高等师范院校教材声乐曲集(修订版)外国作品（六）声乐教材声乐书 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103043998

商品编码：29867626785

丛书名： 声乐曲选集(修订版)

出版时间：2013-01-01

目录

1.我悲伤啊，我痛苦——安东尼达的咏叹调歌剧《伊凡·苏萨宁》选曲
2.苏萨宁的咏叹调歌剧《伊凡·苏萨宁》选曲
3.走过草原，穿过森林——玛克斯的咏叹调耿剧《魔弹射手》选曲
4.遥远的地方——罗恩格林的来历歌剧《罗恩格林》选曲
5.我的天鹅一罗恩格林的告别歌剧《罗恩格林》选曲
6.晚星颂歌剧《汤棄塞》选曲
7.我要生活在美梦中——朱丽叶圆舞曲欹剧《罗密欧与朱丽叶〉选曲
8.林中小鸟——奥林皮亚之歌歌剧《霍夫曼的故事》选曲
9.玛仁卡的咏叹调歌剧《被出卖的新嫁娘》选曲
10.爱的玛仁卡——叶尼克的咏叹调歌剧《被出卖的新嫁娘》选曲
11.侯爵请听一阿德勒笑之歌歌剧《蝙蝠》选曲
12天使般的声音——盲母契耶卡浪漫曲歌剧《乔康达》选曲
13.毁灭吧！——乔康达的咏叹调歌剧《乔康达》选曲
14.连斯基的咏叹调歌剧《叶甫根尼·奥涅金》选曲
15.列夫科之歌歌剧《五月之夜》选曲
……

内容介绍

《声乐曲选集：外国作品6》的选编以一九八一年教育部印发的声乐教学大纲的曲目为基础，补充了一些思想性及艺术性较高，为各院校广泛采用的新曲目。新教材中还纳入了一些浅易的，能为中等学校选用的歌曲，以供学生运用所学知识对作品的演唱进行独立的分析处理，并可供教学实习编写教案之用。

