全新正版小型乐队通俗曲集 乐队曲谱湖南文艺出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540475901

商品编码：29867728167

丛书名： 小型乐队通俗曲集

 

目 录 浏阳河
外婆的澎湖湾
何日君再来
月亮代表我的心
洁白的羽毛寄深情
美丽的草原我的家
山姑娘
记忆
绿树绿梦
阿美族舞曲
昭君怨
苏武牧羊
小白船
雪球花
鼓声
究竟是个小世界
美丽的美国
骊歌
哎呦，妈妈
鸽子
《新世界交响曲》选段
河北梆子曲调
达坂城夜曲(张拨乐三重奏)
离情(二胡、扬琴三重奏)
寻找黄河湾(四重奏)
高原月(四重奏)
问江南(四重奏)
魔笛(四重奏)
送情郎(四重奏)
夜雨秋思(四重奏)
小白菜(弦乐四重奏)
爱之悲(四重奏)
远情——电视剧《乔家大院》主题歌(五重奏)
大浪淘沙(五重奏)
梧桐树(五重奏)
千年的铁树开了花(五重奏)
杜十娘(五重奏)
平湖秋月(五重奏)
当妈妈还在纺线的时候(五重奏)
美丽的月光(五重奏)
边陲春早(六重奏)

 

 

内容推荐 黄振奋编著的《小型乐队通俗曲集》由45首经典乐曲与流行歌曲改编而成的小型乐队合奏曲组成，其中包括：《何日君再来》《月亮代表我的心》《哎哟妈妈》《美丽草原我的家》《雪球花》《苏武牧羊》《魔笛》《问江南》等。

 

