音乐教育理论与科研方法论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音乐教育
• 教育理论
• 科研方法
• 音乐研究
• 高等教育
• 学术著作
• 教学法
• 教育学
• 音乐学
• 研究方法论

店铺： 人天图书专营店

出版社： 言实

ISBN：9787517104872

商品编码：29886295982

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音乐教育理论与科研方法论
作者：	马东风
定价：	68.0
出版社：	言实
出版日期：	2014-11-01
ISBN：	9787517104872
印次：
版次：
装帧：
开本：	小16开

内容简介

本书是一部以讲授音乐教育学理论与音乐教育实践的专门著作。主要内容包括：音乐教育学学科总论、音乐教育的历史发展、音乐课程标准简介、音乐审美能力的培养、音乐教育心理学基础、音乐教学的基本内容等。

音乐的内在结构与文化表达：一部聚焦于音乐本体论、审美体验及社会功能的探索 本书旨在深入剖析音乐作为一种复杂的人类文化现象，其内在的结构逻辑、跨文化的表现形式以及在个体与社会层面所扮演的关键角色。我们不从单一的音乐教育或科研方法论的视角切入，而是将焦点置于音乐的本体存在本身——音乐是什么？它如何运作？它为何对人类至关重要？ 本书的结构围绕三个核心支柱展开：音乐的物质基础与结构分析、音乐体验的心理声学与审美哲学，以及音乐在历史变迁中的社会学意义。 --- 第一部分：声音的雕塑——音乐的物质基础与结构逻辑 本部分着重于解析音乐赖以存在的物理基础，并将其抽象化为可供理解的结构体系。我们避免将这些概念束缚于特定的教学法框架内，而是将其视为普遍的音乐学研究对象。 1. 音高的本源与调性系统的演化 我们首先探讨声音的物理属性，特别是频率、泛音列与人耳感知之间的复杂关系。不同于将音高视为教学工具，本书将其视为一种自然界中潜在的规律，人类通过文化选择将其组织化。 泛音列的超越性： 深入解析自然泛音列如何决定了人类对和谐与不和谐的原始感知，以及这种物理现实如何催生了不同的音律系统。 调性的建构与解构： 考察从五声音阶到十二平均律的发展轨迹，并非作为技能传授的路径，而是作为一种历史性的、区域性的结构选择。着重分析调性功能和声部进行在不同历史时期（如中世纪圣咏、巴洛克复调）所体现的内在逻辑强度与张力模型。 2. 时间的组织：节奏、节拍与律动 节奏被视为音乐的“时间建筑学”。本章超越简单的节拍标记，探究节奏如何在不同文化中构建时间感知，并引发特定的身体反应。 跨文化节拍的差异性： 对比印度的塔拉系统、西非复节奏（Polyrhythm）的叠加逻辑与欧洲古典音乐中匀速节拍的内在驱动力。这些差异并非教学难点，而是文化处理时间流逝的本体论差异。 “律动”的非量化维度： 讨论乐句（Phrase）的呼吸、能量的蓄积与释放，这些难以完全量化的元素如何通过演奏者的“身体即兴”转化为听觉经验，超越了纯粹的记谱法限制。 3. 音色的物质性与符号学 音色（Timbre）被视为音乐结构中最具个体性和文化指涉性的元素。本书将其视为一种“听觉的纹理”，而非仅仅是乐器识别的标记。 频谱分析与情感投射： 探讨特定谐波分布如何影响听众对音色的情感判断（例如，尖锐的Overtone如何与焦虑关联，浑厚的基频如何带来稳定感）。 乐器音色的文化编码： 分析特定乐器（如丝竹乐的竹音、管弦乐队的弦音）在特定文化中积累的象征意义，这些意义如何重塑了听者对作品的预期与理解。 --- 第二部分：在耳中发生的奇迹——音乐体验的心理声学与审美哲学 此部分将研究听众的主体性，探讨声音如何转化为意义，以及人类对美、震撼或愉悦的音乐体验背后的认知机制与哲学基础。 4. 听觉的认知构建与记忆 本章侧重于人类如何“理解”音乐，以及音乐如何在大脑中形成持久的印记。我们探讨的不是如何训练听力，而是听觉系统如何主动地对声音流进行意义分配。 