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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103026434

商品编码：29868523509

丛书名： 声乐基础教程(第一册)

出版时间：2006-10-01

导论

一、《声乐基础教程》的学业科性质

二、《声乐基础教程》的学科任务

三、《声乐基础教程》的基本内容

四、《声乐基础教程》的教学方法

一年级一期

导言

声乐的生理基础（1）

一、歌唱的发声机能与训练

（一）声音与嗓音的产生

（二）歌唱的发声器官

（三）人声的类别与声部的划分

（四）歌唱发声的正确姿势

（五）练声的目与要求

二、歌唱的呼吸机能与训练

（一）歌唱呼吸的基础原理

（二）自然呼吸与歌唱呼吸

（三）歌唱呼吸的基本方法

（四）歌唱呼吸训练的基本方法

三、歌唱的共鸣机能与训练

（一）共鸣的原理

（二）说话的共鸣与歌唱的共鸣

（三）歌唱共鸣的作用

（四）歌唱共鸣的训练

四、歌唱的语音基础与训练

（一）音素与音节

（二）母音与子音

（三）声母、韵母与声调

（四）声、韵、调的发音与正音

一年级二期

导言

声乐的生理基础（2）

一、发声机能的协调运动

（一）声带的协调运动及其训练

（二）声带的闭合与声音的激起

二、歌唱的依字行腔与训练

（一）依字行腔与字正腔圆

（二）依字行腔的字音结构

（三）依字行腔的艺术规律

声乐的心理基础

一、歌唱的心理与生理

二、歌唱的心理感受

三、歌唱的心理体验

四、歌唱的心理想像

声乐教学作品选

一年级一期曲目

二年级二期曲目

《声乐基础教程》作为高师的专业基础课之一，它与其他专业基础课有着相辅相成的密切关系。比如学习了《视唱练耳》必然提高了学生视唱的能力，把握音准、节奏；《基本乐理》与《基础和声》的学习，不仅使学生掌握了音律、音程、调式、调性以及和声构成，与比同时也必然提高了学生对声作品的分析能力。而《歌曲分析与写作》的学习更是直接进行声学作品的理解与创作，从无声的曲作到有声的演唱，加强了创作与实践的联系。其他如《钢琴》、《音乐欣赏》、《合唱》等等课程无疑对声学演唱与教学发挥着重要作用。为此，我们不要把〈声学基础教程〉看成是孤立的课程，既要发挥这一学科作用的独立性，也要充分把握其他学科促进作用的相关性，以便更好的完成《声学基础教程》的教学任务。

