正版初学入门基础教材银屏竞芳菲中华影视歌典中共上海市委宣传部 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806673843

商品编码：29867679431

丛书名： 银屏竞芳菲中华影视歌典

开本：16开

出版时间：2004-12-01

 

• 版 次：1
• 页 数：540
• 字 数：
• 印刷时间：2004年12月01日
• 开 本：
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：
• 包 装：平装
• 是否套装：
• 标准书号ISBN：9787806673843

 

封面题字
百年影视 华夏颂歌
20世纪30-40年代
1．寻兄词
2．开路先锋（领唱、齐唱）
3．大路歌
4．新凤阳歌
5．毕业歌
6．新的女性
7．牧羊女
8．西湖春晓
9．渔光曲（女声独唱）
10．铁蹄下的歌女
11．义勇军进行曲

 

 

本书对我国影视艺术发展中涌现的上千首歌曲进行了筛选。我们在编选过程中既注重歌曲的思想性和艺术性，也兼顾时代性和传唱性，从中精选出了在各个历史时期产生过深远影响的经典、的影视歌曲和近年来风格多样、广为传唱的影视歌曲新作共500首汇集成册。从题材内容上看，古今中外的题材无所不包，包括了革命历史、古典名著、神话传说以及各类反映情、友情、爱情的生活题材；从音乐风格上看，有的气势磅礴，有的委婉细腻，有的活泼开朗，有的含蓄深沉；从作品演唱形式上看，包括了独唱、齐唱、重唱、对唱、轮唱、合唱等多种形式。在曲目编排上，按时间顺序分为四大板块，每个板块颇具文采的串联诗句概括了影视艺术在各个不同历史时期的特点再现了影视艺术逐步成长壮大的过程。另外，本书收录了近30幅部分电影和电视剧照，通过这些熟悉的银屏形象，再次展示我国影视艺术发展的足迹。总之，这本大型影视歌曲典籍的出版，全面、清晰地展示了我国影视艺术的发展脉络，是对我国影视歌曲创作的一次总结，是全方位展示中华影视歌曲的经典选本。