预期与偏差理论： 分析音乐叙事中，听众如何基于先前的经验预测下一个音高或节奏，以及当这种预期被打破（或得到确认）时所产生的审美张力。这是一种认知层面的满足或挫败。 音乐记忆的结构： 考察旋律的“可抓取性”与主题的辨识度，探究记忆如何将片段化的声音流整合成连贯的“音乐故事”。 5. 审美判断的哲学辩论：形式与情感的交织 本节深入探讨音乐审美判断的深层根源，质疑是否存在普适的“好音乐”标准。 形式主义的局限性： 批判性审视仅关注音乐内部结构（如对位、和声进行）的纯粹形式主义立场，指出它往往忽略了音乐与人类生存状态的联系。 表现主义的边界： 讨论音乐表达情感的有效性，分析“悲伤的音乐”如何通过特定的音高、速度和力度模式，在不同文化中激活相似的情感回路，探究这种“移情”的深度和局限。 6. 崇高感与聆听的“在场” 探讨听众在面对宏大、复杂或极具张力的音乐作品时所体验到的“崇高感”——一种既敬畏又感到自身渺小的复杂体验。 从贝多芬到先锋派： 分析不同历史时期作品如何利用规模、密度或不和谐性来挑战听觉的承受极限，迫使听众进入一种超越日常认知的状态。 静默的张力： 探讨在音乐结构中，停顿（Rest）和空白所蕴含的意义，它们如何为听觉体验设置了必要的“呼吸空间”，并增强了后续声音的冲击力。 --- 第三部分：音乐的历史肌理与社会互文性 本部分将音乐置于更宏大的社会、政治和人类学背景之下，考察音乐的功能性转变及其作为文化符号的意义。 7. 仪式、权力与集体身份的构建 音乐并非中立的艺术，它长期以来是权力结构和社会凝聚力的载体。本书考察音乐如何被用作工具。 礼仪音乐的规范性： 分析宗教或宫廷音乐如何通过其复杂的结构和严格的演奏规范，来巩固特定的神圣秩序或社会等级。这是一种通过声音来界定“我群”与“他者”的手段。 民族音乐的想象共同体： 探讨十九世纪以来，特定旋律、配器（如管弦乐队的普及）是如何被选定、固定，并作为国家或族群身份的听觉标识被广泛接受的过程。 8. 技术介入与听觉的“去语境化” 现代录音技术和大众传播对音乐本体的冲击，是理解当代音乐现象的关键。 录音的悖论： 探讨录音技术如何解放了音乐的“现场性”，使其能够无限复制，但也同时剥离了其在特定时空下独一无二的价值。我们研究的不是如何制作高质量录音，而是技术如何改变了我们对“音乐事件”的定义。 背景音乐与注意力的分散： 分析功能性音乐（如电影配乐、环境音乐）如何将音乐降格为一种情绪调节剂，而非需要主动投入注意力的审美对象。 9. 风格的生成与音乐的“对话性” 音乐风格的更迭被视为不同思想、社会结构和技术条件之间持续的对话与冲突的结果。 风格的边界模糊： 考察巴洛克晚期与古典主义初期，或者爵士乐与现代古典音乐之间风格元素的相互渗透，分析这些边界是如何在实践中被不断挑战和重新定义的。 音乐的未来趋向： 基于历史的结构分析，对音乐在信息爆炸时代，如何可能继续保有其作为深度人类经验载体的可能性进行推测与探讨，关注其在新媒介中的形态演变。 本书力求为读者提供一个广阔的、多维度的音乐视野，它要求听者不仅要“会听”，更要思考“为何这样听”，以及“这种听法意味着什么”。它是一部关于声音世界的深层结构、感知机制与文化价值的综合性考察。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度远超出了我阅读同类书籍的预期。它在处理宏大叙事和微观案例之间的平衡上做得非常出色。我感觉自己像是在进行一次高强度的“思维体操”，因为它不断地挑战读者的既有认知框架。特别是关于“科研伦理”和“教育责任”的讨论，不再是空泛的说教，而是紧密结合音乐教育实践中的具体情境，例如如何处理学术的纯粹性与教学的实用性之间的矛盾。这本书的结构设计非常巧妙，它先搭建起理论的高塔，然后引导读者一步步走下塔，去解决地面的具体问题。读完之后，我感觉自己不再仅仅是一个执行者，而是一个有能力设计、评估和批判自己教学实践的研究者。那种掌控感和清晰度，是很多偏重实践技巧的书籍无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