好的，这是一本名为《管风琴演奏入门与技巧精讲》的图书简介，旨在提供详尽的管风琴演奏基础知识与高级技巧指导。 --- 图书名称： 管风琴演奏入门与技巧精讲 图书简介 《管风琴演奏入门与技巧精讲》是一本专为渴望掌握管风琴这门古老而庄严的乐器演奏艺术的初学者与有一定基础的进阶学习者量身打造的综合性教程。本书系统地梳理了管风琴的历史沿革、结构原理，并以清晰、循序渐进的方式，全面覆盖了从基础指法、踏板运用到复杂复调作品演奏的全部核心技能。我们深知管风琴教学的复杂性，因此本书不仅侧重于技术层面的训练，更强调音乐理解与演奏风格的培养，力求让读者不仅学会“弹奏”，更能真正“演奏”出管风琴庄严肃穆、气势恢宏的独特魅力。 第一部分：管风琴的结构、历史与准备工作 本部分是构建扎实基础的第一步。我们将首先追溯管风琴自中世纪以来的演变历程，了解其在不同历史时期（如巴洛克、浪漫主义、近现代）音乐风格的演变及其对演奏技术的影响。 1.1 管风琴的解剖学与机械原理：详细介绍管风琴的四大组成部分——键盘系统（Manuals）、音栓系统（Stops）、风箱与风道系统（Bellows and Windchest）以及踏板键盘（Pedalboard）。我们将深入解析不同类型的音栓（如里科管、簧管、音栓组合）的工作原理，以及它们如何共同创造出丰富的音色和动态变化。理解结构是正确使用乐器的前提。 1.2 演奏环境的准备与乐器适应：对于初学者而言，适应管风琴的力度感和音栓切换是首要挑战。本章指导读者如何正确调整演奏凳的高度、身体姿态，并介绍初次接触管风琴时应注意的音栓组合实验，培养对音色组合的初步感知。 1.3 乐谱阅读的特殊性：管风琴乐谱通常为三行或四行谱表（包括高音谱号、中音谱号和低音谱号），这要求演奏者具备极强的视奏能力和多声部独立控制能力。本书特别提供了针对管风琴乐谱阅读的速成练习，重点解决跨谱表、大跨度音程的视觉处理。 第二部分：核心演奏技巧的建立 技巧的建立是贯穿始终的主线。本部分专注于双手和双脚的独立协调训练。 2.1 手指技术与触键深度：管风琴的触键与钢琴截然不同，它需要的是“按下”而非“敲击”。我们将详细讲解如何控制手指的重量传递，确保音符的清晰分离和均匀力度。练习材料精选自布克斯特胡德、帕赫贝尔等早期作家的短小作品，注重指尖的独立性和灵活性。 2.2 踏板键盘的入门与双脚独立：踏板演奏是管风琴技术的核心难点。本书采用“由简入繁”的策略，首先教授脚尖（Toe）和脚跟（Heel）的交替运用，随后引入脚尖的交叉与踏板的滑奏技巧。大量练习集中于单音旋律的流畅性、双音与三音和弦的精准控制，确保双脚能够像双手一样灵活地演奏复杂的低音声部。 2.3 手脚协调的初步融合：在掌握独立技术后，本书引导读者开始进行简单的三声部练习，着重于双手在上行或下行时，如何与踏板声部保持节奏和乐句的连贯性。经典的“三声部赋格”片段被用作初期融合的范例。 第三部分：音栓控制与演奏的色彩学 管风琴被誉为“乐器之王”，其宏大的音响效果来源于对音栓的精妙运用。 3.1 音栓基础知识与功能分类：深入讲解八尺（8’）、十六尺（16’）、四尺（4’）音栓的音高关系，以及簧管组（如Oboe, Trumpet）的音色特点。学习如何根据作品的时代背景和所需的教堂空间效果来选择恰当的音栓组合。 3.2 动态控制与音栓的切换：与钢琴的踏板控制不同，管风琴的动态变化主要通过音栓的增减和使用“组合器”（Swell Shoes/Pedals）实现。本章详细介绍如何设计音栓的“渐强”（Crescendo）和“渐弱”（Diminuendo）的步骤，特别是如何平滑地切换音栓而不产生突兀的“断层感”，确保音乐的连贯性。 3.3 演奏风格的色彩适配：针对不同时期作品的音色要求进行专项训练。例如，巴洛克时期作品（如巴赫）强调清晰的音栓分离度，常使用16’音栓营造厚重感；而浪漫主义作品则需要更丰富的全编制音栓和管弦乐队般的和声色彩。 第四部分：进阶技巧与曲目解析 本部分将挑战更高难度的演奏技巧，并结合重要的管风琴曲目进行实战演练。 4.1 复调织体与巴赫的遗产：集中攻克巴赫赋格（Fugue）的演奏难点。重点在于如何清晰地分离对位声部，确保每个声部都有独立的呼吸和乐句线条。我们将分析《小赋格与托卡塔》、《三声部创意曲》中适合管风琴改编的片段，训练演奏者在多声部压力下保持节奏的稳定性和清晰度。 4.2 连奏（Legato）的极限与装饰音处理：在管风琴上实现真正的连奏需要精确的力度控制和对音栓衰减速度的预判。本章教授如何处理复杂的装饰音群（如颤音、回音），使其听起来自然而非机械的快速点击。 4.3 踏板技巧的深度发展：涉及更复杂的踏板演奏技巧，如快速的音阶与琶音在踏板上的流畅进行，以及如何处理需要大幅度跨越和快速脚部转移的乐段，确保低音声部成为真正的主导力量。 4.4 演奏实践与排练建议：提供一套完整的排练流程，指导学习者如何将技术练习转化为完整的音乐作品。包括如何使用乐器本身的“摇板”（Couplers）功能，如何规划长时间演奏的体力分配，以及如何利用教堂环境进行空间感处理的练习。 结语 《管风琴演奏入门与技巧精讲》旨在成为学习者案边不可或缺的工具书。它不仅是技术的指南，更是通往管风琴艺术殿堂的桥梁。通过系统的学习和不懈的练习，读者将能够自信地驾驭这件宏伟的乐器，探索其无穷无尽的音乐表现力。本书所涵盖的知识点和练习范例，足以支撑一位严肃的学习者从零基础迈向专业演奏水准。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是“严谨中带着温柔”。我是一个对美学要求比较高的人，很多教材的语言要么过于学术化到晦涩难懂，要么就是矫揉造作地追求所谓的“艺术腔调”。《声乐基础教程(册)》的语言风格非常适中，它用最精确的词汇去描述发声的物理状态，但同时，作者在讲解过程中展现出了一种对学习者困境的深刻理解。比如，当提到“放松”这个看似容易实则极难达到的状态时，它没有简单地要求你“放松”，而是提供了一系列可以用来激活身体深层肌肉群、从而间接达到放松效果的具体小练习。这种“授人以渔”的教育方式，让我感觉非常受用。我尤其喜欢其中关于“音准与听觉训练”的章节，它不只是枯燥地练习音阶，而是将音准的训练融入到了对旋律线条的整体把握中，强调“耳朵指导声音”的重要性。读完这本书，我最大的收获就是建立了一种更健康、更可持续的声乐学习观——声乐不是一场与身体的搏斗，而是一次与科学规律的和谐共舞。它不仅教会了我如何发声，更教会了我如何倾听自己，如何尊重自己的身体去歌唱。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我当初买这本《声乐基础教程(册)》纯粹是冲着它在业余圈子里不错的口碑去的，但真正用起来后，我发现它简直是为“自学者”量身定做的神器！我平时工作很忙，没时间跟着老师每周固定上课，只能自己摸索。这本书的排版设计太人性化了，大量的音频示例（虽然我买的是纸质版，但配套的在线资源指引很清晰）和图示说明，让我感觉就像身边随时跟着一位耐心的导师在指导。它将复杂的乐理知识，特别是与声乐密切相关的那些部分，拆解得非常清晰，比如不同调性下母音的调整策略，这在其他教材里往往被一笔带过，但在本书中却被系统地拎出来讲解。我尤其欣赏它对视唱练耳这块内容的融入，虽然不是主打，但穿插其中的练习极大地帮助我提高了对音准的敏感度和对歌谱的阅读速度。我不再只是“听着”音高唱，而是能提前在脑海中“看到”音高和旋律的走向，这对于提高排练效率简直太重要了。如果你是一个时间零碎、需要高度自律来学习声乐的人，这本书的结构逻辑能帮你建立起清晰的学习框架。

