外，教材对一些现代记谱法如复拍子、附点节奏以及非传统音程的讲解，都配有非常直观的图示和解析，这使得它在指导传统声乐训练的同时，也能很好地为接触现代音乐创作或编曲的读者提供帮助。这种与时俱进却又不忘根本的设计理念，让这本教材的适用范围远超出了单纯的“入门工具书”的范畴，更像是一位能够引导你探索音乐世界广阔边界的伙伴。