悠远回响：西方声乐艺术的百年流光 一部跨越时空的音乐史诗，一次对人声潜能的深度探索。 本书系为高等师范院校声乐专业师生量身打造的综合性声乐教材，旨在系统梳理西方声乐艺术自巴洛克时期萌芽至二十世纪中叶的演变脉络，并精选一批在声乐发展史上具有里程碑意义的作品。我们摒弃了仅关注曲目罗列的传统模式，转而致力于构建一个兼具理论深度与实践指导意义的知识体系，帮助学习者建立扎实的音乐史观、审美认知以及科学的演唱方法。 本书并非简单地汇编外国声乐作品的选集，而是以宏大的历史视野，将声乐作品的创作置于其所处的时代背景、社会思潮以及音乐流派之中进行剖析。我们深知，一部声乐作品的价值，不仅在于其旋律和和声的构建，更在于它所承载的文化信息、情感深度以及对人声技巧的挑战与拓展。 第一部分：历史的基石——从巴洛克到古典主义的声乐语汇 本部分聚焦于西方声乐艺术的奠基时期。我们首先回溯至十七世纪初期的意大利，详述“新音乐”（Stile Nuovo）的诞生及其对歌剧宣叙调（Recitativo）和咏叹调（Aria）形式的革命性影响。重点分析了蒙特威尔第等早期大师如何通过音乐线条的清晰性与情感的直接表达，打破了文艺复兴时期复调音乐的束缚，开启了人声表现力的全新纪元。 随后，我们将深入巴洛克时期的声乐巅峰——清唱剧（Oratorio）与康塔塔（Cantata）的艺术。教材详细辨析了卡斯特拉托（Castrati）在这一时期演唱技巧的极致发展，并以亨德尔的歌剧及清唱剧为例，解析了炫技性咏叹调（Da Capo Aria）的结构逻辑、装饰音的恰当运用以及气息控制的复杂要求。这部分内容不仅仅是对历史事实的陈述，更辅以大量早期乐谱的片段分析，指导学生理解当时对“美声”（Bel Canto）雏形的追求。 进入十八世纪中叶，古典主义的理性精神渗透了声乐艺术。格鲁克对歌剧改革的探索，强调“为戏剧服务”的原则，对后世声乐线条的流畅性与戏剧张力提出了新的要求。我们详细阐述了这种转型对咏叹调结构的影响，并引入莫扎特歌剧中的角色塑造实例，探讨如何通过音区转换、音色变化来精准描绘人物的内心冲突与性格特质。 第二部分：浪漫的火焰——十九世纪声乐艺术的辉煌与变革 十九世纪是声乐艺术的黄金时代，浪漫主义思潮极大地拓展了作品的情感深度和技巧广度。本部分将浪漫主义声乐的关键词定为“表达”与“抒情”。 首先，艺术歌曲（Lied/Mélodie）作为独立音乐体裁的成熟，是这一时期的重要成就。舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家如何与诗人紧密合作，实现“诗中有乐，乐中有诗”的完美融合，是本章的探讨核心。我们细致分析了钢琴伴奏在艺术歌曲中的地位——它不再仅仅是和声的支撑，而是与人声共同叙事、描绘意境的“第二主角”。教材提供了多角度的分析范例，指导学生如何处理歌词的韵律、重音与情感的起伏，实现人声与钢琴的真正对话。 其次，对意大利美声歌剧（Bel Canto Opera）的系统梳理是不可或缺的。从罗西尼、贝利尼到多尼采蒂，教科书深入剖析了这一流派对音域的拓展、花腔技巧的精进，以及对长线条旋律（Legato）的极致追求。我们强调，真正的美声演唱并非单纯的炫技，而是建立在稳定气息、完美换声点控制以及对歌唱身体的深刻理解之上的艺术。 最后，瓦格纳和威尔第的歌剧革新，标志着声乐艺术进入了新的阶段。瓦格纳的“主导动机”与“无尽旋律”对传统咏叹调形式的颠覆，要求演唱者具备更强的耐力、更宽广的音域控制力以及对德语语言的精妙处理。威尔第则在保持意大利抒情传统的同时，注入了更强烈的戏剧冲突和人物心理刻画。本部分通过对比分析，帮助学生理解不同文化背景下，歌剧对人声要求的异同。 第三部分：二十世纪的探索与多样性——声乐风格的拓展与当代挑战 进入二十世纪，声乐艺术的风格趋向多元化和实验性。本部分关注作曲家们如何应对新的社会现实和音乐语汇，对传统声乐技法进行解构与重塑。 我们探讨了法国印象主义（如德彪西、拉威尔）中，声乐如何趋向色彩化和朦胧感，强调音色而非清晰的线条。接着，我们转向表现主义和新古典主义的声乐作品，分析了施恩贝格等作曲家如何运用十二音体系，以及这给演唱者带来的对音准和发音的全新挑战。教材明确指出，当代声乐的训练，必须在坚守传统美声基础的同时，具备对现代音乐语言的敏感度和驾驭能力。 本教材的特色在于，它将“演唱实践”置于“历史语境”之中。我们提供的不仅仅是作品的曲谱，更是关于“如何以那个时代的审美标准和身体条件去演唱这些作品”的深入思考。每一章末尾都设有“技术与风格解析”板块，将历史理论与具体的演唱技巧训练紧密结合，确保学习者能够将理论知识转化为舞台上鲜活的艺术表现。 本书致力于成为声乐学习者从入门到精通的坚实桥梁，培养出既有深厚人文素养，又具备高超演唱技能的未来声乐教育者和表演艺术家。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是一场灾难，我每次翻阅都感觉像是在进行一场寻宝游戏。字体大小不一，段落间距混乱，尤其是一些重要的术语解释，竟然用了一种非常细小的衬线字体，放在讲究清晰度的音乐教材里，简直是故意的折磨。更别提那些乐谱插图了，很多声部的对位关系在小图上根本看不清楚，我不得不频繁地在电脑和书本之间切换，这极大地分散了我的注意力。我理解学术著作可能不追求华丽的外表，但作为面向师范生的教学用书，清晰易读是最低要求吧？相比之下，我手边那本《XX（另一本我读过的教材）》在视觉呈现上就做得好太多了，每页都让人赏心悦目，学习效率自然也高出不少。这本书在内容质量上也许还算过得去，但这种糟糕的阅读体验，真的让人提不起学习的兴趣，强烈建议出版社重新进行排版设计。

