全国长笛考级曲目辅导示范十级SV-1335（4VCD）视频曲集 刘品示范舒伯特钢琴奏鸣曲集(第2卷) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539643571

商品编码：29867735427

丛书名： 舒伯特钢琴奏鸣曲集(第2卷)

出版时间：2012-09-01

目录：

第I片：练习曲部分1、第7首2、第I1首3、第I4首第二片：1、第23首2、第24首3、第27首乐曲部分 4-5 协奏曲 第I乐章第三片：1-2 大波兰舞曲3-4 如歌的与急板第四片：1-2 引子与“美丽的磨坊女”主题变奏曲

 

刘品，上海音乐学院长笛教授。早年师从长笛前辈尹政修先生和捷克斯洛伐克长笛家鲍莱克。在苏联指挥家迪利季耶夫的指挥下，录制了巴赫的长笛组曲唱片一套。五十年代起担任上海音乐学院管弦系的领导及长笛教学工作，数十年来为我国培养了众多的长笛演奏和教学人才，他的学生多人、多次在各类长笛比赛中获大奖。 

 

乐海拾贝：一部关于西方古典音乐史与管弦乐器发展的深度探索 本书并非专注于某一特定乐器考级曲目的指导，亦非聚焦于舒伯特某特定卷次的钢琴奏鸣曲分析。相反，《乐海拾贝：一部关于西方古典音乐史与管弦乐器发展的深度探索》 旨在为音乐爱好者、专业学习者以及对西方艺术史有浓厚兴趣的读者，提供一部宏大而细致的音乐文明画卷。 本书结构严谨，内容涵盖广博，分为上下两卷，共计十五章，辅以数百幅珍贵历史图片和乐谱节选。它不提供任何考级范例或演奏技巧的即时示范，而是从更深层次的理论、历史和文化语境中，阐述西方音乐是如何一步步演化成为今日我们所听到的面貌。 --- 上卷：从巴洛克到浪漫主义——音乐范式的演变与核心精神 上卷聚焦于欧洲古典音乐史上的三大关键时期，深入剖析了各个时期在和声、复调、曲式结构以及乐器发展上的革命性进步。 第一章：中世纪的曙光与格里高利圣咏的奠基（约 450-1450 年） 本章首先回顾了西方音乐的源头——教会音乐。详细阐述了格里高利圣咏的单音音乐特性、记谱法的起源，以及早期奥尔加农的出现如何为复调音乐埋下伏笔。我们探讨了中世纪世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）的地位，并分析了早期记谱者如圭多·达莱佐（Guido of Arezzo）对现代音高概念的贡献。本章不涉及任何浪漫主义或古典主义的曲式结构。 第二章：文艺复兴的和谐与人文主义的回响（约 1450-1600 年） 文艺复兴时期的音乐核心在于对模仿复调（Imitative Polyphony）的极致追求。本章深入分析了帕莱斯特里那（Palestrina）的宗教音乐如何达到完美的平衡，以及雅各布斯·凡·埃克纳（Josquin des Prez）世俗和宗教作品中的人文主义色彩。重点讨论了牧歌（Madrigal）在文本与音乐结合上的创新，以及早期键盘乐器（如维吉纳琴）的初步发展，但完全避开了对奏鸣曲结构的讨论。 第三章：巴洛克之魂：对位法与情感的张力（约 1600-1750 年） 巴洛克时期是音乐史上最为“结构化”的时期之一。本章详细解析了巴赫（J.S. Bach）的赋格艺术，特别是《平均律钢琴曲集》中对十二平均律的实际应用，但分析的重点在于其对位法的严谨性与逻辑性，而非任何特定的独奏曲演奏技巧。我们还探讨了歌剧的诞生、通奏低音（Basso Continuo）的重要性，以及维瓦尔第（Vivaldi）协奏曲的结构原理。 第四章：协奏曲的成熟：从科雷利到巴赫（器乐篇章） 本章专门梳理了协奏曲体裁的发展脉络，从早期意大利大协奏曲到巴赫的《勃兰登堡协奏曲》。重点分析了快-慢-快的三乐章结构如何确立，以及轮旋曲式（Ritornello Form）的运用，旨在揭示器乐形式如何服务于结构美学。 第五章：歌剧的诞生与早期发展（蒙特威尔第与早期那不勒斯学派） 本章探讨了歌剧如何在佛罗伦萨的“谈话会”中萌芽，以及蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过《奥菲欧》确立了咏叹调和宣叙调的基本区分，为后世的戏剧性音乐表达奠定了基础。 第六章：洛可可的优雅与“敏感风格”（Sensitive Style） 在巴洛克晚期到古典主义早期之间，音乐风格发生了显著转变。本章介绍了C.P.E. 巴赫等人所倡导的“敏感风格”，强调旋律的线条感和情感的细腻表达，这是对巴洛克宏大叙事的修正，为海顿和莫扎特的出现做好了情感铺垫。 第七章：古典主义的理性与完美：奏鸣曲式的确立 本章是上卷的核心理论部分，集中讲解了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构（呈示部、展开部、再现部）及其在交响乐和室内乐中的应用。我们详细分析了海顿和莫扎特如何将这一结构推向成熟，通过对比不同作品的呈示部处理，阐述其内在的逻辑张力与解决。本章的讨论是基于曲式理论和历史语境的，不涉及任何具体奏鸣曲的逐段解析或演奏示范。 第八章：交响曲的典范：海顿与莫扎特 通过分析海顿的“伦敦交响曲”和莫扎特的“朱庇特交响曲”，本章展示了古典主义管弦乐队的编制如何稳定，以及如何利用奏鸣曲式构建宏大的多乐章结构。 第九章：浪漫主义的觉醒：贝多芬的桥梁作用 本章将贝多芬定位为连接古典与浪漫的巨匠。重点分析他如何拓展奏鸣曲式的界限，引入更强烈的戏剧冲突和个人情感表达，特别是对速度标记和配器的革新，以及他作品中英雄主义主题的体现。 第十章：舒伯特的抒情世界与室内乐的巅峰 本章探讨了舒伯特（Franz Schubert）在德奥艺术歌曲（Lieder）领域的开创性贡献，分析了他如何通过钢琴伴奏来描绘诗歌意境。在器乐方面，我们分析了他的晚期弦乐四重奏，强调其独特的旋律线和近乎预示性的和声语言，关注其作品中弥漫的“未竟之梦”的基调。对舒伯特钢琴奏鸣曲的探讨仅限于其在浪漫主义早期对奏鸣曲式结构和声语言的拓展，而非针对特定卷册的演奏指导。 --- 下卷：管弦乐的扩张与音乐的现代化进程 下卷将目光投向十九世纪中叶至二十世纪初，探讨管弦乐的爆炸性发展、民族乐派的兴起，以及音乐如何应对工业化和现代性的冲击。 第十一章：浪漫主义的极致：李斯特、肖邦与钢琴艺术的巅峰 本章分析了十九世纪钢琴音乐的巨大变革。肖邦对波兰民族元素的融入、对踏板的革新性使用，以及对夜曲、叙事曲等新型小型曲式的创造。李斯特如何通过“交响诗”和钢琴改编，将管弦乐织体引入键盘，以及他作为独奏家对音乐会文化的巨大影响。 第十二章：德彪西与印象主义：色彩与氛围的革命 本章深入剖析了十九世纪末期音乐对传统功能和声的质疑。德彪西如何运用全音音阶、五声音阶以及不协和音程来营造光影变幻的听觉印象，以及他如何“模糊”了和声的进行逻辑。 第十三章：管弦乐的史诗：瓦格纳与李查·施特劳斯 本章专注于歌剧和大型管弦乐的革新。瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）理论如何彻底改变了叙事音乐的结构。随后的李查·施特劳斯如何利用日益庞大的管弦乐队，创作出描绘性极强的交响诗，如《查拉图斯特拉如是说》。 第十四章：民族乐派的崛起：俄国五人组与捷克风格 本章探讨了各国作曲家如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，以区别于德奥音乐的主导地位。重点分析了穆索尔斯基作品中的俄罗斯“泥土气息”，以及德沃夏克作品中对美洲原住民音乐的尝试性借鉴。 第十五章：二十世纪的开端：对传统的挑战与新领域的探索 本章简要概述了二十世纪初音乐的多元化趋势，包括荀伯格（Schoenberg）对无调性（Atonality）的探索，以及斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主义（Primitivism）对节奏的重新强调，为理解当代音乐的复杂性提供了理论基础。 --- 总结而言，本书是一部结构严谨、涵盖范围广阔的音乐文化通史。它强调的是音乐的“为什么”和“如何演变”，而非“如何演奏”或“如何考级”。读者将通过本书，建立起从单音圣咏到二十世纪现代主义的完整历史观和理论框架。