好的，这是一本关于交响乐史与管弦乐配器研究的深度著作的图书简介，与您提到的“全新正版小型乐队通俗曲集 乐队曲谱 湖南文艺出版社”并无关联。 --- 书名：《和声的织体与管弦的魔力：西方交响乐百年流变与配器艺术精研》 作者：[著名音乐学家/资深指挥家 笔名] 出版社：[某权威音乐学术出版社] 字数：约45万字 开本：16开精装 --- 图书简介： 导言：聆听宏大叙事背后的结构之美 《和声的织体与管弦的魔力》并非一本简单的作曲技法手册，它是一部穿越时空，深入剖析西方古典音乐（尤其聚焦于交响乐体裁）自浪漫主义晚期至二十世纪中叶演变历程的学术巨著。本书的核心目标，在于揭示伟大作曲家们如何通过对和声语言的不断革新，以及对管弦乐队这一复杂“乐器”的精妙操控，建构起宏伟的音乐建筑，并实现其深刻的情感表达与哲学思辨。 本书的叙事结构遵循时间轴与主题分析相结合的原则，力求在宏观的历史脉络中，提炼出关键的配器创新点，并以详实的乐例进行深入的微观解读。它旨在为严肃音乐爱好者、音乐学院高年级学生、指挥专业人士以及职业配器师提供一个全面、深刻且富有洞察力的研究平台。 --- 第一篇：从晚期浪漫主义的“饱和”到印象主义的“透明” (1880-1910) 本篇聚焦于瓦格纳主义遗产对配器的深刻影响，以及德彪西、拉威尔等人在声响色彩学上的革命性突破。 第一章：瓦格纳的遗产与配器学的危机 探讨了瓦格纳歌剧对乐队规模的极限拉伸，特别是对低音铜管和特殊调性乐器的需求。分析了“音色即和声”的观念如何挑战了既有的配器规范。详细分析了《尼伯龙根的指环》中莱茵河、魔法火焰等场景的配器策略，重点关注如何通过和弦的音色叠加而非简单的音高堆砌来创造“饱和”的听觉体验。 第二章：印象主义的“光影”与音色绘画 德彪西和拉威尔被视为管弦乐色彩大师。本章将重点分析他们如何运用木管乐器的高音区、弱音的弦乐、以及打击乐器中的非节奏性元素（如钢片琴、锣）来营造“雾气弥漫”或“水光粼粼”的效果。特别关注拉威尔对“色彩叠加”的精妙控制，如在《圆舞曲》中，如何通过不同乐器组的瞬时交替而非持续的融合来描绘舞步的动态。 第三章：俄国民族乐派的厚重与民间色彩 着眼于里姆斯基-科萨科夫和穆索尔斯基的配器遗产。分析他们如何将民间音调融入交响结构，以及如何利用俄罗斯特色乐器（如巴拉莱卡琴的音色模拟）来增强异域感和史诗性。例如，对《图画展览会》中拉威尔配本的配器法，与原版钢琴音响的对比分析，凸显了如何将“钢琴化的和声”转化为“管弦化的织体”。 --- 第二篇：二十世纪初的结构重塑与新古典主义的回归 (1910-1945) 进入二十世纪，面对调性体系的瓦解，作曲家们不得不重新审视乐队的功能，并对结构进行激进的简化或复杂的重构。 第四章：斯特拉文斯基与节拍的异化 斯特拉文斯基的《春之祭》是理解现代配器法的里程碑。本章深入探讨了“节拍的暴力化”如何影响配器选择。分析了如何利用不协和和弦的尖锐对位，以及对打击乐组的空前依赖，来制造原始而机械的能量。对比分析其早期（俄国时期）、中期（新古典主义）和晚期（序列主义）的配器语言差异，展示其适应性。 第五章：新古典主义的“瘦身”与清晰度追求 新古典主义并非简单的复古，而是一种对巴赫、莫扎特时期配器逻辑的理性回归。本章考察了普罗科菲耶夫和早期亨德尔的作品中对“清晰度”和“平衡”的执着。分析如何限制混响，减少和声密度，使每条声部都清晰可辨，从而服务于清晰的对位结构。 第六章：阿诺德·勋伯格与十二音体系的配器挑战 十二音技法对传统配器法构成了巨大挑战。本章讨论了如何在一个缺乏调性中心的体系中，为十六个甚至更多的声部分配功能。分析了勋伯格本人如何运用“配器化主题”（Klangfarbenmelodie）来补偿调性固有的组织力。对《乐队曲》的分析将展示如何用纯粹的音色变化来驱动音乐的连贯性。 --- 第三篇：战后先锋派的极端探索与声音的解放 (1945-1960) 二战后，音乐家们将注意力从传统的音高、节奏转向声音的物理属性本身。 第七章：序列主义的全面渗透与声部的“均质化” 布列兹、凯奇等人的探索迫使配器法进入新的领域。本章探讨了如何将音高、时值、力度、音色等所有参数都纳入序列控制的尝试。分析了“声部不再是乐器，而是声音颗粒”的观念，以及如何通过极端的对位密度或极致的单音线来达到听觉上的“白噪音”效果。 第八章：通奏低音的消亡与“空间化”的配器 分析了实验音乐家如何开始考虑乐器的空间位置。不再满足于传统的舞台布局，而是将乐器放置在观众席的不同区域，从而创造出移动的声场。这一“空间配器”的概念，极大地拓宽了交响乐的听觉维度。 第九章：打击乐组的地位飞升与非传统乐器的引入 深入考察了瓦雷兹和卡尔·海因茨·施托克豪森如何将打击乐组从附属地位提升为音乐结构的核心驱动力。分析了如何使用大量具有特定频率而非传统音高的打击乐器（如砂纸、金属板、预制噪音），以及这些“非乐器”在建立新的节奏框架中的作用。 --- 结语：传承与未来的视野 本书的最后一部分将对当代配器法大师（如梅西安、肖斯塔科维奇）的成功经验进行总结，并展望未来电子合成器技术与传统管弦乐队结合的可能性。它强调，无论技术如何进步，配器的核心始终是“为意图服务”——即最有效的工具组合，以最清晰、最震撼的方式传达作曲家的内心世界。 本书特点： 1. 乐例丰富且精确： 引用了超过三百个具体乐谱片段，附有详尽的横向与纵向配器分析图表。 2. 理论与实践结合： 兼顾了理论体系的构建与实际演奏中可能遇到的技术难题。 3. 视野开阔： 首次将影响二十世纪配器法的非音乐学科（如物理学、心理学）的影响纳入考量。 推荐读者： 音乐学、作曲与指挥专业师生；追求深度体验的古典乐迷；乐团艺术指导及作曲家。 ---

评分☆☆☆☆☆

拿到这本湖南文艺出版社出版的乐谱时，最先吸引我的是它的装帧质量和纸张的触感。现在很多乐谱为了控制成本，纸张薄得一塌糊涂，拿到手还没用几次，边缘就开始卷边或者泛黄，在舞台灯光下一看就显得非常廉价。这本书的纸张厚度适中，光泽度处理得很好，既保证了乐谱清晰度，又耐用。更重要的是，排版设计简直是专业级别的享受。我以前用过一些国外引进的乐谱，中文翻译和本土化工作做得一塌糊涂，看得人云里雾里，尤其是反复出现的长段落和切分音符的标记，经常需要对照着好几个地方反复核对。而这本曲集在这方面简直是国内出版物的典范。所有的演奏提示，比如揉弦、推弦、击弦的技巧标记，都使用了国际通用的符号，但同时在页眉或页脚做了非常精炼的中文注释，不会造成阅读障碍。我发现有些曲目的和弦图示也做得非常人性化，特别是那些涉及到开放和弦转换到封闭把位和弦时，它直接给出了最省力的指法推荐，这对于初学者或者指法尚未固定的乐手来说，简直是“救命稻草”。这种对细节的打磨，体现了出版社对音乐工作者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的“通俗”定位是恰到好处的，它避开了那种纯粹的古典器乐改编的繁琐，也远离了过于口水化的口水歌。它更像是一个精心策划的“流行音乐审美提升计划”。我们团队里有几个成员，平时听歌的口味非常固定，偏爱某一特定流派，导致他们的演奏风格也有些僵化。引入这本曲集后，我们被迫去接触一些在和声上稍微复杂一点，但在旋律上又极其抓耳的作品。举个例子，其中有一首改编的Bossa Nova风格的曲子，它的鼓点和贝斯线非常富有律动感，但主旋律又是那么的流畅悠扬。我们花了两周时间攻克它，结果不仅技术上有了进步——特别是低音贝斯手对切分节奏的掌握突飞猛进——更重要的是，大家对音乐的理解维度打开了。它教我们的不是“怎么弹奏一个音符”，而是“如何表达这段旋律背后的情感和节奏氛围”。这种潜移默化的影响，远比死记硬背技巧练习来得有效。我甚至发现，很多曲目如果去掉某些乐器的特定标记，可以很轻松地转换成其他风格的伴奏素材，这种灵活性是教科书上很难学到的。

