高等师范院校教材:合唱(二)(修订版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552308921

商品编码：29867735110

丛书名： 合唱(二) 修订版

 

• 出版社: 上海音乐出版社; 第I版 (2016年4月1日)
• 丛书名: 
• 平装: 237页
• 语种： 简体中文
• 开本: 8
• ISBN: 9787552308921
• 条形码: 9787552308921
• 商品尺寸: 30 x 22 x 1.6 cm
• 商品重量: 721 g
• 品牌: 上海音乐出版社

 

 

目录

前言 
混声四部合唱歌曲 
1.爱我中华 
3.大地，你好（混声四部无伴奏合唱） 
4.中华之魂 
5.让世界都赞美你 
6.致祖国 
7.人民解放军占领南京（选自音乐舞蹈史诗《东方红》） 
8.飞来的花瓣 
9.思念 
10.送别 
11.教我如何不想他 
12.抗敌歌 
13.垦春泥（电影《胜利进行曲》主题歌） 
14.黄水谣（选自《黄河大合唱》） 
15.阿拉木汗 
16.美丽的草原我的家（混声四部无伴奏合唱） 
17.故乡之恋（混声四部无伴奏合唱） 
18.花儿与少年 
19.夜夜的晚夕里梦见（混声四部无伴奏合唱） 
20.快乐的聚会（混声四部无伴奏合唱） 
21.我的心像掉进深渊（混声四部无伴奏合唱） 
22.夏天的黄昏（混声四部无伴奏合唱） 
23.天空晴朗，春风荡漾 
24.小夜曲 
25.茨冈 
26.婚礼合唱（选自歌剧《罗恩格林》） 
27.希伯莱奴隶合唱（选自歌剧《纳布科》） 
28.故乡的人（男高音独唱与混声四部无伴奏合唱） 
29.金黄色的云朵过夜了（混声四部无伴奏合唱） 
30.农民合唱（选自歌剧《乡村骑士》） 
31.黄昏之歌（混声四部无伴奏合唱） 
32.约旦河波浪滚滚 
33.雪绒花（选自音乐剧《音乐之声》） 
34.日出，日落（选自音乐剧《屋顶上的提琴手》） 
35.花丛中的街头上 
36.世界多么美妙 
教学提示

 