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哇，终于把这本关于舒伯特奏鸣曲的讲解视频教材给啃完了！作为一名苦心钻研钢琴多年的业余爱好者，我得说，这本书（或者说这个视频套装）简直是为我们这类进阶学习者量身定做的“救命稻草”。我之前对舒伯特的奏鸣曲一直心存敬畏，觉得那些复杂的和声进行和灵动的快速音群处理起来总有点雾里看花的感觉。尤其是那些需要精妙触键才能表现出“德奥浪漫主义的忧郁与辉煌”的部分，每次练到关键处，总觉得自己的理解停留在表面。然而，刘品老师的示范真是太给力了。他不仅仅是把音符弹出来，更像是在讲述每一个乐章背后的故事。比如，他对D.845那几个乐章的慢速解析，简直是把和声的推进逻辑像剥洋葱一样层层剖开，让你明白为什么作曲家要在这里用这个和弦，而不是另一个。那种对乐曲内在结构和情感脉络的把握，不是光看谱子死抠就能领悟到的。我特别欣赏他处理踏板的方式，那种若有若无，却能将整个音响空间“烘托”起来的技巧，是教科书里绝对学不到的“真传”。看了这套视频，我感觉自己对“歌唱性”的理解都上了一个台阶，不再是简单的拉长音符，而是真正理解了旋律在钢琴上如何呼吸和叙事。这套资料的价值，绝不仅仅是“考级辅导”那么简单，它更像是一张通往舒伯特内心世界的钥匙，非常值得反复品味。

