南国花的记忆钢琴小协奏曲乐队合奏交响教程教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309041

商品编码：29867712182

丛书名： 南国花的记忆1

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

 

商品名称： 南国-花的记忆-钢琴小协奏曲-钢琴小协奏曲-双钢琴-附CD一张	出版社： 上海音乐出版社	出版时间：2015-10-01
作者：赵曦	译者：	开本： 16开
定价： 42.00	页数：54	印次： 1
ISBN号：9787552309041	商品类型：图书	版次： 1

 

 

 

 

 

 

内容提要

《南国》创作于2006年，是为钢琴和铜管、弦乐与打击乐而作的小协奏曲，2007年在“武汉新音乐节”上首演，2011年获中国文联和中国音乐家协会共同主办的第八届“中国音乐金钟奖·钢琴作品”金奖。作品的标题来源于爱国主义诗人屈原的《橘颂》，作者取“后皇嘉树，橘徕服兮。受命不迁，生南国兮”这一名句的意蕴，用音乐描绘南国的多彩、刻画南人的热烈，*抒发了作者的故土情怀。
《南国钢琴小协奏曲：花的记忆1（双钢琴）》的创作是赵曦探求中国传统文化内涵、创作观念的又一次尝试：作品的主题中将多个民族、地域的特性音调交融合一，编制上以不含木管的非常规乐队突出“神秘与火热”、“细腻与粗犷”的戏剧性效果，形式上采用非周期性句法和非重复性运动，写作中综合“自由十二音”、“音级集合”和“数控节奏”等技术并根据音乐的逻辑方向和内在的发展需求而等价运用。

 

 

作者简介

赵曦，湖南衡山人，1973年生，作曲家，武汉音乐学院作曲系教授、湖北省音乐家协会理事，现任武汉音乐学院作曲系系主任。赵曦是中国同龄作曲家中的佼佼者，他的音乐创作、尤其是他一向青睐的钢琴音乐写作，伴随所获的一系列令人瞩目的专业奖项，写作技术和艺术价值得到了广泛和一致的认可。他的多部作品在各类专业赛事中获奖，包括“中国音乐金钟奖”金奖、“文华音乐作品创作奖”、“湖北音乐金编钟奖”、“楚天文华奖”等。作品曾在中国、韩国、俄罗斯、德国、美国、爱尔兰、罗马尼亚等音乐节或音乐会上演出。

 