《高等师范院校教材:合唱(二)(修订版)》由徐武冠、徐亮亮编著，上海音乐出版社出版。

古今交响：西方音乐史上的辉煌篇章 本书旨在为音乐学、历史学及艺术鉴赏领域的读者提供一部详尽且富有洞察力的西方音乐发展史梳理。我们聚焦于从古希腊文明的萌芽到浪漫主义鼎盛时期的关键转折点、代表人物及其音乐思想的演变轨迹，力求展现西方音乐艺术如何依托社会结构、哲学思潮和技术革新，一步步构建起其宏伟的殿堂。 第一部分：文明的序曲——古代与中世纪的奠基（约1500字） 本部分将追溯西方音乐的源头，探讨古代文明对音乐理论和实践的影响。我们将从古希腊的“乐学”（Mousike）概念入手，深入分析毕达哥拉斯学派的音高数学理论、柏拉图和亚里士多德对音乐伦理的探讨，以及古希腊音乐在戏剧和庆典中的作用。着重解析古代音乐遗存的局限性，以及这些理论基础如何为后世西方和声学的发展埋下伏笔。 进入中世纪，基督教的兴起成为塑造西方音乐形态的主导力量。我们将详细考察格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、特点及其在教会礼仪中的核心地位。不同地区圣咏风格的差异，以及记谱法从纽姆符号（Neumes）到五线谱的逐步完善过程，是本章的重点。随后的章节将聚焦于早期复调音乐的诞生与发展，从九世纪的奥尔加农（Organum）到巴黎圣母院乐派（如列奥南努斯、佩罗坦）的创新，探讨复调织体如何打破了单音音乐的桎梏，标志着西方音乐史上一次结构性的飞跃。中世纪晚期，世俗音乐的兴起，特别是游吟诗人（Troubadours/Trouvères）对爱情与骑士精神的歌颂，展现了音乐与民间生活更紧密的联系。同时，对早期对位法理论的阐释，将为读者理解巴洛克时期的对位技艺打下坚实基础。 第二部分：文艺复兴的曙光——人文主义与音乐的复兴（约1500字） 文艺复兴时期是人文学术精神全面回归的时代，这一思潮深刻地影响了音乐的创作理念与功能。本部分将剖析奥兰多·迪·拉索、乔斯昆·德普雷等佛兰德斯乐派作曲家如何将复调技术推向精致与平衡的顶峰。我们详细考察弥撒曲和经文歌在文本表达上的日益精细化，特别是“模仿手法”（Imitation）的成熟运用。 世俗音乐方面，法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）的繁荣是理解这一时代音乐心理的关键。牧歌如何通过“文字摹写”（Word Painting）将诗歌的情感意象直接转化为音乐语言，是分析的重点。此外，印刷术的普及对音乐传播的革命性作用，以及鲁特琴（Lute）音乐的兴盛，体现了音乐审美如何从纯粹的宗教服务转向对个体情感体验的关注。本部分还将讨论英国维吉纳乐队（Consort）音乐的独特风格，以及早期歌剧在佛罗伦萨的艰难孕育过程，预示着巴洛克时代的到来。 第三部分：巴洛克的辉煌与理性——情感的戏剧化表达（约1500字） 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上结构性最强、情感表现力最丰富的阶段之一。本章从蒙特威尔第的歌剧《奥菲欧》入手，系统梳理歌剧体裁从佛罗伦萨“新艺术”（Camerata）的实验性探索，如何迅速发展成为欧洲宫廷和公共剧院的核心艺术形式。对“宣叙调”（Recitative）和“咏叹调”（Aria）的对立与融合进行深入分析。 音乐的“固定化”趋势在巴洛克时期达到高潮，这主要体现在对位法的成熟运用和“数字低音”（Basso Continuo）体系的确立。我们将详细解析宏伟的协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的结构（如维瓦尔第的贡献），以及托卡塔、赋格等键盘体裁的巅峰成就（如巴赫的《平均律钢琴曲集》）。巴赫和亨德尔作为巴洛克音乐的两座丰碑，他们的清唱剧、受难曲以及管弦乐作品，代表了对位、和声逻辑和结构严谨性的完美结合。本部分还探讨了奏鸣曲和组曲的规范化过程，为古典主义音乐的清晰性做好了充分的铺垫。 第四部分：古典主义的典范——清晰、平衡与普世性（约1500字） 古典主义时期（约1730-1820年）的核心精神是启蒙运动所倡导的理性、清晰和自然。本部分将探讨“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和“前古典乐派”（如卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫）如何逐步取代巴洛克晚期的复杂性。 奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与确立是理解海顿、莫扎特和贝多芬音乐的基础。我们将细致解构奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部的内在逻辑与戏剧性张力。交响曲、室内乐（特别是弦乐四重奏）和奏鸣曲在这一时期的标准化，标志着音乐作品结构的清晰和形式的完美统一。海顿作为“交响曲之父”，其创作如何奠定了曲式结构的基本范式；莫扎特则以其旋律的完美无瑕和情感的自然流露，达到了古典主义的理想境界。 最后的重点聚焦于路德维希·范·贝多芬。他的作品，特别是中晚期奏鸣曲和九部交响曲，如何通过对情感的深刻挖掘和对既有形式的拓展（如扩大发展部、引入新的乐章），为古典主义向浪漫主义的过渡架设了桥梁。贝多芬的英雄主义精神和对个体意志的强调，预示着音乐家自我意识的全面觉醒。 第五部分：浪漫主义的狂想——主观情感与民族色彩的喷发（约1500字） 浪漫主义（约1815-1910年）是西方音乐史上对主观情感、无限想象和个人英雄主义表达最为极致的时期。本部分探讨舒伯特、舒曼、肖邦和李斯特等音乐家如何通过“自由体裁”（如即兴曲、幻想曲）和“艺术歌曲”（Lied）来表达内心世界的幽微波动。 引介“标题音乐”（Program Music）的概念，重点分析柏辽兹的《幻想交响曲》和瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论，展示音乐如何试图与文学、哲学进行更直接的对话。管弦乐队规模的空前扩大、和声色彩的日益复杂（如瓦格纳的半音化趋势），以及对民族民间音乐元素的吸收，是本章的关键特征。我们将深入研究晚期浪漫主义巨匠如勃拉姆斯、马勒和理查·施特劳斯的交响叙事，解析他们如何在坚守古典形式的骨架下，注入了近乎无穷尽的个人化情感深度和对人类生存境遇的哲学反思，为二十世纪的音乐变革埋下伏笔。 全书力求通过对时代背景、技术进步和核心作品的交织分析，为读者构建一个立体、连贯且富有思想深度的西方音乐发展全景图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧工艺和细节处理，充分体现了它作为“修订版”的价值。我对比了一下之前版本的一些介绍，能明显感觉到这次在视觉呈现上做了大量的优化。比如，一些乐谱示例的印刷清晰度简直达到了专业出版物的水平，线条干净利落，音符的间距和位置都精准无误，这对于需要精确对照阅读的乐理学习者来说至关重要。另外，书籍本身的装订非常结实，即便是经常需要摊开平放在琴凳上翻阅，也不用担心书脊会轻易受损或者脱页，这对于高频使用的教材来说，绝对是一个加分项。而且，我发现它在章节的页眉页脚设计上也颇具巧思，不仅标明了章节名称，可能还巧妙地隐藏了一些快速索引的提示，这在查找特定内容时会非常方便快捷。这种对“物理实体”的精雕细琢，反映出出版方对高等教育资源质量的严肃承诺，让人感觉手中的这本书物超所值，值得长久珍藏和使用。