好的，这是一份关于另一本图书的详细简介，内容完全独立于您提供的书名《正版初学入门基础教材银屏竞芳菲中华影视歌典中共上海市委宣传部》。 --- 图书名称：《光影流转：世界经典电影艺术赏析与理论入门》 作者： [此处留空，以保持中立性] 出版社： [此处留空，以保持中立性] ISBN： [此处留空，以保持中立性] --- 内容简介： 《光影流转：世界经典电影艺术赏析与理论入门》 是一部旨在引导电影爱好者、影视专业学生以及对视觉叙事艺术感兴趣的普通读者，系统性地认识和理解世界电影发展历程、核心艺术手法与理论框架的综合性教材与赏析指南。本书摒弃了单纯的“影史大事记”罗列，而是聚焦于电影语言的演进及其背后的文化思潮，力求在理论深度与欣赏趣味之间找到完美的平衡点。 第一部分：电影的诞生与视觉的突破——从默片时代到声音革命 本部分深入探讨电影艺术的萌芽期，重点解析了卢米埃尔兄弟的纪实美学与梅里爱的魔术想象力的对立统一，如何奠定了早期电影的叙事基调。随后，我们将焦点转向了默片时代最伟大的革新者——查理·卓别林、巴斯特·基顿，分析他们如何仅凭肢体语言和面部表情，将喜剧的哲学深度提升到了前所未有的高度。 特别值得一提的是，本部分对“蒙太奇”理论的引入进行了详尽的阐释。通过分析爱森斯坦的“碰撞蒙太奇”与普多夫金的“平行蒙太奇”，读者可以理解剪辑是如何从记录动作的工具，升华为表达思想和情感的强大武器。声音的引入，即“有声电影的突破”，并非是技术的胜利，更是叙事结构上的颠覆。我们将细致剖析《爵士乐之歌》的意义，以及声音如何影响了对白、配乐与环境音效在电影中的地位变化。 第二部分：黄金时代的风格确立与类型片美学 进入好莱坞的“黄金时代”（20世纪30年代至50年代），本卷聚焦于成熟的电影工业体系下，如何形成并巩固了主要的电影类型。本书不会满足于简单介绍西部片或黑色电影的表层特征，而是深入挖掘其深层文化根源。 黑色电影（Film Noir）的心理阴影： 分析二战后美国社会的不安情绪如何投射到低角度摄影、复杂的布光（明暗对比法）和宿命论的叙事结构中，尤其是对“蛇蝎美人”（Femme Fatale）这一经典形象的文化解读。 作者论（Auteur Theory）的兴起： 理论的引入使得观众开始关注导演的个人风格。本书详细梳理了约翰·福特的田园牧歌式构图、奥逊·威尔斯的创新性景深镜头（Deep Focus），以及希区柯克的悬念构建技巧，强调导演如何将个人哲学烙印于光影之中。 好莱坞制片制度的影响： 探讨审查制度和制片厂体系（Studio System）如何在规范化的工业流程中，催生出高度成熟的类型片叙事范式。 第三部分：新浪潮的冲击与电影语言的解构 20世纪50年代末至70年代，全球范围内的电影语言迎来了前所未有的反叛与重塑。本部分着重考察了欧洲电影对既有规范的挑战。 法国新浪潮（La Nouvelle Vague）： 详细分析了戈达尔的跳接（Jump Cuts）、特吕弗的“手持摄影的亲密感”，以及他们如何将电影拍摄现场的即兴发挥转化为一种新的美学表达。本书特别关注了“主观性”在叙事中的回归，探讨了“长镜头”如何打破传统蒙太奇对时间节奏的控制。 新现实主义的伦理关怀： 从意大利新现实主义（如德·西卡的作品）出发，探讨了电影如何走出影棚，深入街头，关注普通民众的生存困境，这种对“真实”的追求对后世纪录片和剧情片的影响。 东方电影的崛起： 简要介绍日本电影大师如黑泽明在借鉴西方叙事结构的同时，如何融入东方哲学中的“物哀”与禅宗意境，创造出具有独特节奏感的史诗作品。 第四部分：后现代语境下的当代电影与技术革新 进入当代，随着数字技术的发展和全球化的深入，电影的边界变得日益模糊。本部分探讨了后现代主义思潮如何影响了叙事结构。 后现代电影的特征： 分析自我指涉（Self-Reflexivity）、对类型片的戏仿与解构，以及非线性叙事在当代电影中的普及。读者将理解为什么现代电影常常会“打破第四面墙”。 视觉特效与沉浸式体验： 探讨计算机生成图像（CGI）的出现对电影美学构成的挑战——当技术可以实现一切时，原创性和故事的中心性应如何确立。本书通过分析几个里程碑式的特效案例，探讨“奇观”与“意义”之间的张力。 全球化视野下的电影区域化： 介绍亚洲（如韩国、印度）和拉丁美洲电影在国际影坛上的重要性，分析它们如何在借鉴好莱坞工业模式的同时，保持其独特的文化表达和批判性视角。 结语：作为艺术与工业的电影 本书的最终目标是培养读者将电影视为一门集视觉艺术、文学叙事、声音工程和工业流程于一体的综合学科。通过对经典作品的细致解剖，读者将能够超越简单的情节消费，学会“阅读”电影的每一个技术选择背后的意图，从而实现更深层次的欣赏体验。 本书特点： 1. 图文并茂的分析： 辅以大量电影剧照、分镜图解和技术示意图，直观展示复杂的电影语言概念。 2. 理论与实例紧密结合： 每一理论概念（如“高对比度布光”、“主观镜头”）都配有明确的经典影片实例进行解析。 3. 跨文化视野： 不局限于好莱坞，全面覆盖欧洲、亚洲及其他新兴电影区域的代表性作品和流派。 适合人群： 影视专业学生、艺术史爱好者、渴望系统提升观影品味的普通读者，以及所有对光影叙事艺术抱有热情的学习者。本书是通往理解电影艺术殿堂的坚实入门阶梯。

评分☆☆☆☆☆

我最终决定把它纳入我的核心参考书目，是因为它提供的“参照系”非常强大。对于一个渴望进入这个行业的新人来说，知道前人的脚印在哪里，比盲目地向前冲要重要得多。这本书的排版和索引设计也相当人性化，尽管内容庞杂，但检索起来却很方便，这对于需要快速查阅特定资料的读者来说是极大的便利。它不仅仅是一个知识的集合，更像是一个思维的引导工具，它不断地抛出问题，引导你去思考“为什么是这样，而不是那样”。它所构建的影视知识体系是立体的、相互关联的，而不是零散的知识点堆砌。读完后，你对“什么是好的影视作品”这个古老命题，会产生一套属于自己的、有根有据的判断标准。这套标准，正是这本书所给予的、最宝贵的精神财富。