评分☆☆☆☆☆

我是一名钢琴教师，平时需要搜集各种有助于提升学生演奏水平的辅助材料。坦白讲，很多教学视频为了追求“快餐式”的效果，往往会把复杂的音乐问题简单化，或者过度强调某种单一的技巧。但令人惊喜的是，这套刘品老师示范的舒伯特奏鸣曲讲解系列，却能保持极高的学术性和实践指导性之间的平衡。在处理那些结构复杂、转调频繁的乐章时，他并没有避开难点，反而深入浅出地解释了乐思是如何在不同调性之间游走的。比如，他对于如何保持长句子的连贯性，以及在突然的情绪转折点上如何通过微妙的节奏调整来增强戏剧张力，都有非常独到的见解。我发现，当我把他的某些处理方式融入到我对学生的指导中时，学生们对乐曲的理解深度明显提升了，不再仅仅是把音符弹准而已，而是开始尝试去构建自己的“音乐叙事”。特别是对一些和弦的色彩处理，他强调的“空气感”和“颗粒感”的结合，为我打开了一扇新的大门。这套视频绝对是教师必备的“工具箱”升级包，它提供了一种成熟且富有洞察力的演奏视角供人参考和学习。

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说实话，我一开始是抱着“试试看”的心态买的这套关于舒伯特钢琴奏鸣曲的讲解视频，毕竟市面上讲解古典乐派大师作品的资料汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的实在不多。这套资料最吸引我的地方，在于它对演奏细节的处理达到了令人发指的程度。你想想看，舒伯特的音乐，那种看似信手拈来，实则对触键的细腻度要求极高的音乐，如果没有一个经验丰富的演奏家亲身示范，光看文字描述是根本没法掌握的。刘品老师在讲解一些需要极度控制的弱奏段落时，那种指尖力量的分配，那种对琴键“下潜”深度的精确拿捏，简直是教科书级别的展示。我对比自己之前录制的练习版本，立刻就发现了问题所在——原来我的力度变化不够“有层次感”，很多地方的对比显得生硬。尤其对他处理慢板乐章中那些看似简单的旋律线时，那种运用指尖的“重量感”来赋予旋律深度的方法，我立刻在自己的练习中进行了模仿和调整，效果立竿见影。对于那些想把舒伯特的“如泣如诉”真正弹出来的演奏者来说，这套视频提供的不仅仅是技巧，更是一种对声音品质的终极追求。它让你明白，好的钢琴演奏，首先是对触键艺术的精通。

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我一直认为，伟大的作曲家之所以伟大，是因为他们能在最简洁的音乐语言中蕴含最丰富的情感。舒伯特正是如此。但这套关于他奏鸣曲的视频辅导，让我更深刻地体会到了“言简意赅”背后的“千锤百炼”。不同于那些只注重炫技或只停留在表面速度的教学材料，刘品老师的示范更像是一次对作曲家创作意图的深度考古。他不仅仅是在演奏，更像是在用钢琴“翻译”舒伯特用德语写就的内心独白。我特别喜欢他讲解中对“呼吸感”的强调，尤其是在那些著名的悠长旋律中，如何通过气息的控制来支撑起整个乐句，而不是在钢琴上孤立地完成音符堆砌。他通过对比不同的力度处理对情绪表达的决定性影响，让我意识到，钢琴演奏的魅力很多时候在于“微妙之处”。这套资料给我的最大启发是：技术是基础，但真正的艺术在于如何将技术服务于情感的表达。它是一份需要静下心来，反复观看、细细品味的珍贵资料，它让我在枯燥的练习之余，重新点燃了对音乐的激情与敬畏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这套关于舒伯特奏鸣曲的视频教材，最初的动机有点功利——我正准备挑战一个比较高级别的业余演奏比赛，而舒伯特的作品恰好是我的选曲之一。在紧张备赛的过程中，我最大的瓶颈在于如何将技术练习转化为真正的音乐表达。这套刘品老师的示范视频，就如同一个高水平的陪练。我并不是机械地模仿他的每一个指法，而是把他对音乐“语感”的把握学了过来。例如，在某些需要进行赋格式模仿的段落，我之前总是处理得比较僵硬，像机器人一样。而看了他的讲解后，我明白了在模仿声部之间需要有“对话感”，要有主次之分，通过细微的速度变化和音量层次来体现这种对话。这种“活的”演奏方式，是我自己苦练上百遍也无法自行领悟到的。视频的录制质量也很高，音质清晰，画面聚焦在键盘和手指上，使得观察细节变得非常容易。它真正帮助我跨越了“弹得对”到“弹得好听”之间的那道鸿沟，让我对比赛的信心增加不少，因为它提供了明确的、可执行的改进方向。