评分☆☆☆☆☆

最让我印象深刻的，是这本书在语言风格上所展现出的那种“教育者的温度”。很多专业教材的语言往往是冷峻的、学术化的，读起来容易产生距离感。然而，这本书的作者群显然花费了大量精力，去尝试用一种既专业又不失亲和力的方式来阐述复杂的概念。他们似乎在和读者进行一场平等的对话，而不是单向的知识灌输。比如，在讲解某个高难度的和声进行时，作者不仅给出了规范的解释，还会配以“不妨想象……”或者“初学者常在此处感到困惑，我们这样理解或许会更清晰……”之类的引导性语句。这种细微的措辞，极大地降低了学习的心理门槛，让人感到被理解和支持。它成功地在保持学术高度的同时，实现了教材的“可亲近性”，这对于提高学生的学习主动性和建立学习自信心，起到了潜移默化的积极作用，真正体现了高等教材应有的育人价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版真是让人眼前一亮，不同于市面上很多教材那种拥挤不堪、密密麻麻的视觉体验，它在留白和字体选择上拿捏得恰到好处。章节标题和正文之间的间距处理得非常得当，使得阅读的节奏感很强，眼睛不容易感到疲劳。我注意到一些关键概念的解释部分，作者采用了加粗或者小框的形式进行了强调，这种视觉上的区分度很高，即便是初次接触这些复杂概念的学习者，也能迅速抓住重点。更让我惊喜的是，书中对一些历史背景的穿插介绍，并没有采用生硬的文字堆砌，而是通过一些简短的引文或者历史小故事来润色，这极大地提升了阅读的趣味性。这本教材似乎很清楚，学习的过程不应该只是一种苦役，而应该是一种探索和发现的乐趣。这种细腻的排版处理，无疑是对读者体验的一种高级尊重，让人愿意沉下心来，慢慢品味其中蕴含的学术精华，而不是仅仅为了应付考试而草草翻阅。

评分☆☆☆☆☆

从一个侧面来看，这本书的目录结构本身就构成了一部微型的专业发展史。它没有局限于传统课堂的刻板框架，而是将一些前沿的、跨学科的元素巧妙地植入到了基础内容的讲解之中。比如，我初步看到有涉及现代声学原理与传统合唱技巧相结合的章节构想，这对于培养具有现代视野的音乐教育工作者来说，无疑是非常具有前瞻性的。此外，书中对不同历史时期合唱风格的区分阐述得非常细致，不是简单地罗列“巴洛克”、“古典”的标签，而是深入挖掘了当时社会文化背景如何塑造了特定的声乐织体和演唱规范。这种深度的挖掘，使得读者在学习技术的同时，也培养了批判性思维和历史洞察力。它似乎在向读者传达一个理念：真正的艺术教育，必然是技术与人文精神的完美交融，而非纯粹的技艺训练，这一点，对于旨在培养未来教育栋梁的师范院校来说，尤为重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实有种典雅沉稳的气息，那种淡雅的米黄色调，配上清晰的宋体标题，一下子就让人联想到学术的严谨和历史的厚重感。我拿到手的时候，第一感觉是这本书的纸张质量相当不错，拿在手里有分量，翻阅起来感觉很舒服，不愧是经过修订的版本，细节处理上看得出是用心了。虽然我还没有深入阅读，但光是初步浏览目录和前言，就能感受到编者在内容组织上的匠心。他们似乎并不满足于简单地罗列知识点，而是试图构建一个逻辑自洽的知识体系，从基础原理到高级技巧，层层递进，这种结构设计对于一个系统学习者来说是极其友好的。我尤其欣赏它在章节安排上体现出的平衡感，既有对理论深度的挖掘，又不乏对实践操作的指导，这种文理兼修的编排方式，让人在学习过程中既能“知其所以然”，又能“知其所以然地做”。这种对教材质量的重视，让人对后续的学习内容充满期待，相信它不仅仅是一本工具书，更像是一位循循善诱的良师。