评分☆☆☆☆☆

我是一个已经学习声乐好几年的业余爱好者，一直在寻找一本能帮我突破瓶颈、提升音乐表现力的“进阶宝典”，这本《声乐基础教程(册)》确实没有让我失望，它的深度远超我预期的“基础”范畴。这本书的厉害之处在于，它对“情感表达”和“技术融合”的探讨达到了一个非常高的境界。很多教材只教你怎么把音唱准、唱稳，但如何让声音真正拥有故事性和感染力，这本书里有独到的见解。特别是关于不同声部（比如抒情、戏剧性声音的塑造）的色彩变化和音色控制部分，作者给出的建议非常具体，不是空洞的艺术口号，而是有明确的技术路径可循。我尝试着按照书上对共鸣腔体调节的细微指导，重新处理了几首我常唱的德语艺术歌曲，效果立竿见影，声音的穿透力和立体感明显增强，连我的声乐老师都夸我最近的演唱进入了一个新的层次。这本书对于那些已经掌握了基础发声技巧，但渴望在艺术诠释上有所突破的进阶学习者来说，绝对是一份不可多得的财富。它促使我从“唱歌机器”转变为一个有思考、有温度的音乐诠释者。

评分☆☆☆☆☆

我对这本《声乐基础教程(册)》的评价，得从它的“实用性”和“全面性”两个维度来谈。市面上的声乐教材很多，要么过于偏重古典美声的规范，要么更侧重流行唱法的技巧，而这本书的妙处在于它搭建了一个非常稳健的“通用”平台。它没有刻意强调某种流派的优劣，而是回归到声乐发声最核心、最普适的物理学原理上。比如，书中对“换声区”的处理，没有采用僵硬的“换声点”理论，而是提供了一套平滑过渡的声带闭合调整方案，这对我这种女中音来说，简直是福音，困扰我多年的换声区打结问题得到了极大的缓解。此外，对于“歌唱中的呼吸与节奏配合”这一块的论述，也展现了作者深厚的音乐素养，它不仅仅是机械地告诉你哪里吸气，而是教你如何根据音乐的“意图”来安排呼吸，让呼吸成为音乐表达的一部分，而不是负担。这本书的广度让人敬佩，它触及到了声乐学习的方方面面，堪称一本“万金油”式的优秀教材，值得所有声乐学习者案头常备，随时翻阅参考。

评分☆☆☆☆☆

这本《声乐基础教程(册)》简直是声乐学习者的一盏明灯啊！我最近刚开始接触声乐，以前总觉得唱歌这事儿挺玄乎的，靠点天赋，然后自己瞎琢磨。结果翻开这本书，才发现里面系统、科学的知识体系简直把我彻底“掰正”了。首先，它对气息的讲解就非常细致入微，不是那种空泛地说“要用丹田”，而是结合大量的图示和具体的练习方法，手把手教你如何找到并控制正确的支撑点。我以前唱歌气息总是Hold不住，高音就飘，低音就闷，读了前几章后，感觉像是打通了任督二脉，那种稳定感和力量感瞬间就上来了。书中对发声器官的解剖学描述也相当到位，用通俗易懂的语言解释了复杂的声带振动原理，让我不再是盲目地“用力”，而是真正理解了“科学地发声”。最让我惊喜的是，它并没有一上来就强迫你唱什么高难度曲目，而是非常耐心地从“哼鸣”和“母音的规范化”入手，像搭积木一样，一点点地构建起稳固的声乐地基。对于初学者来说，这本书的结构安排简直是教科书级别的典范，让人每翻开一页都能感受到知识的厚度和作者的用心良苦。