评分☆☆☆☆☆

作为乐队的指挥和主要编曲人，我非常看重乐谱的“可操作性”和“可扩展性”。很多市面上的曲集，要么是给钢琴伴奏用的，要么就是给独奏乐器准备的，拿到乐队里需要花费大量时间去“反向工程”——把一个钢琴的高音谱号拆分成吉他、键盘和其他旋律声部的独立乐器谱。这本《全新正版小型乐队通俗曲集》在这方面无疑节省了我们团队大量的时间成本。它的每一首曲子都清晰地标注了主旋律、和声伴奏、低音线，甚至还为打击乐器（虽然很多是建议使用通用节奏型）留出了足够的发挥空间。更让我惊喜的是，某些乐段明确给出了几种不同的和弦替代方案。比如，在一个大七和弦的位置，它会用括号标注出一个更具色彩的“9和弦”或“sus4和弦”的替换方式。这对于现场演出时，我们根据场地音响效果或乐队状态进行微调至关重要。我们不需要在演出前夜为了一个和弦纠结到深夜，因为乐谱本身已经为我们提供了成熟的“备用方案”。这种设计，体现了编者对小型乐队现场演出的真实需求有着深刻的洞察。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，在接触到这本曲集之前，我对出版社出版的“通俗音乐”乐谱普遍抱有一种审慎的态度，总觉得它们更倾向于教育市场，实用性有待商榷。但这次的体验彻底改变了我的看法。这套曲集带给我最大的价值，是它构建了一个非常扎实的“流行音乐基础词汇库”。我们的小乐队成员们，在各自的领域可能都有些许经验，但当需要作为一个整体进行协同演奏时，经常因为对某些流行曲式结构的不熟悉而显得生涩。这本书里收录的曲目，很多都是结构清晰、段落分明的经典流行曲式——AABA、ABCB等等——通过学习和演奏这些作品，乐队成员们在潜意识中就完成了对流行音乐骨架的认知训练。而且，这里的每一个声部都相对独立且重要，没有哪个声部是纯粹的“打酱油”。例如，在某一首曲子中，负责和声伴奏的键盘手，他的和弦进行突然变得非常具有叙事性，这促使其他乐手必须更专注地倾听和配合，从而锻炼了团队的整体听觉和配合能力。它不只是给你一堆音符，它是在教你如何“聆听”和“对话”。对于那些渴望从“几个朋友一起玩音乐”升级到“一个有组织、有配合的乐队”的团体来说，这本书是不可多得的加速器。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集，说实话，入手前我还是有点忐忑的，毕竟“小型乐队通俗曲集”这个名字听起来有点笼统，我担心曲目会非常基础，或者风格过于单一。但真正翻开之后，惊喜感是接踵而至的。首先，从曲目的选择上就能看出编者的用心良苦。它不像那种只有几首耳熟能详的流行金曲的简单拼凑，而是涵盖了不同年代、不同情绪的通俗作品，从比较舒缓抒情的慢歌，到节奏感强、适合现场烘托气氛的快板，都有涉猎。对于我们这种业余小乐队来说，最怕的就是找不到既有可演奏性，又能抓住听众耳朵的曲子。这本书在这方面做得相当平衡，很多曲子乍一看可能不那么“热门”，但仔细研究后发现，它们的配器层次感很强，非常适合两把吉他、一把贝斯、一套鼓（或者电子鼓代替）的编制进行改编和演绎。尤其是对节奏组的标记，非常清晰到位，鼓点的力度和律动感都有明确的指示，这对于提升乐队整体的演奏水平大有裨益。我特别喜欢其中几首改编得更偏向爵士蓝调风的作品，虽然是“通俗”范畴，但和声进行上做了很多巧妙的处理，让乐队在演奏时能有更多的即兴发挥空间，而不是死板地照着谱子走。总之，它更像是一个高质量的“音乐素材库”，而不是一本简单的教材，能极大地丰富我们乐队的曲库储备。