评分☆☆☆☆☆

这本书的曲目选择让我感到非常惊喜，特别是它对一些近现代作品的收录，打破了传统教材中对德奥艺术歌曲的过度依赖。我尤其欣赏其中关于二十世纪中叶实验性声乐作品的介绍部分，虽然难度系数直线上升，但它拓宽了我们对“什么是美声”的认知边界。作者没有回避那些不和谐音程、非常规发声技巧，而是将其置于历史背景下进行解释，引导我们去理解作曲家的意图。这对于培养未来教师的包容性和专业广度是极其重要的。唯一的小小遗憾是，配套的音频资源（如果存在的话）似乎非常难找，或者质量不高，对于初学者而言，光看谱子是很难把握住这些现代作品独特的音色和节奏感的，希望出版社未来能提供更高质量、更全面的数字化辅助材料来配合这些前沿的选曲。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书中关于“演唱心理学”的那几章内容持保留态度。作者试图将一些心理学的理论框架嫁接到声乐训练上，初衷是好的，希望帮助歌者克服舞台恐惧、建立自信。然而，书中的论述显得非常理论化和抽离，缺乏真实案例支撑。比如，它提到了几种非常专业的认知行为疗法（CBT）模型，但没有提供任何声乐演唱者如何将这些技巧融入日常练习或特定场景的实操步骤。读完后，我感到困惑——我究竟应该如何把这些“心理学名词”转化成我每一次发声时的具体感受和行动？这感觉就像是给一个木匠一本高级物理学教材，理论很深奥，但就是找不到合适的工具去钉钉子。相比之下，我以前看的关于舞台表演的指导书籍，虽然没有那么高的理论高度，但提供的“上台前深呼吸三次”之类的即时策略，反而更接地气、更实用。

评分☆☆☆☆☆

哇，终于把这本《XX（某本我实际读过的其他音乐教材）》啃完了，说实话，这本书在理论讲解上真是下了不少功夫，尤其是在和声分析那部分，作者的梳理逻辑非常清晰，即便是像我这种基础稍微薄弱的同学，也能很快抓住核心概念。不过，我总觉得它在实践指导性上略显不足，很多曲目示范的讲解总是停留在表层，很少能深入到演唱细节的处理上，比如气息的控制、共鸣腔体的细微调整，这些在实际演唱中至关重要的部分，书中提及得比较笼统，读完后感觉知识体系是建立起来了，但手上能直接拿来用的“工具”却不够趁手。另外，这本书的选曲风格也比较单一，虽然经典曲目很扎实，但对于现代音乐或者非西方古典音乐的涉猎就比较少了，对于想要拓宽视野的学生来说，可能需要再搭配其他资料。总的来说，它更像是一本优秀的“参考书”而非“实战手册”，适合用来打地基，但要盖起高楼，还得自己多费心思去钻研和揣摩。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值感主要体现在它对声乐教学法历史脉络的梳理上。作者没有像许多教材那样只罗列技巧，而是深入探讨了从十八世纪到当代，声乐教学理念是如何演变的，比如美声学派的传承、气息概念的修正等等。通过对比不同历史时期的教学文献和代表人物的观点，你能清晰地看到“标准”是如何被定义、挑战和重塑的。这对于正在学习如何成为一名教师的我来说，提供了批判性思考的框架，让我明白现有的教学方法并非空中楼阁，而是历史发展的结果。然而，这种深度的历史回顾占用了大量的篇幅，导致对基础技巧的讲解相对压缩，尤其是对不同语种发音的详细指导，在我看来不如专门的语言教材来得专业和详尽。这本书更像是“声乐教师的哲学入门”，而不是“声乐学生的技艺速成班”。