评分☆☆☆☆☆

这套书从头到尾都散发着一种扑面而来的时代感，那种感觉就像是老电影里的胶片刮擦声，带着特有的沙沙质感。我拿到手的时候，就被它厚重的装帧吸引了，一看就知道不是那种轻飘飘的速成读物，而是下了真功夫的。书里选取的案例和人物，简直是一部微缩的中国近现代影视发展史。尤其是对早期沪上影坛的那些传奇故事的挖掘，那种细腻程度，让我仿佛能闻到旧上海十里洋场的烟草味和脂粉香。作者对于那些黄金时代的导演、演员的解读，绝非简单的生平罗列，而是深入到了他们创作背后的时代精神和艺术追求。比如，书中对某位老艺术家的独白还原，那种口吻、那种对艺术的执着，读起来让人肃然起敬。这不仅仅是一本关于影视的工具书，更像是一扇通往特定历史记忆的窗口，它让你明白，今天银幕上的光影是如何从那些筚路蓝缕的岁月中一步步走出来的。翻阅过程中，我几次停下来，不是因为内容晦涩，而是被那种历史的厚重感所压倒，需要时间去消化。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的结构安排非常巧妙，它跳脱了传统教科书那种刻板的、按时间轴推进的叙事方式。作者似乎更偏爱“主题式串联”，将看似不相关的时期和作品，通过某种内在的艺术精神或技术革新点巧妙地连接起来。这种编排手法，对于一个想建立宏观影视认知框架的初学者来说，简直是醍醐灌顶。它教会我如何去“看”电影，而不是仅仅“看懂”电影。书中对于镜头语言、布景设计、甚至配乐与情绪渲染之间的辩证关系的分析，深入浅出，逻辑性极强。我特别喜欢其中一章，专门探讨了特定历史时期，艺术创作如何在约束下寻找突破口，那种“禁锢中的迸发”的张力，写得非常到位。读完后，我再去看那些老片子，眼神完全变了，能捕捉到很多以前忽略的细节，比如灯光的角度是如何暗示人物心理的微妙变化。对于希望在理论层面打下坚实基础，又不想被枯燥的术语堆砌淹没的读者来说，这套书的平衡感拿捏得恰到好处。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的地方，在于它并非一味地歌颂，而是带着批判性的眼光去审视历史。在一些关键转折点，作者并没有回避行业内部的争议、技术上的瓶颈，甚至是艺术思潮的碰撞与交锋。这种不回避矛盾的态度，让整本书的学术价值和可信度大大提升。它提供了一个多维度的视角，让你能从政治、经济、社会文化等多个层面去理解一部电影的诞生和消亡。我特别欣赏书中对不同艺术流派之间的“对话”与“冲突”的梳理。例如，当某种写实主义思潮占据主导时，那些坚持浪漫主义表达的先驱们是如何艰难求存的。这种对艺术生态复杂性的展现，远比一本只讲成功故事的书来得更有教育意义。它教会我们，真正的艺术进步往往是在不断的试错和辩论中磨砺出来的，充满了人性的光辉与挣扎。

评分☆☆☆☆☆

说句实在话，初次接触这个领域的读者可能会觉得信息量有点大，但请相信我，坚持下去会有意想不到的收获。这本书的价值在于它的“广度”与“深度”兼备。它的广度体现在对不同艺术门类的涉猎，从舞台剧的移植到声画结合的探索，几乎覆盖了影视艺术诞生的所有关键节点。而深度则体现在对核心理念的不断叩问。比如，它对“民族性表达”的探讨，是如何在吸收西方电影技巧的同时，成功地将中国特有的叙事韵味和审美情趣融入其中的。我发现书中的很多案例分析，都指向了一个核心问题：艺术如何服务于时代，又如何超越时代？作者的文字风格非常富有激情，尤其是在描述那些里程碑式的作品时，仿佛能感受到他作为一名文化工作者的拳拳之心。虽然篇幅很长，但流畅的叙述节奏，让整个阅读过程并不感到疲惫，反而像是在听一位博学的老前辈娓娓道来，充满启发性。