《蓝色多瑙河畔的辉煌：西方管弦乐法精粹与实践指南》 本书旨在为音乐学子、指挥专业人士以及对管弦乐队配器艺术充满热忱的音乐爱好者，提供一套全面、深入且极具实践指导意义的教程。全书结构严谨，内容涵盖了西方古典音乐体系中管弦乐队的起源、发展、乐器组的特性、配器技法、音色设计以及现代管弦乐实践中的前沿探索。 第一部分：管弦乐队的历史脉络与结构解构 本部分着重梳理了管弦乐队自巴洛克时期至浪漫主义晚期直至现代的演变历程，解析了不同历史阶段中乐队编制的增减与功能侧重。 第一章：从小型合奏到交响巨擘 详细阐述了早期“歌剧乐队”如何逐步演化为古典主义时期以海顿、莫扎特为代表的规范化交响乐队。重点分析了弦乐组（第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）在不同时期的功能定位、演奏技法及其在和声织体中所起的基础作用。探讨了巴洛克时期弦乐的颤音使用习惯与古典时期弓法革新的影响。 第二章：木管乐器的色彩层次构建 本章深入研究了长笛、双簧管、单簧管和巴松管家族的构造、音域特性及其在管弦配器中的“色彩权重”。我们不仅探讨了它们各自在传统协奏曲与交响乐中的主要职能（如双簧管对田园牧歌式旋律的承载力，单簧管在温暖中低音区的表现力），更细致地分析了其转调能力、换指技巧对旋律线条流畅性的影响。特别设立章节讲解了木管的“叠置”（Doubling）技巧，如何通过不同乐器间音色的微妙交融，实现色彩的平滑过渡而非生硬堆砌。 第三章：铜管乐器的力量与辉煌 聚焦圆号、小号、长号和低音大号。铜管乐器作为乐队能量的核心来源，其在动态控制上的极端重要性被置于核心位置。分析了圆号在早期配器中充当“半弦乐化”角色（连接木管与弦乐）的传统，以及在浪漫主义时期，特别是瓦格纳、勃拉姆斯作品中，铜管组如何独立承担宏大叙事和戏剧冲突的构建任务。详细介绍了弱音器（Mute）的种类及其对音色特性的颠覆性改变。 第四章：打击乐器的节奏驱动与氛围营造 本章超越了对定音鼓和钹的简单介绍，转向对音色、质感和节奏的深度剖析。探讨了如何根据作品的地域性、时代背景和情感基调，选择恰当的打击乐器（如木琴、钟琴、钢片琴、颤音琴等）。分析了作曲家如何利用打击乐器打破常规节奏模式，制造突如其来的戏剧性效果或烘托出神秘、异域的氛围。 --- 第二部分：管弦配器的核心技法与织体设计 这部分是本书的实践核心，旨在提供一套可量化、可操作的配器原则，引导读者从理论走向创作。 第五章：织体布局与声部平衡的艺术 探讨了如何在一篇管弦乐谱中实现清晰的“声部轮廓”。核心概念包括：密度控制（Density Control）、音域布局（Register Placement）和动态对比（Dynamic Contrast）。详细分析了“主导声部”与“伴奏声部”的有效分离技术，如利用木管的清晰度突出弦乐旋律，或利用低音组的厚重感托举高音声部。书中提供了大量范例，对比了四部和声织体在弦乐组与混合乐器组中的效果差异。 第六章：旋律的“镶嵌”与“浮现”技术 本章重点阐述了如何将一条旋律线在不同乐器组之间进行“转手”（Passing the Melody）。区分了“直接转置”（Direct Transposition）和“音色嫁接”（Timbral Grafting）两种方法。前者要求旋律保持音高不变，仅改变演奏者；后者则侧重于利用不同乐器音色的衔接性，使旋律听起来像是从一个源头流淌出来，例如使用长笛的高音区平滑过渡到小提琴的泛音区。 第七章：管弦乐的“色彩和声”研究 超越传统的功能和声，本章探究了印象派、后浪漫主义乃至现代音乐中，作曲家如何利用乐器组合本身创造出新的“色彩和弦”。例如，德彪西通过特定的木管与弱音弦乐的组合来描绘光影效果，以及里姆斯基-科萨科夫如何利用铜管的特定泛音创造出“金属光泽”。书中细致分析了如何通过对位法和音色对位，使和声的色彩效果得到最大化。 第八章：赋格与变奏在管弦乐队中的应用 考察了巴赫的对位法思想如何在大型管弦乐队中得以实现。分析了勃拉姆斯、德彪西等大师如何将赋格结构应用于管弦乐的特定乐章，以及他们如何使用不同的乐器组来清晰地呈现和区分独立的声部线条。对位写作的实践指南部分，提供了如何保持声部清晰度，避免“泥泞”音响的实用建议。 --- 第三部分：现代管弦乐实践与指挥视角 最后一部分将视角投向20世纪以来的技术发展，并引入指挥家对乐谱理解的维度。 第九章：现代配器法的扩展与挑战 探讨了二十世纪以来，作曲家对传统音响体系的突破。内容包括： 1. 非传统演奏法（Extended Techniques）： 如弦乐的弓杆敲击、木管乐器的嘶鸣音（Flatterzunge的极端运用）、以及对打击乐材质的探索。 2. 微音组织（Microtonality）： 简要介绍管弦乐队如何处理十二平均律之外的音高，以及相关记谱法的挑战。 3. 电子与原声的融合： 分析当代作品中磁带、采样与现场管弦乐队的交互处理方式。 第十章：从指挥台看配器逻辑 本章从指挥者角度，剖析了一部管弦总谱的设计缺陷与精妙之处。强调了清晰的记谱法对于现场排练效率的重要性。