我拿到这本书的时候，第一印象是它的装帧设计很有品味，但真正让我眼前一亮的是它的内在逻辑构建。它似乎打破了传统音乐教育书籍的章节划分习惯，而是围绕几个核心的、相互关联的问题层层深入。尤其让我印象深刻的是对“审美体验”的探讨部分，作者没有仅仅停留在感性的描述上，而是引入了心理学和神经科学的一些前沿观点，试图从更科学的角度去解释音乐如何作用于人的心智。这种跨学科的视角，极大地拓宽了我的视野，让我开始重新审视我们长期以来所信奉的某些教育直觉。我记得有一段分析，关于如何评估学生非结构化音乐表达能力的段落，写得极为精辟，指出目前评估体系的巨大盲区，让人读完后不禁拍案叫绝，感觉自己过去在做评价时，可能遗漏了最本质的东西。这本书更像是一部方法论的“手术刀”，精准地剖析了我们教学实践中的痛点。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对学术著作的耐心一向有限，很多书籍的绪论部分就能让人望而却步。但这本书的开篇就设置了一个极具张力的议题，迅速抓住了我的注意力。它的语言风格极其流畅，甚至带有一丝文学性的色彩，这在专业书籍中是相当难得的。它没有避讳音乐教育研究中那些长期存在的争议和困境，反而将其作为推动发展的动力来阐述。我特别关注了其中关于“地方性音乐文化融入”的章节，作者提供了一套非常实用的工具箱，不是那种生搬硬套的流程，而是指导读者如何根据自身环境去“定制”研究方案。这对于身处非一线城市、资源相对有限的教育工作者来说，简直是雪中送炭。它传递的核心信息是：高质量的研究和实践，并非只有在特定资源集中的地方才能实现，关键在于研究者自身的洞察力和系统构建能力。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书时，我有些担心它会过于偏向某一特定的教育哲学流派，导致视角局限。然而，事实证明我的担忧是多余的。这本书展现出一种令人敬佩的包容性和批判性融合的智慧。作者引用的文献和案例具有极高的国际视野，但其落脚点却异常坚实地扎根于本土教育语境。我尤其欣赏其中对“教师专业成长模型”的迭代分析，它清晰地勾勒出不同阶段教师的认知壁垒和突破口，并据此提出了相应的科研训练路径。这本书不是那种读完就束之高阁的工具书，它更像是一本“思想伴侣”，需要反复品读，每次重读都会在不同的知识点上产生新的共鸣和启发。它对音乐教育研究范式的革新呼吁，是当下这个快速变化的时代对我们提出的严峻挑战，而这本书，无疑提供了最坚实的应答蓝图。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐教育领域的“寻宝图”！我本以为自己对这个领域已经有了一定的了解，读了市面上不少教材和专著，但直到翻开这本书，才发现自己之前掌握的知识体系有多么单薄。作者的叙述方式非常独特，不是那种枯燥的理论堆砌，而是像一位经验丰富的导师，娓娓道来，把那些看似深奥的教育哲学和实践操作巧妙地融合在一起。读起来有一种豁然开朗的感觉，尤其是在谈及某些教学法流派的演变时，那种历史的厚重感和现实的紧迫感交织在一起，让人忍不住想要立刻回到课堂上去实践。我特别欣赏它对“创新”的定义，不只是停留在口号层面，而是提供了具体的分析框架，如何在一个既定的教学体系中寻找突破口。这本书对于那些希望从“会教”跨越到“善教”的教师来说，绝对是一剂强心针，它提供的不只是方法，更是一种思考的维度和格局。