讨论了在排练过程中，如何根据指挥的指示，迅速调整乐器的动态平衡、调整速度的微小变化，以及如何通过对乐谱布局的理解，预判乐队在特定段落可能出现的结构性难题。书中提供了针对不同时期（如莫扎特、马勒、斯特拉文斯基）作品的排练重点策略。 结论：融汇与创新 本书总结了掌握传统配器法是进行未来音乐创作的基石。通过对历史案例的深入研究和对实用技法的详尽阐述，期望读者能够建立起一套坚实的管弦乐思维体系，从而更自信、更富创造性地面对未来的音乐创作与演绎挑战。本书并非一本简单的“配器菜谱”，而是一份关于管弦乐“语言学”的深度探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量非常令人满意，这对于一本需要长期使用的教材来说至关重要。纸张的质感很好，不易反光，长时间观看也不会感到眼睛疲劳。更值得称赞的是，它的装订非常结实，即使经常翻阅和在琴边摊开，也不会出现散页的情况。在内容方面，我尤其欣赏它对音乐史与演奏实践相结合的处理。它不仅仅是教你怎么弹，更是在潜移默化中培养你的音乐鉴赏力和文化底蕴。每一章节的理论讲解后面，都紧跟着相关的历史背景介绍和风格分析，这使得音乐的学习不再是孤立的技术训练，而是一场与历史对话的旅程。书中的一些配图和插画，虽然不是很多，但都选得恰到好处，帮助读者更好地理解当时的音乐环境和乐器发展。总的来说，这本教材在细节上的用心，体现了编者对读者的尊重和对音乐教育的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年钢琴学习经历的业余爱好者，我不得不说，这本书在某些高级技巧的讲解上，确实达到了一个令人惊叹的高度。它突破了传统教材的局限，引入了许多现代的演奏理念和方法。比如，书中对触键力度控制的探讨，细致到每一个手指的独立性和力量传导，这一点在很多其他教材中是难以找到的。我尝试按照书中的建议调整了我的演奏习惯，效果立竿见影，原本感觉模糊不清的音色变得清晰、饱满且富有层次感。此外，书中关于不同风格乐曲的处理方式也提供了非常宝贵的参考，无论是古典的严谨，还是浪漫的自由，它都给出了具体的实施路径。它不是告诉你“应该”怎么弹，而是告诉你“如何才能达到”那种效果。对于希望突破瓶颈、提升演奏艺术性的学习者来说，这本书简直是无价之宝。它让我重新审视了自己的演奏，也找到了未来努力的方向，那种豁然开朗的感觉，是其他任何资料都无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在曲目的选择上，展现出了一种非常平衡且具有前瞻性的视野。它既包含了那些公认的、无法绕开的经典练习曲目，确保了基本功的扎实训练，同时也大胆地引入了一些相对小众但艺术价值极高的现代作品片段。这种跨越时代的曲目编排，极大地拓宽了我的音乐视野，让我接触到了不同时期作曲家们在技术和表达上的探索。特别是针对那些合奏和乐队配器的部分讲解，它清晰地描绘了钢琴声部在整体织体中应扮演的角色，这对于那些未来可能参与室内乐或管弦乐队合作的学生来说，是极其宝贵的经验传授。书中的注释详尽而精准，对于一些复杂或不常见的记号，都有明确的解释，这大大减少了自学过程中的迷茫感。这本书的价值在于，它不仅仅是一个技术训练手册，更是一份全面的音乐素养养成指南。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的定价可能会让一些预算有限的学习者望而却步，但经过一段时间的使用后，我深切体会到它物超所值。它所包含的知识密度和深度，远超同价位的其他几本参考书的总和。我曾经买过好几本号称“全面”的教材，但它们往往在某个方面有所侧重或缺失，要么理论太深而实践不足，要么技巧练习太多而音乐性欠缺。唯独这本，在两者之间找到了近乎完美的平衡点。书中对节奏复杂性的处理技巧，尤其是一些复合拍子和自由节奏的解析，简直是教科书级别的示范。它让我理解了“时间感”在音乐中的核心地位，并提供了一整套训练耳朵和身体协调性的方法。这种系统性的、面向未来的音乐教育理念，是这本书最核心的魅力所在，它塑造的不仅仅是钢琴家，更是真正的音乐人。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的一盏明灯，它不仅仅是一本教材，更像是一本充满智慧的向导。初学者可能会被庞大的知识体系吓到，但这本书的编排逻辑非常清晰，循序渐进地引导读者进入音乐世界的殿堂。它没有那种枯燥乏味的理论堆砌，而是将复杂的概念用非常形象生动的语言来阐释，让你在不知不觉中就掌握了乐理知识。尤其是对于初学者来说，它提供的那些练习曲目，难度设置得非常巧妙，既能激发学习兴趣，又不会让人产生挫败感。这本书的排版设计也非常人性化，字体大小适中，乐谱清晰易读，让人在长时间阅读和练习时感到非常舒适。它对音乐基础的讲解深入浅出，无论是节奏的把握、音阶的练习还是和弦的转换，都有独到的见解和实用的技巧。我特别喜欢它在讲解一些经典曲目时，那种对作曲家创作意图的深度剖析，这让我在学习演奏时不仅仅是机械地弹奏音符，而是真正开始理解音乐的灵魂。这本书绝对是那种值得反复阅读和珍藏的经典之作。